SALVADOR DALÍ ¿Genio o Psicópata?

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Lo que es cierto es la gran creatividad del genio catalán Salvador Felipe Jacinto Dalí I. Domènech, marqués de Dalí de Púbol, nacido el 11 de mayo de 1904-1989 en Figueras, España.  Gran pintor, escultor, grabador e incluso escritor y escenógrafo. Estrafalario y excéntrico, fue poseedor de un gran talento artístico tan polemizado por la élite intelectual.

Intentó establecer una nueva expresión dentro de la corriente pictórica surrealista basada en la experiencia onírica que André Bretón (de quien recibió gran influencia en cuanto a género se refiere) sin embargo, alguna vez refutara, denominándola “Paranoia-Crítica.

El término de paranoia se relaciona con el fenómeno del delirio, que se traduce por una serie de asociaciones interpretativas y sistemáticas.  Ante ello Dalí afirmaría:

-“Mi  método consiste en explicar de forma espontánea el conocimiento irracional que nace de las asociaciones delirantes, dando una interpretación crítica del fenómeno”-.

Renovación que el autor plasmaría evidentemente en sus lienzos y en la obra del cineasta Buñuel y del escritor García Lorca, con quienes alguna ocasión trabajara temporalmente de manera exitosa.

Por otro lado se dijo que Sigmund Freud, tras de haber conocido a Dalí y a algunos de sus contemporáneos, escribió a Sweing argumentando:

-Es preciso darle las gracias a Usted, por la nota de presentación que me trajeron los visitantes de ayer, porque hasta entonces, los surrealistas, que al parecer me han escogido como su Santo Patrón, me parecían unos locos integrales (digamos al noventa por ciento como el alcohol absoluto. El joven español( refiriéndose a Salvador Dalí) con sus candidos ojos de fanático y su innegable maestría técnica, me ha incitado a reconsiderar mi opinión.”-

Por otro lado André advertía al hacer alusión a la hiper-lucidez y al constante desafío de Salvador Dalí por lo establecido, que si Nietzsche lo hubiese conocido, lo más probable es que lo hubiese tomado como el prototipo ideal de su “Superhombre”.

Salvador Dalí en vida, e inclusive actualmente, se muestra como modelo de originalidad y desafío. Su obra ha quedado como un legado artístico que muestra el paroxismo daliliano y su excepcional creatividad, que fue más allá del arte, colocándolo triunfalmente en todas las empresas propuestas por él.

En su existencia se conjugaría la extravagancia y la creatividad, rompiendo las reglas del juego social y moral, para dar cabida de este modo a la dualidad Dalí- Gala. Gala como su mujer y alma gemela, su paranoia, su sostén, su fin, su musa, su motivación y gran amor. Y por supuesto consagrando a Salvador Dalí más allá de la locura, en un “Gran Genio”.

 TITUS.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Recreada en TITUS ANDRONICUS, obra como es bien sabido fue escrita por el afamado escritor ingles William Shakespeare. La fecha de su creación  y autoría es un tanto confuso, pero acorde a diversas opiniones de los doctos en la materia, la mayoría coinciden en afirmar que fue en el año de 1593. Lo que si es totalmente cierto es que fue por primera vez escenificada en el Teatro londinense la Rosa, un año más tarde.

TITUS es una obra operística perteneciente al género de la tragedia, la cual dará inicio el día de hoy, representándose en un solo acto bajo la presentación de una Cámara Contemporánea, en el Centro Cultural Helénico.

El objetivo del grupo creativo es el tener un acercamiento con el público joven. TITUS ANDRONICUS ha sido considerada como la obra más cruenta y violenta de Shakespeare que presenta a un Estado fallido que devastándose ante la profunda ruptura y perdida  del poder central dominante.

En el caso de la presente representación, cuyo arreglos corren a cargo del uruguayo Guillermo Eisner y, el libreto de Carla Romero (quien también funge como directora), Catalina Pereda (la fundadora del grupo desde el 2009) y Didanwee Ken, la trama invita a la reflexión en torno a la violencia, el racismo y a la misoginia secular en la Roma Antigua.

TITUS ANDRONICUS pese a ser una tragedia muy violenta, bajo esta propuesta escénica,  evita la presentación  de la aparente sangre en el escenario. En vez de ello se juega con la presentación de distintos matices del gris y con una iluminación tenue que contrastan con el ambiente un tanto siniestro, el cual es suavizado con la presencia musical del grupo de cámara en vivo denominado “Ópera Portátil”.

Este se encuentra bajo la batuta de su director, el Señor Rodrigo Kadetel. Cámara Contemporánea la cual, tiene las siguientes características, según ellos mismo expresaron de manera textual al auto-identificarse:

-“Opera portátil es una compañía Mexicana de creación escénica dedicada a la producción y difusión de opera de cámara contemporánea. Sus óperas portátiles son creaciones minimalistas de pequeño y mediano formato que realizan el valor de la imaginación para acercar el arte y la cultura a los más diversos públicos.-

El drama de TITUS se encuentra interpretado por las sopranos María teresa Navarro, Catalina Pereda, Albina Goryachkh, los barítonos Raúl Román y Vladimir Rueda, junto con los tenores Mauricio Jiménez, Ulises de la Cruz y Mario León.

Todos ellos poseedores de hermosos coloridos de voces que matizan con sus actuaciones con un dejo siempre contemporáneo . Por ello le diremos, que el diseño del vestuario no es tradicional, pese a tener en esencia un cierto toque de éste, el cual combinan perfectamente con vestimenta actual.

TITUS se presentarán únicamente los días miércoles 6 y jueves 7 de diciembre en el Teatro Helénico, bajo la producción de la Secretaría de Cultura en México.

LA VIDA SECRETA DE LOS GATOS.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Con solamente seis funciones que iniciarán del sábado 2 al domingo17de diciembre , la “Compañía Huellas en Venus” planea presentar su  dramaturgia intitulada LA VIDA SECRETA DE LOS GATOS. Ésta, bajo un formato denominado “Teatro de Papel” el cual consiste en la presentación de diseños hechos con papel y cartulinas coloreadas, las cuales manipulan manualmente tres actores, ataviados de negro, para disminuir con ello su presencia en un foro también negro, con una iluminación dirigida hacia las papirolas.

Le contaremos que el proceso creativo comenzó un buen día en el cual su dramaturgo y director el Señor Gerardo Castillo, se comunicó con Mauricio Martínez Martínez, su actual musicalizador y actor. Su propósito fue comentarle acerca de su inquietud por montar en teatro algunos de sus materiales los cuales constaban alrededor de nueve o diez historias, en dónde los gatos eran los personajes protagónicos.

De ese modo y tras de diversas reuniones para seleccionar las tres fábulas que presentarían, también decidieron invitar a Paula Vite, Moniek Driesse y a Sergio Alberto Tamayo Castelar, para lograr junto con ellos el proceso del diseño de figuras.

Los actores que darán vida manual a éstas figuras son, Miguel Ángel Morales, Ana Cordelia Aldama y como a-priori ya mencionamos, Miguel Ángel Morales. Éste ultimo también se dio a la tarea de ser el creativo musical, introduciendo para dicho objetivo una musicalización al estilo Oriental, o más concretamente japonés.

La obra teatral esta prevista para el divertimento de pequeñitos de entre 6 años aproximadamente, con el objetivo de alejarlos un poco de los aparatos electrónicos que invaden nuestra sociedad e introducirlos al mundo gatuno con tres historietas divertidas intitulados “La cacería de los gatos”, “Timotea” y finalmente “Lorenza”.

Son tres breves cuentos, siendo el primero en el cual los gatos tras ser presentados con una corta narración de su procedencia, se describe el encuentro imaginario contra los humanos y viceversa; un mundo mágico de donde surge entre lugares mágicos y misteriosos la presencia del gato Sir Thomas Malory Tapioca, quien dividirá al Reino entre los humanos y el círculo gatuno.

El Segundo cuento narra la presencia de Timotea, una gatita multicolor cuyo gran amigo es nada menos que un pequeño ratón. Finalmente el tercer cuento presenta la vida una gata gigantesca, la cual creció y creció,  atrapada dentro de su propia casa.

Con estas tres historietas su dramaturgo le infiere a los milenarios gatos características heroicas, y comenta qué leyendas sobre éstos pequeños felinos han inspirado a diversos escritores en diversos géneros artísticos. Motivado en todo ello fue que decidió escribir bajo la finalidad de asombrar e introducir a los infantes, al misterioso mundo gatuno.

LA VIDA SECRETA DE LOS GATOS se presentará los días sábados y domingos en horario matutino de las 12:30 horas, en la Sala CCB, del Centro Cultural del Bosque, bajo la producción del Instituto Nacional de Bellas Artes y La Secretaría de Cultura.  

LAS LOCURAS DEL TENORIO.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Fíjese que esta obra ha causado controversia entre el productor Alejandro Gou y un equipo entusiasta de comediantes que el día de ayer estrenaron la puesta en escena de LAS LOCURAS DEL TENORIO. En el grupo teatral se encuentran El Costeño, Gustavo Munguia, J.J. Polvo de Estrellas, Julio Alegría, Pablo Cheng, El Indio Bryan, Luis Marcelo, Gomita, Coque Muñiz y Sergio Magaña, siendo éste último quien funge como el director y productor de la misma.   

La obra originalmente fue escrita por uno de los Miembros de la Real Academia Española del siglo XIX, me refiero al dramaturgo y poeta español José Zorrilla, nacido en Valladolid 1817 y, muerto en Madrid 1893.

Se considera su obra magnánima e Universal, como de todos es sabido. El “Don Juan Tenorio ha sido uno de los textos más leídos y representados, aún cuando no siempre se ha puesto en escena siguiendo de manera fiel al texto.

Por otro lado también ha inspirado a diversos dramaturgos quienes han intentado reescribirla con un toque personal e incluso la obra teatral más representada en escenarios mexicanos en el mes de los Días de Muertos. Y además, el “Don Juan Tenorio” ha servido de título para designar a los hombre mujeriegos o con afanes de serlo.

El productor Alejandro Gou, quien a su juicio dice poseer los derechos de autor sobre “El Tenorio Cómico” piensa demandar a los creadores de LAS LOCURAS DEL TENORIO tras la idea de creer ser él, es el poseedor exclusivo de los derechos de autor sobre “El Tenorio Cómico”, según nos dieron a conocer en rueda de prensa el día de ayer, martes 14 de noviembre los mismos integrantes de la obra.

Por otro lado, como también se comentó, la imagen del “Tenorio” matizado bajo un dejo de comicidad, antes de existir las producciones del Señor Gou, ya había sido puestas en escena por otras producciones, teniendo como protagónico hace décadas al actor Manuel “El Loco Valdez”, al Señor Paco Stanley, o a l comediante Memo Rivas, entre otros.

Pero más allá de dicha penosa circunstancia, la obra LAS LOCURAS DEL TENORIO logró estrenar y entretener al público, quien llenó el foro del Teatro Jorge Negrete, y constantemente les ovacionó con largas risotadas.

La Compañía además tiene programada a partir del día 27 de noviembre, cubrir una gira dentro de la República Mexicana, iniciándola en el territorio de San Luis Potosí para muy probablemente volver a presentarse en la Ciudad de México.

LAS LOCURAS DEL TENORIO inició con la presentación de su escritor, el Señor José Zorrilla, caracterizado por el comediante Gustavo Munguia, cuyo vestuario era a la usanza secular española, portando una peluca que le otorga un loock peculiar y simpático.

Tras ello parte del reparto inició con un baile, parodiando al espectáculo de “Sólo para Mujeres”, aunque con sus cantos decía que eran “Sólo para Hombres”. Los personajes tiene un dejo de homosexualidad simulada, que al parecer, es una de las maneras que en la actualidad se recurre o se hace alarde para hacer reír al público.

El vestuario del reparto fue colorido, mezclando la vestimenta secular del Don Juan Tenorio, con accesorios oriundos mexicanos para otorgarles ese toque de comicidad que la obra necesitaba. Sus actores recurrieron constante frases coloquiales y de doble sentido, con un lenguaje constantemente plagado de palabras altisonantes qué al público le parecieron  muy ad-hoc con la comedia, por lo que se carcajearon con mucha frecuencia.

Los actores trabajaron con gran naturalidad, cubriendo pequeños olvidos del texto, con ayuda de sus compañeros, los cuales complementaban los diálogos, logrando con ello que no fuesen visibles.

LAS LOCURAS DEL TENORIO presenta realmente mucha creatividad y entusiasmo por parte de todo el equipo, lo cual les llevó a una apertura exitosa y, como ellos mismos argumentaron, su nueva propuesta escénica es una nueva versión, la cual fue escrita para divertir al espectador, y con ello, NO intentan de ninguna manera, eclipsar el trabajo del Señor Alejandro Gou, ni de ninguna otra compañía que intente llevarla al público mexicano de manera innovada, pues como dijeron textualmente, “El Sol Brilla para Todos”.

ESPERANDO A GODOT

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Una de las obras del genero del absurdo que ha sido representada en muchos ocasiones en diferentes escenarios del mundo, es la obra ESPERANDO A GODOT. Su escritor por cierto fue galardonado con el premio Nobel de Literatura. Me refiero al dramaturgo irlandés Samuel Barclay Bekett, cuya obra magnífica escribió en 1953.

Curiosamente en su momento sólo tuvo un éxito relativo tal vez porque el publico aún no identificaba al autor, o por la incredibilidad que se le otorga a las nuevas creaciones del momento, aunados al deterioro moral y económico que en Europa dejaba el padecimiento de dos guerras mundiales.  

ESPERANDO A GODOT constituye la obra más representada del crítico, novelista y poeta Samuel Beckett, nombre con el cual es conocido en el medio teatral mundial. Escritor nacido en Dublín en el año de 1906 , muere en Paris en1989. Fue reconocido como un valuarte del experimentalismo literario dentro del modernismo anglosajón del siglo XX.

ESPERANDO A GODOT pertenece al género del absurdo (aunque a veces ha sido considerada como tragicomedia) por el tratamiento que Samuel Beckett le infirió a su teatro denominado estático, en donde no hay acción ni trucos escénicos, masque personajes esquemáticos. De tal modo que ESPERANDO A GODOT actualmente constituye un ícono dentro de las obras teatrales de su género.

La obra ESPERANDO A GODOT pisa por supuesto escenarios mexicanos y esta por cerrar temporada el próximo domingo 12 de noviembre de 2017en el Teatro Xavier Villaurrutia, foro en el cual se ha estado representando desde el día 19 de octubre.

Esta puesta en escena no cuenta, con gran apoyo escenográfico, pues con apego al texto, no se necesitaba realmente, pues en realidad la dramaturgia donde lleva un gran peso escénico es tanto en lo histriónico, como la estructuración de los diálogos con un transfondo de cierta locura y desaliento, ante la vida difícil de dos hombres que han vivido careciendo de todo.

La trama presenta a dos vagabundos, a Vladimir y Estragón quienes sin una razón realmente de peso, se dan a la tarea de esperar a un tal Godot, personaje en torno al cual surge la dinámica teatral, pero el cual nunca acaba por aparecer. Ambos vagabundos ventilan sus vivencias y miserias padecidas, bajo una tónica de cierta ingenuidad y desaliento.

Los personajes protagónicos tras de dialogar y divagar, verán llegar a otro tercer vagabundo, quien aparece junto con su esclavo quien empero a la pobreza en que vive, desarrolla una gran destreza oportunista y maliciosa.

Los actores protagónico les interpretan con gran plástica actoral, demostrando tener grandes tablas en el escenario. Ellos son Sergio Acosta, Jaime Estrada, Gerardo Martínez Pichi, y Evaristo Valverde, quienes comparten créditos actorales con Aída Flores y Nancy Michel, actrices que aparecen como personajes complementarios en el desarrollo de la historia.

La trama es intensa en su tratamiento psicológico y muy cruenta a la vez, en cuanto a dibujar perfectamente la miseria al extremo, que no tan sólo es económica, sino además existencial; peculiaridad que se muestra en tantas otras de las obras de Samuel Beckett, que le han hecho emblemático y denunciador de la injusticia social. Sin embargo, en ésta puesta en escena, toma otro matiz bajo la interesante dirección artística de José Luis Cruz.

ESPERANDO A GODOT ya sólo se presentará esta semana de jueves a domingo en el Centro Cultural del Bosque, bajo la producción del INBA y la Secretaría de Cultura.

 EL REINO DE LOS ANIMALES.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Ésta puesta en escena teatral, además de ser muy peculiar, es totalmente vigente en el mundo artístico actoral, dentro del cual ha ido surgiendo una gran competencia y rivalidad ante el afán por adquirir algún papel protagónico.

El escaso trabajo y la cada vez mayor población artística hacen que el arte, en ocasiones sea devastado por favoritismos surgidos en el medio, por diferentes razones, creando un cierto “Mercado cultural”, por llamarlo de alguna manera.

La obra EL REINO DE  LOS ANIMALES escrita por el dramaturgo contemporáneo, alemán, Roland Schimmelpfenning (quien nació en la provincia de Gotinga en el año de 1967) ha alcanzado reconocimiento internacional junto con otros de sus textos, como son “La mujer de antes”, El dragón dorado” o “Noche árabe”.

En la historia de EL REINO DE LOS ANIMALES existe un paralelismo al presentar, la representación de una obra teatral caracterizada por animalitos y, la realidad circundante de unos jóvenes actores, quienes tras de escenificar durante 6 largos años el mismo drama del reino animal, se ven en la premura del cierre de temporada, y, por lo tanto, ante el inminente desempleo.

¿Cómo resolver la situación? Es la problemática por solucionar, aunada con la desesperanza que hace el aceptar, por parte de algunos actores, roles de personajes devastadores. Ello a la vez genera la frustración de ver a personas con poco talento colocarse en el ratings de la fama. Y entonces surge la pregunta del ¿qué sucede con el reconocimiento y con el arte escénico?

EL REINO DE LOS ANIMALES  es una parábola sobre el reino animal, en el cual, entre los animales comienza una lucha insuperable por el poder; es decir, una cebra compite ante el león, quien pretende ser el rey  de la selva. Ante tal situación todos los animales se reúnen bajo la batuta del elefante, para deliberar quién deberá ocupar tal cargo, entre EL REINO DE LOS ANIMALES.

Ante las razones que cada animalito competidor presenta, en la reunión, para justificar el ser poseedor de tan alto cargo, otros animales también comienzan a pretender postularse.  Sin embargo, finalmente el duelo será librado solamente entre el león y la cebra, siendo ésta última quien sale huyendo para no ser atacado de muerte por el feroz felino.

De la misma manera que los personajes de los animales animados presentan, se presenta dentro de la trama teatral, la digamos “misma lucha interna” por estelarizar papeles protagónicos, o simplemente, por adquirir “cualquier papel” o personaje ; Con ello se van creando redes de corrupción interna en el medio.

Empero a que la trama parece tocar, una temática bastante cruenta, la puesta en escena es totalmente divertida y creativa,  en cuanto al manejo de la problemática que plantea. EL REINO DE LOS ANIMALES se presenta bajo la dirección jovial y artística de Luis Rivera quien junto con el equipo de actores que integran la Compañía “Todo lo que fuimos” intentan crear –Una plataforma estable para su profesionalización.-

Con ésta obra, han podido  celebrar sus 50 representaciones en foros de la Ciudad de México y en Guanajuato. Dichos actores son Emmanuel Lapin, Edgar Alonso, Óscar Serrano, Raquel Mijares, Elena Gore y Yunuén Flores.

La traducción del alemán al español esta a cargo de Ilana Max, en tanto que la escenografía corre a cargo de Natalia Sedano y la iluminación de Jesús Giles. Por último le diremos que EL REINO DE LOS ANIMALES se presenta en el Teatro Orientación de jueves a domingos hasta el día 3 de diciembre, bajo la producción del Instituto Nacional de Bellas Artes y la Secretaría de Cultura.

 EL PRINCIPE FELIZ.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

EL PRINCIPE FELIZ es un cuento de hadas escrito por el destacado poeta, escritor y dramaturgo irlandés Oscar Wilde. Es un cuento breve que junto con otros que creó, fueron publicado en el año de 1888 con gran éxito.

Oscar Wilde nació en Dublín, Irlanda en el año de1854 (Murió en 1990). Fue el segundo hijo del médico Sir Williams Robert Wills Wilde y de la importante escritora Jane Francesca Elgee, de quien heredó el talento, adquiriendo “gran pluma” como se solía decir en el medio intelectual.

A  su cuento de EL PRINCIPE FELIZ lo matizó lleno de moralejas y enseñanza de vida. El cuento ha inspirado en diversas ocasiones tanto a lectores, como a gente de teatro, siendo éstos últimos quienes lo han dado a conocer al ser presentado a diversos escenarios del mundo.

México no ha sido la excepción y nuevamente gozamos de EL PRINCIPE FELÍZ. Sólo que ahora, la puesta en escena contiene un texto adaptado por los dramaturgos Enrique Cahero y Olga Cassab. Además EL PRINCIPE FELÍZ se presenta bajo la dirección colectiva, a cargo de la Compañía “Árbol de Naranja”, quienes al igual que en el texto original, muestran en la obra teatral los extremos a que el amor y, un gran corazón llevan, cuando tocan las almas de algunos seres.

También se da paso en la historia por supuesto, a la presentación antípoda en cuanto a personajes se refiere, es decir, a la maldad, la malicia y al importunismo actitudes ante las cuales desgraciadamente se suele caer, ante el dinero, la avaricia y los malos sentimientos de algunas personas y que los personajes muestran con su actuación.

El elenco estelar esta compuesto por Diego Denver, Sofía Silva, Nathalia Rivera,  Mario Beller, Ro Padilla, Fernanda Medrano, Lot Soffi, Denisse Aragón/ Daniela Alcocer, Jessica Luna/ Bibelot Manzúr, Jair Geltle, Brech/ Brian.

A manera de sinopsis, la Compañía Árbol de Naranja publica en Google de manera textual:

-“La estatua de un príncipe, llena de valiosos adornos, se da cuenta que el mundo no es como se lo pintaron a él en vida y sufre por esto. Una golondrina se hace su amiga y lo ayuda, repartiendo las pertenencias del príncipe a los más necesitados. Los valiosos adornos de la estatua son repartidos hasta que no queda uno solo. Llega el invierno y la golondrina muere de frío, besando al príncipe en los labios. “-

Oscar Wilde comienza su cuento escribiendo las siguientes frases:

-“En la parte más alta de la ciudad, sobre una columnita ,se alzaba la estatua del Príncipe Feliz. Estaba toda revestida de madreselva del oro fino….-

Y es en base a este hermoso cuento que la Compañía el día de ayer sábado 28, dio inicio a la puesta en escena del PRINCIPE FELIZ en el Teatro del SOGEM Wilberto Cantón, de esta ciudad de México.

La obra infantil inicia con la introducción musical de un teclado, momento en el cual aparece en escena el personaje de un ángel, el cual por mandato divino es enviado al mundo en búsqueda de lo más hermoso que haya en el lugar terrenal.

Es de esa manera introductoria que comienza la obra en dos actos escénicos, en los cuales aparecen diversos actores (los cuales ya mencionamos) con bellas voces que amenizan con sus cantos y bailes, algunos de los números musicales. Para ello se presentan ataviados con trajes que sugieren la usanza de finales del siglo XIX, época en que viviese su escritos Oscar Wild.    

EL PRINCIPE FELÍZ es una obra qué definitivamente puede constituir un buen comienzo para introducir a sus pequeñitos en el gran mundo mágico –artístico que es, el TEATRO.

LA HUÍDA DE QUETZALCÓATL.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Mónica Raya, profesora titular del Colegio de Literatura Dramática de la Facultad de Filosofía y Letras, interesada en la obra del filósofo e historiador, el Doctor Miguel León-Portilla, realizó una investigación profunda al respecto y, ante ello, decidió montarla en los escenarios del Teatro Universitario Juan Ruiz de Alarcón.

La dramaturgia de Mónica Raya quedó principalmente como una adaptación del texto de Miguel León-Portilla, la cual por supuesto, sufrió de algunas modificaciones que el mismo Doctor Miguel León-Portilla aceptó, para ser montada en el escenario universitario.   

León-Portilla escribió su texto dramático a la edad de 29 años, siendo el único que creó en dicho género, pues el resto de su escritos son ensayos. En ella se recrea la leyenda de la desaparición de Ce Ácatl Topiltzin Quetzalcóatl, de quien se asegura fue el sacerdote y gobernador de Tula, así como promotor del arte arquitectónico, de la orfebrería y la cerámica en el pueblo Náhuatl.

Dicha obra ha sido en tres ocasiones publicada por la editorial Fondo de Cultura Económica y por su éxito ha constituido la temática central de un Seminario Universitario presentado por el mismo Miguel León-Portilla.

En el programa de mano pudimos informarnos un poco más al respecto:

-“En tiempos de reflexiones postmodernas y postcoloniales no es una sorpresa que la obra del filósofo e investigador Miguel León Portilla revele nuevamente su originalidad y fortaleza. En la huída de Quetzalcóatl –texto dialogado escrito en 1952 y publicado en el 2001- nuestro reconocido profesor emérito plantea la posibilidad de escaparse del tiempo, en un texto claro y brillante que nos rasga el corazón en tres: “fui, soy, seré”. Se trata de una provocadora disertación filosófica en la voz de su protagonista: el mítico sacerdote, Ce Ácatl Topiltzin Quetzalcóatl, uno de los personajes históricos más ambiguos y contradictorios de Mesoamrica.

De esta forma fue que Mónica Raya, para su puesta en escena conjugó una serie de profesionistas, entre los cuales se encuentran actores, bailarines, acróbatas y técnicos; todo ello para lograr inferirle el toque mítico que la obra precisaba.

Por supuesto no faltó una llamativa y colorida vestimenta presentada con el maquillaje que permitió que cada personaje pareciera como salido de una máquina del tiempo, para llevarnos de la mano a revivir categóricamente, algunos de los momentos trascendentales en la vida de Quetzalcóatl, bajo el código náhuatl de la moralidad, la ética, la religión y milicia, pugnada dentro de su cultura y contexto prehispánico.

Finalmente le comentaré que la trama de LA HUÍDA DE QUETZALCÓTL es un proyecto un tanto titánico qué no solamente fue escrito y escenificado por Mónica Raya, quien en base a diversos códices en los que encontró diferentes interpretaciones (en cuanto a los acontecimientos que confunden la claridad de los datos registrados)  sino que también se consideraron las propuestas escénica del grupo de actores y colaboradores de la obra teatral, los cuales suman alrededor de 160 personas.

LA HUIDA DE QUETZALCÓATL es un merecido homenaje al Doctor Miguel León-Portilla que se presenta en el Centro Cultural UNAM de jueves a domingos.

¿QUÉ CON QUIQUE QUINTO?

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

¿QUÉ CON QUIQUE QUINTO? Es una puesta en escena infantil, recreada en la obra del afamado escritor ingles Williams Shakespeare “Enrique V”.  La adaptación muestra la sinopsis de la obra shakesperiana, en cuanto a su parte modular se refiere, aunque en realidad es una dramaturgia muy diferente en cuanto al formato de la escenificación, que resulta muy creativa y divertida.

Como Usted sabe, la obra “Enrique V” fue escrita por Williams Shakespeare bajo formato de drama histórico, en cinco actos cuando corría el año de 1599. Sin embargo fue estrenada en el año 1600 de manera informal ,y no fue sino hasta el año de 1623, que fue inscrita in-folio.  

La obra de Shakespeare constituyó un drama que puede considerarse como épico, en cuanto a que hace énfasis escénico en la batalla qué realmente Enrique V, rey de Gales, enfrentó contra la región de Francia. En ella Shakespeare matiza al rey bajo el carácter de sincero, valiente y cortés; valores muy admirados por el pueblo galés y que muestran la admiración del escritor, por el rey. En ella se recrea los triunfos bélicos de Enrique V junto con su compañero Falstaff, cuyos hechos son descritos de manera minuciosa en las Crónica de Holinshed.  

Por otro lado, en la adaptación efectuada por la Compañía Misterios y EFE TRES , quienes la presentan bajo el título de ¿QUÉ CON QUIQUE V?, la puesta en escena mantiene un formato de comedia farsita o cabaret infantil, como ellos la denominan.

Es una puesta en escena humorística. Un musical para los pequeñitos, escrita y dirigida por Andrés Carreño. La obra ya había sido presentada anteriormente en el Teatro Orientación, en donde reanudó temporada y como dato complementario le comentaremos qué ¡QUÉ CON QUIQUE QUINTO? fue ganadora obteniendo además mención Honorífica, en el Certamen de Barroco del Festival Internacional Infantil de Teatro Clásico Almagro, en España, el año pasado, es decir en 2016.

La trama habla sobre la barca “Nautilus Cabaret”, en donde los capitanes Foca, Zate y Ariel atraviesan la mar. Dichos personajes tipo clown incurren en la narración de cuentos infantiles, en el que se da énfasis y, por tanto escenifican las faenas realizadas por el rey inglés Quique V, como lo nombran los Clowns“ para los cuates”.

De este modo Andrés Camargo transforma el drama shakesperiano por una divertidísima, creativa y llamativa obra, haciendo una mezcolanza de teatro clásico y comedia farsita colorida e ingeniosa, al estilo de teatro cabaret infantil.

En ella se presentan dos únicos actores junto con una chica, quien canta y rasca un cuatro junto con otros instrumento, amenizando con su música en vivo la puesta en escena, a la vez de acompañar los números que los dos actores interpretan en escena. Los actores son Montserrat Ángeles Peralta e Irakere Lima. Ellos cantan, bailan, y además realizan algunas peripecias al estelarizar a diversos personajes, lo cual logran con gran plástica actoral al acoplándose perfectamente durante todo el tiempo escénico, haciendo gala de sus grandes dotes histriónicos.

La Compañía “Misterio y EFE TRES” están a punto de estrenar en el Teatro Sergio Magaña el próximo el día miércoles 1º de noviembre, una nueva dramaturgia infantil. ¿QUÉ CON QUIQUE QUINTO? a la vez, continuará sus presentaciones en el Teatro Orientación los días lunes y martes a las 20:00 horas, bajo la producción del Instituto Nacional de las Bellas Artes y la Secretaría de Cultura.

DISTURBIOS DEL IMPOSIBLE

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

DISTURBIOS DEL IMPOSIBLE es un espectáculo en el que podemos gozar de música en vivo, teatro y, sobre todo, de ilusionismo. Siendo éste ultimo, el menos frecuente en presentar comúnmente en nuestro país, pese a ser muy divertido y asombrarnos, Ello se debe a la falta de recursos y, sobre todo, a la ausencia de escuelas que apoyen el profesionalismo de dicho arte.

No existiendo en nuestro país, una institución que se encargue sobre el aprendizaje del ilusionismo, la labor resulta difícil; sin embargo siempre se encuentra gente entusiasta que no para en el intento de realizar números de ilusionismo, qué comúnmente sólo se encuentran en el medio circense.

Sin embargo, el día de ayer en el Teatro Carlos Lazo de la facultad de Arquitectura de la UNAM, se presentó el evento DISTURBIOS DEL IMPOSIBLE para la prensa e invitados, quienes fuimos invitados para ver coronados los esfuerzos de un grupo de jóvenes que incursionan en diversas profesiones, pero qué juntos, nos brindaron un buen montaje de ilusionismo con matices surrealistas.

La producción corre a cargo de la asociación de Magos Ilusionistas de la UNAM AC. y Arturo Aparicio. El elenco estelar esta compuesto por Alejandro Bastien quien introduce un número atrapando una bala con los dientes, además de sorprendernos con el juego de cuerdas largas y cortas que se unen y separan constantemente ante el asombro del espectador.

Rebeca Villacorta aparece con un número mentalista, en el cual adivina una a una las respuestas que cuatro espectadores escriben secretamente dentro de un sobre de papel; además aparece en otro número fungiendo como clown.

Saúl Muzzatre aparece en el espectáculo como asistente de algunos números de magia y como aparente espectador seleccionado, para darle vida y seguimiento a otros de los números. Jorge Chávez Caballero, es quien inicialmente presenta el espectáculo para posteriormente aparecer con un gracioso número, en donde la magia incluye el uso de un cesto de huevos, siendo el número tal vez más creativo y divertido, por nos ser muy común.

Alex Pizano aparece como un simpático clown y finalmente todos unen esfuerzos presentando el número final. En total, los números de ilusionismo, son ocho y cuentan con la presencia de música en vivo de un grupo integrado por dos guitarrista, un baterista, un tecladista, y una cantautora; todos ellos dirigidos por Charlie Lavin.

Otro aspecto importante es el vestuario llamativo y colorido que  hace más vistosa la función la cual esta a cargo de Libertad Marled. Éste consta de 75 minutos. Finalmente le comentaré qué DISTURBIOS DEL IMPOSIBLE incluye divertidos y asombrosos números de magia que Usted puede gozar con toda su familia, lo cual es importante.

También le diré qué DISTURBIOS DEL IMPOSIBLE esta diseñado por la creatividad y dirección escénica-mágica del Mago Makartur, es decir, de Arturo Aparicio, quien junto con su equipo han planeado presentarlo debido al alto costo que genera, solamente el día lunes 30 de octubre, el sábado 4 de noviembre y el viernes 1º de diciembre del presente año, en el Teatro Carlos Lazo, con miras de qué si la audiencia resulta ser abundante, la temporada de representaciones podría alargarse, por ello, NO FALTE!!!! 

COMALA.COM, o La Tercera Guerra Mundial.

Por: Dalia María Teresa De León Adams

Últimamente vivimos una era en donde la falta de entendimiento y la ruptura entre las relaciones amorosas e incluso, de amistad entre un hombre y una mujer parecen dirigirnos hacia una lucha campal. Éste suceso ha inquietado al autor de COMALA.COM, La tercera Guerra Mundial, quien entendiendo las circunstancias que están dando origen cada vez más a la ruptura entre ambos sexo, se dio a la tarea de escribir su obra.

Éste conflicto, es la parte medular y global de trama teatral en la cual, como su propio autor hace hincapié, ha llevado a las personas a rehusarse cada vez más a vivir juntas fuera o dentro de un matrimonio, con la brevedad de las relación entre ambos géneros es cada vez más fugaz.

Los diálogos son inteligentes y bien estructurados acorde con la parte psicológica que aborda cada uno de los personajes. Le comentaremos qué COMALA.COM, La Guerra Tercera Mundial  inicialmente fue escrito en formato de libro físico y, ahora ha sido transformado a dramaturgia teatral.

Su autor es el Señor Benjamín Bernal, muy destacado y reconocido en el medio periodístico por su trayectoria laboral y, como presidente general de La Agrupación de Periodistas Teatrales (APT), la cual se engalardonada cada año reconociendo el esfuerzo en todos los ámbitos del medio teatral, otorgando preseas a cada uno de ellos, por sus méritos o condición de ganadores.

Benjamín Bernal es Licenciado en derecho, egresado de la UNAN y medico acupunturista, quien ha fungido durante cerca de veinte años como periodista  y actualmente conductor del programa radio-televisivo de Teatrikando”.

Es autor de dos libros intitulados “a Critica Teatral en México, Pasado, presente y futuro” tomo I y II. Éste último será presentado el próximo martes 24 de octubre, en el Teatro Rodolfo Usigli bajo la presentación de Pedro Komik, actor, cantante y conductor de televisión, junto con Malena Miranda, directora de www.astl.tv y el conductor y director del mismo, Alejandro Ruiz Robles.

Su experiencia como escritor del libro COMALA.COM, La tercera Guerra Mundial, lo llevó a presentarlo en el medio teatral a manera de dramaturgia y, por segunda ocasión se está presentando para el público en general.

El día de ayer miércoles 18 de octubre se reestrenó en el Foro Contigo America en la ciudad de México.COMALA.COM, La tercera Guerra Mundial, aborda una temática muy actual y su escritor imagina hasta qué punto podría llevar ese constante conflicto qué, cada vez más parece asechar a las parejas de distinto sexo. El prevé, o más bien dicho es visionario de que podría llegase al extremo de desencadenar una Tercera Guerra Mundial y, ¿Usted qué opina?

Más allá de cualquier respuesta, la escenificación de COMALA.COM, La tercera Guerra Mundial, nos invita a la reflexión. Cuenta con una magnífica dirección escénica a cargo de Noé Nolasco, director de cine, televisión y teatro egresado del INBA, quien supo exponer la parte medular de una manera clara, dentro de la estética actoral de la obra.

Además la puesta n escena cuenta con unos entusiastas jóvenes actores, quienes actúan con gran naturalidad y plástica actoral, acorde al perfil psicológico que los personajes precisas, teniendo una buena coordinación entre ellos. Éstos son Kizai Maldonado, Yelitza Puchi, César Real, Javier Roal, Sandra Galaviz y Carlos Torres.

La puesta en escena es amenizada en algunos tiempos escénicos con música en vivo reproducida por un guitarrista, quien canta y actúa con el resto del reparto, en un espacio escenográfico que simula la cantina de COMALA, el pueblo mágico recreado por Juan Rulfo en su obra “Pedro Páramo” y que inspiró a Benjamín Bernal para desarrollar la trama de COMALA.COM, La Tercera Guerra Mundial.

Y ciertamente, como se puede leer en la sinopsis del programa de mano de ésta obra es:

-“Una comedia que busca un punto de reflexión hacia esta situación se ve cada vez más cerca, sin olvidar la sonrisa del público.”-

 VOLPONE

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Considerada dentro del género  de la comedia negra, VOLPONE por su carácter de humorismo negro que su autor Ben Jonson le infirió, la obra teatral, muestra las ambiciones y codicias bajo un matiz risorio, ridiculizando los falsos valores de una sociedad supuestamente inmersas en lo ideal, en cuanto a las buenas costumbre seculares se referían.

Su autor, por su condición de londinense, logró trasmitir la conducta a veces inadecuada de algunos de los ingleses, proponiendo reflexiones al respecto, sobre la decadencia moral de la sociedad, siempre en aras del bienestar económico. Conducta que continúa haciéndola vigente en nuestro siglo.

La obra fue escrita en los albores del año 1606 y, constituye una sátira mordaz qué además de la avaricia, muestra el sentimiento de la lujuria de manera farsica. La obra fue estrenada por primera ocasión en el foro Londinense “El Globo” (The Globe”) y, a partir de aquel momento, ha continuado pisado diversos escenarios en el mundo, la parte medular de la trama.

Ésta trata sobre un prestigioso Señor llamado VOLPONE, quien junto con su sirviente cuyo nombre es Mosca, y tras de sufrir una economía en banca rota, trama engañar a su supuestos amigos, fingiéndose enfermo hasta el extremo de la muerte, tan sólo para recibir dádivas y beneficios de ellos. De tal modo qué recurriendo a su astucia como todo un zorro, logra engañar a los demás.; pero aquí cabe preguntar, ¿las víctimas podrían convertirse en sus victimarios?

La obra también manifiesta rasgos en cuanto a su representación, de farsa. Ello debido a la presentación de sus personajes maquillados y vestidos, así como ofreciendo en sus caracterizaciones gesticulaciones, movimientos exagerados, y por supuesto también por la manera extravagante de expresar los diálogos. Todo ello le hace muy ad-hoc a su género teatral, aunque a veces para el público le perciba solamente como llamativo y divertido.

Son obras teatrales que además, comúnmente poseen una moraleja e incluso frases populares que les engloban y que en el caso de VOLPONE podría ser –“Ladrón, que roba a ladrón, tiene cien años de perdón.”-

Su escenografía es movible e ingeniosa, pus con un solo mueble compuesto por algunos pequeños cajones, los mismos actores lo manipulan en escena, logrando transformar en escenario en un domicilio, una calle o una barca. Ello gracias al ingenio de su escenógrafo Fernando Axkaná, a los efectos de iluminación tenue de Juan Carlos Ledezma Corona y, a la presentación de un tecladista que ameniza con música secular la obra de VOLPONE.

Dentro del reparto estelar se encuentran Gabriela Ramírez Acosta, Mundo Espinosa, Alfredo Ávila Tamayo, Rodrigo Hernández Tapia, Claudia Yazmín Zárate Laguna, Anel Sharim Padilla Islas, Alonso Ávila Jiménez y Jorge Luis Roldán Uribe

La puesta en escena esta cobijada bajo el proyecto del programa “Jóvenes al teatro” de la Compañía Hatha Teatro, y se presentan en el foro del Teatro El Granero, Xavier Rojas, bajo la dirección escénica de Rodrigo Hernández Tapia

QUE DEJEN TODITOS LOS SUEÑOS ABIERTOS.

POR.: Dalia María Teresa De León Adams.

A manera del 2ª Homenaje luctuoso de Francisco Gabilondo Soler, más conocido por todos como CRI CRI El Grillito Cantor, el actor Mario Iván Martínez comenzó temporada el presente domingo 15 de octubre por los 27 años de fallecido del afamado canta-autor. Ello fue al margen de las 13:00 horas en el recinto del Teatro Helénico del Centro Cultural, en nuestra Ciudad de México.

Recordemos que Francisco Gabilondo Soler nació el 6 de octubre en Orizaba, Veracruz en el año de 1907 y murió un día 14 de octubre  en el año de 1990, mientras descansaba en su casa en Texcoco.

Ante la separación de sus padres, Tiburcio Gabilondo y Emilia Soler, una de sus abuelas, fue quien lo influenció con sus lecturas e interpretaciones en piano; esa atmósfera fue la mayor fuente de inspiración de Cri Cri, además de su constante afán por escuchar los sonidos de la naturaleza y de pequeños insectos, así como de animalitos que le hicieron crear a algunos de los personajes que narran sus canciones.  

Ahora tal vez Usted se pregunte el ¿por qué el talentoso actor y cantante Mario Iván Martínez se interesó en promover la música de Cri Cri?. Pues le responderemos que se debió a la llamada telefónica qué en el año 2007, el hijo del Grillito Cantor, le hizo con el fin de proponerle a Mario Iván que promoviese la música de Cri Cri.

Mario Iván Martínez complacido ante la propuesta, a partir de aquel momento comenzó a investigar tanto la biografía como la  obra  de Francisco Gabilondo Soler, rindiendo con ello, hasta ahora, dos homenajes.

También le contaremos que la creación de canciones de Gabilondo Soler suman 226 canciones y que, fueron grabadas  entre ellas 107 de las cuales Mario Iván ha seleccionado varias de ellas para ser interpretadas.

Mario Iván Martínez maravillado ante la calidad de la producción de Francisco Gabilondo Soler y gracias a su gran inventiva e imaginación, recrea en su obra teatral QUE DEJEN TODITOS LOS SUEÑOS ABIERTOS una amistad estrecha con el Grillito Cantor, personaje al cual representa mediante un muñeco manuable con la forma del conocido Grillo Cantor, con el cual conversa haciendo las veces de ventrílocuo mediante diálogos divertidos en los cuales deja entrever, la afición que en vida Gabilondo tenía por viajar, conocer y aprender idiomas.

De ese modo anima su espectáculo y con ello, a los pequeñitos y a los padres de los mismos quienes crecieron escuchando las ingeniosas fábulas, que comprenden el mundo mágico y maravilloso de las canciones de Cri Cri.

Varias de éstas Mario Iván Martínez las ha interpretado cantando y actuando, haciendo de sus obras teatrales, un musical, a la vez de personificarlas en compañía de gente talentosa, qué en el caso de la puesta en escena de QUE DEJEN TODITOS LOS SUEÑOS ABIERTOS son Jimena Parés y Luigi Vidal.

Los tres se presentan con divertidos números coreográficos a cargo de Pepe Posada, además de un variado y llamativo vestuario muy ad-hoc a cada número musical. Al final del espectáculo infantil cerraron con “broche de oro” interpretando “El Ratón Baquero”, el cual no podía faltar, como bien expresó Mario Iván Martínez, en el Homenaje celebrado a nuestro querido y extrañable Grillito Cantor.

Y como bien y justamente se expresa al inicio del boletín de prensa de QUE DEJEN TODITOS LOS SUEÑOS ABIERTOS:

-“En su depurado trabajo para niños y jóvenes, más allá de divertir relatando historias el actor, músico y cuenta-cuentos Mario Iván Martínez, pretende abrir caminos hacia el conocimiento. Este 2017, a la par de su última producción escénica QUE DEJEN TODITOS LOS SUEÑOS ABIERTOS, el histrión celebra 20 años como cuenta-cuentos… como soñador profesional.”-

En hora buena MARIO IVÁN MARTÍNEZ !!!!!

EL ÚLTIMO TEATRO DEL MUNDO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

¿Cuál podría ser EL ÚLTIMO TEATRO DEL MUNDO?. Pregunta que sin embargo se escritor responde con gran inteligencia y elocuencia, ante el asombre de algunos espectadores quienes se dan a la tarea imaginaria de algún posible tiempo y lugar en el mundo.

Pero comenzaré por contarle qué ésta obra teatral ha significado todo un reto para su autor, el mexicano José Manuel López Velarde, como él mismo expresó al respecto, tiempo atrás al referirse a lo que comenzaba a ser una posibilidad en cuanto a presentar  nuevos musicales que tenía en puerta. Uno para adultos y otro para los infantes, siendo uno de ellos EL ÚLTIMO TEATRO DEL MUNDO el cual por cierto, se estrenó el día de hoy domingo 15 de octubre.

Su dramaturgia esta escrita con un cierto grado filosófico que se manifiesta a través de sus personajes, quienes tiene como consigna, el amor al arte y en específico, al teatro, el cual debe ser creado con el alma y no bajo un afán de éxito o reconocimiento.

Y cuando dije  que ésta puesta en escena le parase un reto, fue en el sentido en que López de Vega desea darle un giro a sus nuevas creaciones teatrales, al prácticamente empezar de cero, en cierto sentido, como manifestó, al decidir hacer un stand up en los covers y, con ello probar con la creación de musicales escribiendo él mismo tanto de los textos, como de los números musicales.

Para ser más clara al respecto, le comento que el dramaturgo José Manuel López Velarde, conocido en el medio teatral por dos de sus éxitos taquilleros como lo han sido sus dramaturgias de “Mentiras” y de  “Si nos dejan”, decidió en ésta ocasión escribir tanto el texto, como la música de EL ÚLTIMO TEATRO DEL MUNDO pensando en dirigirla al público infantiles de entre 6 años en adelante, debido según su consideración, a no existir prácticamente puestas en escena para ellos.

Aunque su obra teatral es un derroche de arte, es curioso que atrapó la atención de los niños, pues éstos comúnmente debido a su corta edad, comienzan a hablar con sus padres o acompañantes, lloran o bien, por lo menos suelen levantarse de sus butacas.

La trama se ubica en torno a la pequeña Catarina Pina, quien vive en un campo de lechugas de manera rutinaria. Un día tras un plácido sueño se le presenta un anciano cuyo propósito  es el encausarla a encontrar a EL ÚLTIMO TEATRO DEL MUNDO. De ese modo la Catarina Pina recurre a una antigua gran artista, quien tras del paso del tiempo decide fungir como traductora; oficio que desempeñará con la Catarina Pina y personajes asociados a la farándula. En ese momento comenzará la aventura en una búsqueda constante del ÚLTIMO TEATRO DEL MUNDO.

En escena se presentan en vivo varios instrumentos, como son por ejemplo, una flauta transversa, un teclado y una pandereta, entre los cuales se agregan algunos otros instrumentos extraños pero funcionales, que son producto de su ingenio  y de la colaboración del músico Iker Madrid, como es el caso de un especie de contrabajo construido con un palo largo con cuerdas y cuya base es una cubeta.

La obra también cuenta con la voz privilegiada de Paloma Cordero, una cantante operística, que da vida a varios personajes al modular los tonos de su voz, al igual que el joven actor y músico Enrique Chi; ellos junto con Marco Paredes, Iker Madrid, Pablo Rodríguez y Palomas Hoyos, quienes además tocan algunos instrumentos musicales.

En cuanto a género musical, orquestación y musicalización a cargo también de Iker Madrid, se introducen diversos géneros musicales originales del autor de la obra, es decir , como a-priori mencionamos, de José Manuel López Velarde.

La escenografía consta de una vieja camioneta, llena de vestimentas, utilerías, pelucas,  instrumentos musicales y diván, en donde la en otrora antigua diva y actual traductora viaja junto con la Catarina, un productor, un artista y un amanta del espectáculo, siendo éste mismo quien los dirige en la aventura del ÚLTIMO TEATRO DEL MUNDO, la historia en busca de una diminuta Catarina en aras de la grandeza, para lo cual deberá demostrar que tiene dotes mágicos.

EL ÚLTIMO TEATRO DEL MUNDO con una duración de 130 minutos, se presenta en el Teatro El Galeón en el Centro Cultural del Bosque, los días sábados y domingos en programación matinée , bajo la producción del INBA y la Secretaría de Cultura.

LAS 99 MONEDAS

POR: Dalia María Teresa de León Adams..

Propuesta teatral de José Acosta sobre la dramaturgia de Noé Lynn Almada.  Dicho escritor se basó en uno de los cuentos o fábulas de Jorge Bucay publicado el día 20 de octubre del 2011 y subido por valoreshumanosmx  a las redes web en You Tube.

El cuento ha contado con la aceptación de mucho internautas que han gozado de éste, por su profundo enfoque filosófico existencial.  LAS 99 MONEDAS nos habla de la carencia de la felicidad vista desde un punto de vista materializado, que entrepone al poseedor de fortuna alguna, rumbo a la constante insatisfacción.

Fábula que encierra el sofismo que advierte un sabio a su rey, y qué por ello expongo una pequeña parte de su texto, por ser en sí de vasto interés, por lo que el Teatro UNAM decidió hacer posible la puesta en escena de la obra intitulada LAS 99 MONEDAS, presentándola actualmente en el Teatro Santa Catarina.

• icio Cuentos A-E Cuentos F-M Cuentos N-Z Libro de visitas El círculo del 99

Había una vez un rey muy triste que tenía un sirviente, que como todo sirviente de rey triste, era muy feliz.

Todas las mañanas llegaba a traer el desayuno y despertar al rey contando y tarareando alegres canciones de juglares. Una gran sonrisa se dibujaba en su distendida cara y su actitud para con la vida era siempre serena y alegre.

Un día, el rey lo mandó a llamar.

- “Paje”, le dijo, “¿cuál es el secreto?”

- “¿Qué secreto, Majestad?”

- “¿Cuál es el secreto de tu alegría?”

- “No hay ningún secreto, Alteza.”

- “No me mientas, paje. He mandado a cortar cabezas por ofensas menores que una mentira.”

- “No le miento, Alteza, no guardo ningún secreto.”

- “¿Por qué estás siempre alegre y feliz?¿por qué?”

- “Majestad, no tengo razones para estar triste. Su alteza me honra permitiéndome atenderlo. Tengo mi esposa y mis hijos viviendo en la casa que la corte nos ha asignado, somos vestidos y alimentados y además su Alteza me premia de vez en cuando con algunas monedas para darnos algunos gustos… ¿cómo no estar feliz?.”

- “Si no me dices ya mismo el secreto, te haré decapitar”, dijo el rey. “Nadie puede ser feliz por esas razones que has dado.”

- “Pero, Majestad, no hay secreto. Nada me gustaría más que complacerlo, pero no hay nada que yo esté ocultando...”

- “Vete, ¡vete antes de que llame al verdugo!”

El sirviente sonrió, hizo una reverencia y salió de la habitación.

El rey estaba como loco. No consiguió explicarse cómo el paje estaba feliz viviendo de prestado, usando ropa usada y alimentándose de las sobras de los cortesanos. Cuando se calmó, llamó al más sabio de sus asesores y le contó su conversación de la mañana.

- “¿Por qué él es feliz?”

- “Ah, Majestad, lo que sucede es que él está fuera del círculo.” ……

La fábula de “El círculo del 99” es una historia considerada baladí debido a la presencia de magos y un hada. Sin embargo, en la puesta en escena de José Acosta, se estructura a manera de fábula, presentando un encuentro entre El Rey y su Paje, bajo un trasfondo de índole moral, que nos lleva a reflexionar acerca de la filosofía de la vida y, más concretamente, en el sentimiento de la carencia de la felicidad; entendida como un dejo de insatisfacción ante la posesión material

En escena aparecen en los roles protagónicos los actores Rodolfo Arias en el papel del Paje y el Sabio; y María Teresa Garagarza como El Rey y la Esposa del Paje. Junto con ellos actúa la pequeña Adamaris Madrid, la cual narra algunos de los pormenores de la historia, basándose en un enorme libro o cuento que se ubica pegado a uno de los muros, pues el escenógrafo y encargado de la iluminación del foro, el Sr. Antonio Pérez decidió con gran tino, que fuese el único soporte escenográfico en la representación, junto con LAS 99 MONEDAS de oro.

Pero como expresó Mauricio Jiménez de manera textual, en el programa

de mano para el espectador:

-“El teatro es un territorio de absoluta libertad, es el lugar de toda permission. El teatro puede ser un palacio o un sótano milagroso donde las sombras de un amor de luna convierten en un prodigioso jardín submarino… Sin embargo para lograrlo se necesita de creadores de grandes dimensiones existenciales, solo así se pueden recrear con toda verdad la magia del acto escénico.”-

 Sala Novo, MEDUSA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Teatronautas es una Compañía que apareció a partir del año 2016 con la obra teatral Norway. Son una compañía compuesta por jóvenes profesionistas en la industria tanto cinematográfica como teatral, que realizan proyectos independientes. La puesta en escena de MEDUSA se presenta evidentemente bajo su cargo.

MEDUSA es una obra comprometida, en el sentido de que lleva a colación los momentos de dolor, angustia, miedo y atropellos vividos por desgracias, en diversos países latinoamericanos hermanos.

El drama muestra un caso ventilado por un suceso real en Chile. Como es sabido por todos, durante el golpe de estado efectuado por Pinochet, se integraron algunos grupos formados por hombres y mujeres, quienes fueron obligados a colaborar con la DINA, es decir La Dirección de Inteligencia Nacional, organismo que denunciaban a supuestas personas comprometidas en regimenes socialistas que podrían poner en riesgo al sistema opresivo que imperaba.

Por dicha razón eran torturados y eliminados los supuestos “Infiltrados” como se les denominó, siendo en el mayor de los casos inocentes de los cargos que se les imputaba, sin embargo eran recluidos y desaparecidos.

Por ello es que su escritora, Ximena Carrera comentó:

-“La idea me estaba rondando desde el 200, cuando hicimos “Por encargo del olvido” y nos entrevistamos con gente en el tema de derechos humanos. Ahí apareció el nombre de Marcia Merino, conocida como “La flaca Alejandra”. Investigando supe que habían puesto a convivir n un departamento de las torres San Borja a tres mujeres, luego de torturarlas y quebrantarlas. Entonces me empecé a preguntar qué pasaba en esa convivencia, en el circulo de hierro que las marcó para el resto de sus vidas.”-

Y es precisamente en éstas tres mujeres, que la escritora basó su dramaturgia, intentando adivinar los posibles diálogos y circunstancias terribles que obligaban a éstas chicas a vivir denunciando a otros compatriotas.

El texto por su contenido, lo podemos ubicar como perteneciente al género del realismo psicológico, pues nos lleva a entender de alguna manera el lado oscuro del sistema represivo y sus colaboradores, aún cuando sean censurables.

La trama comienza y termina con la presentación multimedia de unas declaraciones hechas por chilenas que sumían su responsabilidad en el caso. Realmente emotiva, la obra teatral MEDUSA esta dirigida por Dora Manneck y se presentará los días martes en la Sala Novo a las 20:00 horas.

Madrid 13 Coyoacan.

ZARATUSTRA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

“ASÍ HABLÓ ZARATUSTRA, un libro para todos y para nadie” (“ALSO SPRATCH ZARATUSTRA, ein Buch für Alle und  Keinen”) es considerada la obra maestra del filósofo, poeta y músico alemán nacido en Röcken (1844-1900) Friedrich Nietzsche. Éste pensador fue  considerado como uno de los filósofos más influyentes del siglo XIX.

Ésta obra magnánima fue escrita entre los año 1183-1885 pero no fue publicada sino hasta el año de 1891. ZARATUSTRA llegó en formato de dramaturgia a escenario teatral mexicano, por primera vez,  en 1970 con Alejandro Jodorowsky .

Hoy en día, con fecha del día de ayer, miércoles 30 de agosto, ha vuelto a ser escenificada bajo el talento creativo del director Rigo Saráchaga. En ésta ocasión, bajo una adaptación del texto original de Nietzsche, la obra se presenta a manera de musical, introduciéndose algunos conceptos, diálogos modernos, así como  música al estilo de Rap, de manera ocasional, otorgándole un toque de modernidad al texto. Empero a ello la trama conserva el alto grado filosófico que Nietzsche le infiriese.

Como es bien sabido, la trama trata del “Superhombre” que habla con sus discípulos, cuyos seguidores admiran y escuchan con atención sus palabras, pero sin embargo, como condición humana, transforman el sentido profundo de éstas frases emitidas por ZARATUSTRA, desvirtuando totalmente su sentido.

La historia como es evidente, tiene un paralelismo con la vida de Jesús Cristo, pues habiendo sido un ser especial, profundo  y espiritual, terminó siendo castigado por la sociedad, llevándolo a morir en la cruz. ZARATUSTRA de igual manera terminará siendo censurado y castigado por su pueblo.

Sin embargo, ésta puesta en escena no pretende ser matizado bajo un contenido religioso, según comentó Rigo Saráchaga, quien como comentamos es su director escénico. La intencionalidad de la obra es el presentar uno de los textos más trascendentales que se han escrito, por lo cual, “Open Spot Producciones”, tras del gran éxito con puestas en escena como “El juego que todos jugamos” del mismo Alejandro Jodorowsky, están produciendo en ésta ocasión ZARATUSTRA. Ello por considerarla un drama importante.

A su juicio es necesario presentarla, para sacudir a la sociedad de su letargo, gestando un cambio en los valores al rompiendo falsos esquemas a seguir en nuestra sociedad. Sacudir al público es la consigna, para abrirles el corazón y la conciencia sin dejos de vacíos y miedos que nos acosan.

ZARATUSTRA es una obra teatral que invita a la reflexión. Se presenta en el teatro Coyoacán, Enrique Lizalde, de viernes a domingos

EL CORO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

En el margen, al finalizar, el 24ª Festival Internacional de Teatro Universitario 2016-2017 celebrado entre los chicos a nivel bachillerato, estudiantes de artes escénicas dirigidos por éstos mismo y por sus profesores, así como por egresados de la UNAM, a partir del 8 de junio se estuvieron presentando diversas obras ganadoras y, que fueron “Máquina Hamlet”, “Hecho en cautiverio”, “Pulmones”, “Esto no es Daisy” y actualmente se presenta “El coro”.

Ésta última es la creación colectiva de alumnos dirigida por César Romanni Villicaña Castañedo. Calendarizada en los días 26 y 27 de agosto, finalizando el 2 y 3 de septiembre su representación son en el recinto del CUT.

La sinopsis ofrecida por éste equipo artístico es la siguiente de manera textual:

-“ Debido a los conflictos internos, una Tribu se ve obligada a cambiar su sistema de gobierno. Tras discusiones, la tribu se divide y decide nombrar un líder. La tribu transitará por un par de ellos, los cuales los expondrán a distintas situaciones que pondrán en riesgo la cohesión y estabilidad de la tribu al cambiar las costumbres que daban identidad común. Finalmente, la Tribu se unirá como un coro, el cual cantará al lider para recordarle su origen y hacerlo consistente del bien común, pues la fuerza e identidad de la tribu radica en sus usos y costumbres, cuando estos pierden fuerza y sentido, la Tribu esta destinada a la tragedia.-“

Obra teatral en donde los jóvenes estudiantes de artes escénicas demuestran talento y gran entusiasmo. El panorama tribal comienza a ser escenificado con una aparente fiesta de la época actual. La reunión da paso a la presentación de la Tribu, para lo cual los estudiantes se van despojando poco a poco de parte de sus vestimentas, para dar paso a sus personajes con dejes de primitivismo socio-cultural. Grandes ramas y otros artefactos de índole tribal, son utilizados para escenificar su economía y forma incipiente de cultura y sociedad.

Simulando un lenguaje autóctono, los personajes dejan entrever los diálogos apoyándose en el lenguaje corporal y en las gesticulaciones faciales, que permite al público imaginar las situaciones emotivas que la Tribu representa.

Con un título ad-hoc a la parte medular de la trama, EL CORO da paso a la autoridad jerárquica que los pobladores divididos en dos grupos, le otorgan a su nuevo líder; sin embargo, los problemas no terminarán ahí.

Los estudiantes participantes son María del Rosario Sandoval Kemp, Xóchitl Itze Franco Rubio, Ariana Candela Michel, Omar Enrique Silva Martines, María del Mar Nader Riloba, Francisco José Gómez Coviián, Luis Javier Morales Villasana y, su propio director escénico, César Romanni Villicaña. Todos ellos con el apoyo escenográfico, de iluminación y de vestuario de María Vargas, bajo la musicalización ocasional de Ariana Candela Michel.

EL CORO, bajo la categoría C1 (clasificación otorgada por los dirigentes del Festival) fue galardonada, con lo cual se ganó la oportunidad de ser escenificada como antes mencionamos, en el Centro Universitario de Teatro de la UNAM.

EL APEGO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

EL APEGO dio inicio el día de ayer viernes 25 de agosto, cubriendo temporada hasta el día 30 de septiembre en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, en el Centro Cultural UNAM, bajo la autoría y dirección de Emilio Dionisi y el director residente de la UNAM, Alan Uribe Villarruel.

Dramaturgia emotiva que muestra como núcleo medular EL APEGO que un ser humano siente hacia otro, en este caso y como suele ser común, hacia la figura paterna. También es el planteamiento de la simbiosis que la vida, al final de nuestra existencia nos lleva,  intercambiando la labor de ser cuidados por nuestros padres, para acabar otorgándoles nosotros mismos nuestros servicios y atenciones, en el mundo senil en que finalmente viven.

La trama trata de los recuerdos en que se ve inmerso un hombre tras la perdida de un ser muy querido y, que es su padre. Cajas y muebles empacados y en vía de ser sacados de un inmueble, que le trae remembranzas de toda una vida en torno a ella. De pronto el pasado parece retomar vida, moviendo sentimientos de alegría y frustraciones, compartidas su la familia.

La historia precisa no tan sólo de retrospecciones temporales, sino de aludir a personajes fuera de escena, es decir, los actores que son tres, a la vez simulan actuar con otros que nunca aparecen sobre el escenario, pero cuya presencia y diálogos el público puede imaginar, hilando la trama con los diálogos muy bien estructurados y de manera coloquial, que los actores realmente emiten, dándole voz a los personajes ausentes.

EL APEGO es una obra teatral ejecutada en un solo acto y, en un solo cuadro escénico, que consta de muebles que hacen las veces de un hogar, un restaurante e incluso una clínica, al ser  movidos por el mismo reparto estelar.

Con duración de una hora aproximada la historia emocionó al público presente, brindándoles un caluroso aplauso al final de la representación, momento en el cual se presentó el equipo que hizo posible la puesta en escena de ésta dramaturgia.

EL APEGO ya se había presentado en la pasada edición del Festival Internacional de Teatro Universitario a manera de intercambio que la Dirección de Teatro UNAM efectuó con la Universidades del extranjero, tocando turno a la Universidad de Buenos Aires, Argentina. El  intercambio consiste en que un director extranjero, en éste caso el argentino Emiliano Dionisi montó una obra de su autoría bajo un reparto estelar integrado por actores mexicanos. Dichos actores son Miguel Pérez Enciso, Guillermo Revilla y Alejandro Piedra. 

ERAMOS TRES HERMANAS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

La Compañía Nacional de Teatro acaba de reestrenar la obra de Antón Pavlovich Chéjov ÉRAMOS TRES HERMANAS bajo la adaptación y dirección de José Sanchis Sinisterra, en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque.

Anton Pavlovich Chéjov nació en Rusia en1860 y murió en Alemania. Fue considerado generalmente como un maestro del relato corto. “El jardín de los Cerezos”, “La gaviota” y ÉRAMOS TRES HERMANAS fueron sus únicas dramaturgias que escribió para ser presentadas en teatro, en tanto que “The Bet”, “La dama del perrito” y “The Duel” son obras literarias que incursionaron en el medio cinematográfico.

ÉRAMOS TRES HERMANAS fue escrita originalmente por Chéjov en formato genérico de teatro psicológico del realismo y naturalista por la manera de manifestar la psiquis década uno sus personajes femeninos, en un mundo abruto y una realidad un tanto apabullante. Lacónico y expresivo Chéjov es considerado, por llamar a las cosas por su nombre y sin tapujos. Se despojó del ambiente lírico predominante en su época, en cuanto a la retórica estructural de los textos, otorgándole con ello más realismo a su obra.

Marta Verduzco, Ana Ofelia Murguía y Marta Aura, tres de las actrices más reconocidas y talentosas  del CNT caracterizan a las tres hermanas Masha, Olga e Irina. Todas ellas por supuesto, caracterizando los roles protagónicos e incluso a otros, tanto masculinos como femeninos, que se simulan en la historia de ésta puesta en escena.

Pese a la avanzada edad de sus actrices protagónicas, sus grandes actuaciones nos hacen sentir en un momento dado, de qué son realmente los personajes juveniles que forman la obra de Chéjov.

Su director y adaptador rompe con la estructura original de la obra haciendo patente en diversos momentos de la puesta en escena, de qué las actrices, se desempeñan como protagonistas, cortando con la ilación de la historia al hacer patente supuestos errores en la actuación de sus compañeras, e incluso, comentando sobre el argumento textual o la intencionalidad del autor, en ésta obra.

También leen ocasionalmente el texto y lo discuten; por supuesto de manera breve, pues la trama transcurre de manera lineal casi todo el tiempo escénico, que consta aproximadamente de 90 minutos, y que se cumplen en un solo acto escénico.

ÉRAMOS TRES HERMANAS cuenta la vida de tres hermanas que de muy pequeñas dejaron Moscú, lugar en donde siempre añorarán volver, y que abandonaron debido a que su padre, un importante militar, fue envido a la provincia, en donde fallecerá dejando a sus tres hijas habitando junto con su único hermano varón, en un pueblo en donde parece no suceder nada. Cien mil habitantes viven de manera convencional, sin destacar ni romper normas, bajo una falsa moralidad disimulada por todo el pueblo. Sólo la llegada de la armada a la región, hace que los días sean un poco menos rutinarios. Ya llegada la hora de su partida, el pueblo vuelve el ser una zona fatídica, en donde las hermanas se ven forzadas a vivir de por vida.

ÉRAMOS TRES HERMANAS será presentada de manera alternada en las funciones por Adriana Roel, quien compartirá créditos con la actriz Ana Ofelia Murguía, caracterizando el personaje protagónico de Olga.

LA CANTANTE CALVA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Uno de los mayores baluartes del teatro del absurdo es recreado en el Foro teatral “La Gruta”; me refiero al rumano Eugen Ionesco, nacido en  Slatina en el año de 1909, quien muriera en Paris en1914, donde fue miembro activo de La Academia Francesa.

Sus obras “Rinocerontes” y “Los siete pecados capitales” fueron incluso material cinematográfico, sin embargo, una de sus obras más representadas ha sido sin duda alguna LA CANTANTE CALVA. Esta fue escrita en

Obra teatral muy peculiar y divertida, difícil por su tratamiento en cuanto al género teatral se refiere, al intentar describirla a manera de sinopsis. Empero a ello, es rica en interpretaciones y, una de ellas es la qué en esta ocasión escribió el director artístico de ésta puesta en escena y, que viniendo a colación, presenta en el programa de manera textualizada:

-“ La condición indispensable para ser humano es la falta de humanidad y la conciencia sólo nos sirve para sufrir con desolación nuestra finitud. En ésta obra el pensamiento sólo sirve como premisa para el absurdo. Pone en crisis el lenguaje y cuestiona de raíz la facultad que define al homo sapiens. Hace 67 años que la obra fue estrenada, y la cantante calva se sigue peinando igual.”-

Interesante cuestionamiento, con cuya frase final “La cantante calva se sigue peinando igual” casi se concluye la puesta en escena de LA CANTANTE CALVA. Quizás se pueda considerar como una alusión absurda, en tanto que solamente se menciona a susodicho personaje de    LA CANTANTE CALVA (cuyo título evidentemente lleva la obra) ante el absurdo de mencionar, a un personaje ajeno a la trama de la dramaturgia, pero que sin embargo, le otorga un gran sentido situándola precisamente al género teatral del “absurdo” al cual pertenece.

Si nos permitimos resumir la trama de la obra le diremos qué se presentan, dos parejas que establecen una cita amigable, la cual no fue agendada.  Una gran espera con un alto margen de retardo. Un reloj que marca horas imprecisas, detonando música. Una de las parejas conviven juntas sin tener conciencia de estar casados y mucho menos de conocerse, aún cuando existe un dejo  de consciencia.  Un llamado a la puerta de un hombre que no esta presenta hasta el cuarto llamado. Una sirvienta omnisciente y omnipresente , quien piensa ser Sherlock  Homes, quien se introduce en el convivio de sus patrones. Esto y mucho más forma parte del texto que se presenta en LA CANTANTE CALVA.

Bajo la dirección de Jesús Díaz, el diseño de vestuario de Ben-Hadad Gómez y el diseño escenográfico y de iluminación de Bobby Watson, que insinúan los albores del siglo pasado en Inglaterra, LA CANTANTE CALVA es representada teniendo como reparto estelar a los actores Gabriela Murray, Arturo Reyes, Gilberto Dávalos, Omar Ramírez, Alicia Zárate y Judith Cruzado, todos ellos con diálogos difíciles de concretar, sin embargo lo logran, otorgando a sus personajes de una gran dosis de simpatía.

LA CANTANTE CALVA se presenta todos los días lunes a las 8:30 P.m. en el Foro “La Gruta del Centro Cultural Helénico, hasta el 30 de octubre bajo la producción de la producción de la Secretaría de Cultura. 

NIKKEI… CORREO DE HIROSHIMA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

La mañana del día 6 de agosto de 1945 , Hiroshima fue bombardeada por el estadounidense Enola Gay, quien dejó caer la primera bomba atómica; suceso con el cual se concluyó la Segunda Guerra Mundial, marcando un antes y un después al armamentismo militar.

El suceso conmovió al mundo entero ante la detonación que destruyó a Hiroshima, cobrando la cifra aproximada de 160 000 muertos, además de 80 000 en Nagasaki. En suma, el resultado de ello fue dejar en ruinas a éstas poblaciones, además de una gran cantidad de personas desfiguradas, mutiladas e intoxicadas entre los escombros.

Dicho desastroso momento se intenta recrear en la obra teatral NIKKEI… CORREO DE HIROSHIMA  en donde no tan sólo se narra, sino que mediante efectos de sonido y utilería, intentar revivir

De pronto el espectador se encuentra en un foro con aparente humo rodeándoles, tras el efecto de un estruendo . La obra esta basada en el texto de  Víctor Manuel Camposeco, bajo la adaptación de Javier Márquez. En ella se recrea un caso de la vida real, en donde Angelina Toyohara, hija de un padre japonés y madre Mexicana, describe en sus cartas los momentos que se vivían, en la gestación del conflicto mundial, hasta el detonante nuclear que dio pauta al terror, la agonía y desesperanza de su gente, quien padeció ante el horror y la muerte.

NIKKEI, es el nombre  con el que denominan a los japoneses emigrantes y a sus descendientes. En los albores de la Segunda Guerra Mundial, existió una gran ola de ellos, quienes decidieron exiliarse mayoritariamente en las islas Hawai, en la parte norte del pacífico en Estados Unidos y, en la región chiapaneca en México.

Debido a ello es que ésta obra teatral, aludiendo al contacto mediante la correspondencia de cartas entre los NIKKEI, da pauta a englobar el sentido de la trama. NIKKEI… CORREO DE HIROSHIMA se encuentra dirigida por Irene Akkiko, quien actúa y ofrece un baile denominado “Danza Butoh”, acorde a la hecatombe producida.

Es una obra sensorial, en el sentido en que no tan sólo Usted conocerá parte de éste suceso cruento y trascendental, sino que intentarán acercarlo más al hacerlo un partícipe sensitivo del hallazgo.

NIKKEI… CORREO DE HIROSHIMA se presenta en el Teatro Santa Catarina los fines fe semana hasta el día 3 de septiembre con el apoyo en la producción de Cultura y Teatro UNAM. 

MÁSCARA VS CABELLERA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

La historia de “Superhéroes Nacionales” como suelen ser los “Luchadores del Cuadrilátero

en México”, reunió el día de ayer a varios ídolos nacionales como fueron Oreón Mascarita

Sagrada y Cerebro, que entre otros, también muy importante, engalanaron el día de ayer la

función.

Éstos fueron invitados al final de la función a subir al foro del Teatro Julio Castillo en donde

se llevó acabo la primera de las tres funciones que se han planeado representar sobre el

texto del desaparecido Hugo Rascón Banda MÁSCARA VS CABELLERA y que son, los días

7,8 y 9 de agosto a las 19:00 horas.

Víctor Hugo Rascón Banda fue oriundo de Chihuahua (1948-2008). Abogado y escritor de

profesión, perteneció a una familia minera amante de las luchas libres, lo cual le motivó y le

llevó a intentar hacer un paralelismo entre la corrupción del Estado, con el grueso de la

población y, más específicamente de algunos círculos mediáticos, entre el que subrayó el

gremio de la lucha libre, también conocido como el “Cuadrilátero” en nuestro país.

La historia es un drama que lleva al personaje protagónico a ser representado

paralelamente con la simulación del duelo que vive parte del pueblo, ante las injusticias, la

traición y la corrupción que exceden cualquier círculo en aras de dinero y poder

Víctor Hugo Rascón Banda siempre mantuvo un toque costumbrista dentro de todas sus

obras y, MÁSCARA VS CABELLERA no es la excepción. Aún cuando la trama encierra de

manera medular las luchas libres, no dejó de comprometer su pluma envistiendo su obra

de temas de denuncia social.

Tal vez si dicho brillante escritor, hubiese presenciado su obra teatral bajo la dirección

artística de Erwin Veytia hubiese quedado muy complacido, pues contó con el apoyo de

gente del gremio como es el reconocido luchador “Orión”. Dicho importante ídolo nacional

asesoró de manera muy profesional en el cuadrilátero que, formó parte de la escenografía

en donde los actores simularon ejecutar con maestría y conocimiento, a sus ídolos.

Dichos actores son Ángel Axel García, Oscar Serrano, Francisco Mena, Clementina

Guadarrama, Marcela Fergrino, Elena Gore, José Luis Pérez, Medín Villatoro, Gabriel

Merced, Emiliano Yáñez, Alberto Santiago y Félix Terán. Varios de ellos caracterizaron a

diversos personajes y colaboraron incluso, tocando instrumentos y cantando en vivo, lo

cual hizo de la representación teatral todo un espectáculo atractivo y divertido, pese a la

seriedad de la temática a tratar, pues el ambiente que se vivió con la colaboración también

del público presente, entre los que se encontraban fanáticos que junto con sus pequeños

portaban máscaras coloridas de su héroes nacionales, provocó la ovación con gritos y

aplausos de apoyo a los artistas que caracterizaban la lucha.

LA DESOBEDIENCIA DE MARTE.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

José María de Tavira Bianchi, hijo del excelente director teatral Luis de Tavira y de la actriz Rosa maría Bianchi, se encuentra realizando un gran papel en la recién estrenada obra teatral LA DESOBEDIENCIA DE MARTE. La cita fue el día de ayer miércoles 2 de agosto en el teatro Helénico.

Tal vez se le recuerde más al actor José María de Tavira en su rol cinematográfico dentro de las películas “Amar te Duele”, “La  Máscara del Zorro o, “Arráncame la Vida”, siendo en ésta última en donde actuó junto a Ana Claudia Talancon,  con cuya actriz, dicho sea de paso, contrajo nupcias, y de quien ahora se encuentra divorciado.

Pues bien, José María de Tavira contando con 33 años de edad, se encuentra  protagonizando el rol estelar como el  afamado astrónomo Johanes Kepler, quien como Usted sabe, fue un destacado científico teórico quien gracias al apoyo del astrónomo empírico Tycho Brahe, logró llegar a la ecuación definitiva respecto a las orbitas de los planetas que conforman nuestro Sistema Solar, corriendo el año de 1600.

Los supuestos argumentos, diálogos y conflictos entre ambas luminarias, son imaginados bajo la pluma del periodista escritor Juan Villoro. Nacido en México en 1956, siendo hijo del destacado filósofo, investigador y español, Luis Villoro Torranzo (1922-2014) fue galardonado con el premio Herralde en 2004 por su novela titulada “El testigo”.

Ahora con su obra teatral LA DESOBEDIENCIA DE MARTE cuyo drama ventila la disputa que surgió entre los dos científicos pertenecientes a los albores del siglo XVII; problema que se gestó en base a la desconfianza y rivalidad nacida entre ambos. Sin embargo, interesados en cuanto al comportamiento de los astros y en especial al del planeta Marte, (como de manera muy ad-hoc nos deja entrever el título de esta obra teatral) trabajaron juntos para el logro que implicó la medición de las orbitas planetarias.

La presentación del duelo escénico dentro de la historia, no solamente se da entre los dos grandes astrónomos, pues la trama también plantea de manera simultánea la recurrente historia del enfrentamiento entre dos actores qué por primera y última vez se encuentran para enfrentar una realidad que les une sentimentalmente, a un pasado. Son dos generaciones que hablan sin tapujos y ventilan sus sentimientos llegando a un irremediable despedida

Pero, ¿y quien interpreta a Tycho Brahe o al actor maduro en pugna? Tal vez se pregunte Usted, a lo que le contestaré qué se trata nada menos que el primer actor Joaquín Cosío, quien fue altamente reconocido con el gran aplauso que le brindaron en el escenario tanto el público como la prensa, tras la representación teatral.

Joaquín Cosío (México 1962) es un poeta y espléndido actor, quien protagonizó ,entre otras películas, “Atando Cabos” y “El Infierno”. Su trayectoria artística también ha sido reconocida en el medio teatral en muchas ocasiones y, en el medio televisivo con series como “Strain” o “Blue Demon”. Su trayectoria artística lo hicieron ganador de un Ariel por la mejor co-actuación masculina

LA DESOBEDINCIA DE MARTE por primera vez se representa, siendo su director artístico el Señor Antonio Castro y su escenógrafo, el Señor Damián Ortega. LA DESOBEDIENCIA DE MARTE se presenta en el Centro Cultural Helénico de viernes a domingos hasta el próximo 1º de octubre.

ELLAS ESTÁN LOCAS, pero las amamos.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Locutor, conductor de radio, Jorge Van Rankin, “El Burro” está en una de sus mejor etapas dentro de la carrera que comenzaría en 1987 en Fusión, radio, en el área de relaciones públicas. De ahí le seguirían varias oportunidades tanto en difusoras, así como en televisión, siendo en éste último medio en donde comenzó a desempeñarse también como actor, en algunas series.

Hoy en día, tras el éxito obtenido en su papel protagónico como “Paco” en la serie “40 y 20”, él, ahora también actor, se desempeña dentro de la obra teatral “ELLAS ESTAN LOCAS pero las amamos”. Éste es un show de comedia, en donde comparte créditos en el escenario con el magnífico comediante, Mauricio Castillo.

El costarricense Mauricio Gerardo Castillo Contreras, además de actor es pintor y un gran aficionado del football, el cual por cierto siempre ha practicado en clubes, como centrocampista.  Tal vez en donde Mauricio Castillo más se ha dado a conocer, es en el exitoso programa “Miembros al Aire” en donde también aparece “el Burro” Van Rankin.

Ambos ha logrado ser una gran mancuerna en  el show de comedia “ELLAS ESTÁN LOCAS pero las amamos” debido a la gracia natural que les caracteriza a ambos y, de la cual hacen gala, actualmente en dicha obra teatral.

El espectáculo comienza con la presentación multimedia de un video en donde varios de sus compañeros, tanto caballeros como damas, dan su opinión acerca de si es verdad que ELLAS ESTÁN LOCAS. Los hombres aseguran que sí, mientras que las mujeres se disculpan con frases tales como… -“Sí estamos locas, pues nos casamos con, Ellos.”-

Los argumentos son ingeniosos y divertidos en donde se trata de buscar o justificar diferencias de género. El texto esta escrito y dirigido por el mismo Mauricio Castillo, quien junto con “El Burro” hacer pasar dos horas aproximadas de mucha diversión al público.

Los dos comediantes interactúan jugando un poco con el espectador, al evidenciar los absurdos objetos que muchas veces las mujeres llevamos dentro de un bolso, momento que causa, tanto extrañeza, como risotadas a la audiencia varonil.

Puesta en escena en dos actos, que intenta darle un giro a la obra argumentando las diferencias gestadas desde la Génesis de la Humanidad, es decir con la aparición de Adán y Eva, recorriendo algunos momentos históricos, en donde parejas como la Malinche y Hernán Cortés, Napoleón y Josefina y Maximiliano y Carlota, salen a la luz en esta diver-comedia que Usted podrá disfrutar en el Teatro Royal Pedregal, tan sólo hasta el próximo jueves a las 21:00 horas, pues la puesta en escena a cargo de “Ortiz de Pinedo, Producciones”, piensa llevarla de gira al interior de la República Mexicana.

MEMORIAS DE DOS HIJOS CARACOL.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Hermoso cuento para niños que también encanta al publico adulto. Así es como podemos definir a ésta obra teatral infantil llamada MEMORIAS DE DOS HIJOS CARACOL escrita a “Cuatro Manos” como el mismo Antonio Zúñiga y Conchi León, sus creadores, la definen. Ellos NO solamente quienes escribieron la dramaturgia, sino qué además, son los reales personajes de esta historia que narra parte de su infancia compartida.

Toto y Coco son los nombres que tienen los personajes qué según se narra en la puesta en escena, se encuentran compartiendo un pupitre en los albores de la escuela primaria, ubicada en Ciudad Juárez. Pese a haber nacido Toto en la parte norte de México, es decir, en Chihuahua, congenia perfectamente con su compañera Coco, quien es oriunda de la parte Sur del país, o sea, de la región de Yucatán. Ambos viven solamente con sus respectivas madres y sufren la ausencia de sus padres.

Aún teniendo diferencias tanto en su cultura como en sus  ideales, sin embargo, surge entre ellos una gran amistad y un pequeño dejo de romance infantil, tras de compartir los juegos y el lunch. Ellos descubren que juntos se sienten muy bien, e incluso pese a las diferencias de sus género. La inocencia de ambos les hace ventilar sus más íntimos  recuerdos y anhelos , sin ningún tapujo ni censura. Luego llega el momento de la despedida.

La consigna de la trama tal vez sea en suma, el prodigio de soñar, volar sin alas, dormir despiertos y abrazar la realidad. Ésta historia se escenifica en una representación teatral en un solo cuadro escenográfico, el cual cubre solamente 50 minutos, durante el cual el público ríe ante las verdades ingenuas promulgadas por ambos personajes.

Toto y Coco son caracterizados por los actores Mercedes Hernández y Enrique Flores, quienes a la vez personifican a otros personajes que logran matizar mediante el cambio constante de diálogos y narraciones, así como por la modulación corporal y de acentos o voces que hacen sentir al público que se hace referencia a cada una de las madres, o a la profesora de la escuela.

Los diálogos empero a ser sesillos, llevan inmerso un toque de genialidad en cuanto a que ofrecen el estado psíquico y social de los personajes, los cuales caracterizan bajo un lenguaje coloquial y con uso frecuente de acentos locales por parte de cada uno de ellos.  

El diseño tanto de vestuario de Adriana Ruiz, como el escenográfico a cargo  de Jesús Hernández no es abundante, pero resulta ser el suficiente para recrear perfectamente LAS MEMORIAS DE DOS HIJOS CARACOL.  El cuadro escenográfico consta de un pequeño pupitre con dos sillas y una resbaladilla para dar la impresión de encontrarse dentro de la escuela y, dos bancas los cuales simulan ser un transporte colectivo. De tal modo que se invita al publico a imaginar el mundo infantil en que están sumergidos Toto y Coco en LAS MEMORIAS DE DOS HIJOS CARACOL.

Gracias al éxito obtenido es que ésta obra teatral infantil por segunda vez es presentada bajo el patrocinio del INBA y de La Secretaría de Cultura y Usted la podrá disfrutar los días lunes o martes en el Teatro El Granero Xavier Rojas a las 20:00 horas.

LA ULTIMA SESION DE FREUD.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Pocas ocasiones se presentan tantos talentos juntos laborando para un mismo proyecto. Me refiero al reestreno de la obra teatral LA ÚLTIMA SESIÓN DE FREUD. Le informaremos qué por tercera ocasión la productora Ortiz de Pinedo se interesa presentar la puesta en escena de la dramaturgia del escritor Mark St Germain LA ÚLTIMA SESIÓN DE FREUD.

El gran director José Caballero (además de actor y dramaturgo), junto con el excelente escenógrafo y arquitecto Alejandro Luna (y dicho sea de paso, el padre del reconocido internacionalmente actor y director Diego Luna) hacen de ésta obra una promesa, junto con uno de los mejores talentos actorales como es Álvaro Guerrero y el talentoso actor, director artístico, catedrático y, quien hasta hace poco dirigiera la Compañía Nacional de Teatro, miembro del Consejo Mundial de las Artes de la Comunidad Europea y, co-fundador del CUT, el maestro Luis de Tavira.  

Sergio Klainer y Darío T. Pie anteriormente protagonizaban a los personajes estelares qué en ésta ocasión, como he mencionado, serán caracterizados por Luis de Tavira en el rol del Doctor Sigmund Freud, y Álvaro Guerrero, como el apologista, crítico literario y novelista inglés C.S. Lewis. (1898-1963).

Ésta obra teatral en las tres ocasiones ha sido dirigida por el maestro José Caballero, quien además la tradujo al español, intitulándola LA ÚLTIMA SESIÓN DE FREUD (“Freud’s Last Session”) dado a que encierra la parte medular de la trama y que fuera el diálogo que en la vida real sostuvieron dos grandes íconos, Freud y Lewis. Cita en la cual ambos se encontraron en Inglaterra, para debatir sobre el enigma religioso acerca de la existencia de Dios.

En realidad el título original de ésta obra en inglés es “The question of God” de Armando M. Nicholi Jr. que literalmente significa, como Usted sabe, “La pregunta acerca de Dios” o “La interrogante de Dios” y de cuya obra se inspirara el dramaturgo Mark St. Germain.

En ésta tercera ocasión LA ÚLTIMA SESIÓN DE FREUD se presentará con un nuevo montaje escenográfico y de iluminación a cargo del maestro Luna. También la versión sobre el texto tendrá un distinto giro, como se hizo saber en la conferencia de prensa celebrado el pasado día miércoles 26 de julio, por el gran productor teatral y propietario de Centro Teatral Royal Pedregal, el también director y actor Jorge Ortiz de Pinedo.

Con una trama en sí interesante, la historia devela los últimos días de vida del padre del Psicoanálisis, es decir del doctor austriaco Segismundo Freud (1856-1939) quien por cierto cambiara su nombre por Sigmund, ante el terrible panorama que vislumbraba bajo su condición judía, debido a el nazismo recalcitrante qué secularmente se padeciera en toda Europa.

Por todo ello, el Centro Cultural San Ángel se engalanará presentando la obra teatral LA ÚLTIMA SESIÓN DE FREUD, el día 4 de agosto a las 21:00 en el Teatro López Tarso de ésta ciudad de México, bajo la Producción de la Compañía Ortiz de Pinedo.

EL SAPO Y LAS MINAS DE MERCURIO.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Resulta ser fascinante encontrar de pronto una puesta en escena qué además de bien dirigida y entretenida, cuenta con buenas actuaciones, y contiene una temática tan poco tratada, que es, el infiltramiento nazi-fascistas en nuestro país.

De hecho parece ser una dramaturgia de ficción pero, al parecer y acorde a los argumentos de Martín López Brie, lejos de ser simplemente un texto muy creativo, lleva una gran dosis de datos reales que la historia en nuestro país nunca registró; información que sustentó apoyándose en diversas fuentes bibliográficas sacadas de revistas, libros, fotografías y artículos que le llevaron a escribir EL SAPO EN LAS MINAS DE MERCURIO.

El hecho de que la presencia nazi en México haya tenido contacto con sociedades secretas, con activistas intelectuales, políticos, periodistas, artistas y sociedades católicas de ultraderecha en la primera mitad del siglo XX, y tomaran algunas decisiones además de mercantilizar parte del comercio en aras del extranjero o mejoras económicas personales, resulta preocupante e impactarte.

La trama totalmente compromete la pluma del brillante escritor Martín López Brie, pues tan sólo siendo una obra teatral del género de espionaje, comic de aventura, o policiaco, termina además haciéndonos reflexionar sobre una temática desconocida, para el grueso de la población.

Cierto o no los datos y nombres de famosos con que cuenta la trama de EL SAPO Y LAS MINAS DE MERCURIO, lo cierto es que cautiva la atención del espectador, que pasa 120 minutos totalmente entretenido y divertido por la historia, la cual es manejada constantemente con un gran dejo de humorismo negro.

La historia presenta a dos hombres cautivados por la seductora presencia de una mujer atractiva e inteligente que se encuentra involucrada en una sociedad activista política-religiosa encabezada por su jefe. Un dibujante y oficinista se encuentra con un matón, quien buscando a la mujer, sin darse cuenta, es involucrado y conducido a vivir una experiencia de espionaje, en el cual la mujer ya estaba anteriormente involucrada.

Viajes, peligro, acción, asesinatos, son los ingrediente que conforman la trama peculiar del SAPO Y LAS MINAS DE MERCURIO protagonizadas por los actores Sofía Beatriz López, Alejandro Morales y Ángel Luna. Los tres en los roles estelares, pero además, dando vida con la modulación de sus voces, a otros muchos personajes.

La historia es narrada por cada uno de ellos, quienes van expresando sus sentimientos e intenciones, lo cual le da un toque realmente detectivesco a EL SAPO Y LAS MINAS DE MERCURIO.  La obra se presenta en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque, los lunes y martes a las 20:00 horas.

LA PANADERÍA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

La controvertida obra de Eugen Bertolt Brecht LA PANADERÍA se volvió a estrenar por la Compañía Nacional de Teatro, pero en esta ocasión la cita es en el Teatro Orientación, del Centro Cultural del Bosque.

Es una obra escrita a manera de denuncia, con matices revolucionarios. El destacado dramaturgo Bertolt Brecht de origen alemán ( Augsburg 1898-1956) fue testigo de conflictos mundiales bélicos, lo cual marcó definitivamente sus obras, siempre denunciado injusticias y hechos adversos, con su gran talento de escritor

Bertolt Brecht fue muy reconocido internacionalmente por su talento innovador y por el estilo de su obras que invitan al público a la reflexión y al activismo político.

LA PANADERÍA no podía ser una excepción. Es una dramaturgia de tipo bélico, que muestra la desigualdad social y las injusticias padecidas por el sector social más desprotegido. Muestra la miseria económica de un barrio al punto de sufrir la hambruna, que vive en carne viva el desempleo atroz que desata la lucha por obtener un bocado que comer.

La temática bosqueja al sector empresarial capitalista, como voraz y fatídico para el sector trabajador, en donde sin embargo, algunas víctimas se convierten en cómplices del sistema corrupto en aras de una mejora económica o, simplemente por temor de no conservar sus empleos.

LA PANADERÍA es la muestra de la deshumanización llevada al extremo y qué bien podría enmarcar muchas de las sociedades, que han abrigado los pasados siglos y, en particular el siglo XX con sus guerras mundiales, en donde las obras de Eugen Bertolt Brecht surgieran retomando gran fuerza temática, al estilo secular.

Por todo ello es que la Compañía Nacional de Teatro se dio a la tarea de volver a representarla. LA PANAERÍA ya se había escenificado, en la Sala Héctor Mendoza bajo la dirección y adaptación de Octavio Michel. La obra sufrió algunos pequeños cambios escenográficos que a juicio de algunas personas que la volvieron a ver, se ajustó mejor en ésta ocasión

Dentro del reparto estelar aparecen en escena Adrián Aguirre, Martha Aura, Miguel Cooper, Constanza Etchechury, Liliana Figueroa, Néstor Galván, Axel García, Olaff Herrera, Adriana Lara y Jorge León. Todos grandes actores, como suelen ser los artistas que forman parte del repertorio actoral de la Compañía Nacional de Teatro. Los personajes empero, continúan siendo figuras emotivas, fuertes pero vulnerable y manipulables. Cada personaje esboza perfectamente el perfil de la capa social que representa.

LA PANADERÍA se presentar de jueves a domingos, bajo la producción del INBA y de la Secretaría de Cultura en el teatro Orientación y concluirá sus presentaciones el próximo domingo 30 de julio.

INSTINTO.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

-“Cuatro desconocidos no han podido dormir esa noche: Una corredora de bolsa, un fotógrafo, una mesera y un albañil rarámuri; coinciden en un gran almacén de mayoreo que abre las 24:00 horas, refugiándose del insomnio. Uno de ellos, el rarámuri, hace algo inusual, abre un enorme paquete de pan y saca sólo 5 piezas, las que necesita, las que pagará. Un policía viene hacia él. Los demás lo miran de reojo un instante, aparentan que el hecho no les importa, pero hay algo dentro de ellos, algo dentro que…. Se dispara. El deseo de liberar su instinto, lo vivo que les queda dentro”.- Es el párrafo que introduce al público, al leer el programa sobre la obra teatral INSTINTO.

Dentro de la trama de la obra, surgen situaciones imaginarias en las mentes de cada personaje que les hace compartir un momento jugando a ser una familia unida. Aquí cabe imaginar la pregunta si ello, es producto de soledad, el estrés, el deseo de compartir, el sentirse vivos. No hay una respuesta. Sólo hay que sentarse a ver un espectáculo qué además de peculiar, juega con la psiquis de los personajes y… ¿porqué no? con la del mismo espectador.

La obra de Bárbara Colio es todo esto y más. Para la selección de sus actores, se precisó de éstos contaran con una disciplina corporal y un tanto atlética, para que cada actor caracterizara a su personaje. De tal modo qué la consigna era el ser ágil en escena, para intentar huir. Y huir ¿de qué? o ¿de quien? es importante investigarlo.

Huir no del escenario sino del encuentro interno de cada personaje ante su rotunda soledad. El supermercado es el detonante casual de estos cuatro seres que casualmente se encuentran. Una atractiva y exitosa corredora de bolsa, estelarizada por Nailea Norvind, acude al lugar intentando distraer su mente, llenando por ello el carrito, con mercancía abundantes y caras qué caducarán como otras tantas, en su amplio refrigerador y despensa.

Una joven mesera Francesca Guillén) se pasea con una gran caja de detergente, tan sólo porque el gran paquete que lo contiene le resulta muy bonito, sin intentar realmente adquirirlo. Un hombre fotógrafo (protagonizado por el actor Harif Ovalle) se pasea al mismo tiempo, metiendo en su carrito un gran paquete de alimento para perro, aún cuando carece de mascota alguna. Sólo piensa en adquirirlo para donarlo a una institución encargada del cuidado de animales, pues él se juzga incapacitado para poseer y cuidar de uno.

Finalmente Tizoc Arroyo, en el rol de un albañil de origen indígena rarámuri, ante la carencia económica, sólo piensa en poseer cinco panes para abastecer a sus dos hijos y a su mujer, quienes viven en pobreza extrema.

Cuatro personas en un supermercado de pronto se encuentran en el pasillo 5, para darle vida a ésta historia. Historia escrita y dirigida por la dramaturga Bárbara Colio que intitula INSTINTO debido a que ésta obra intenta presentar el encuentro y, a la vez un choque, entre dos mundos; el mundo consumista qué según ella misma explica, nos domestica y, contra el mundo que denomina “nuestra raza principio” que no es más que nuestra cultura la cual ha sido aniquilada poco a poco.

INSTINTO se presenta en el Teatro El Galeón, del Centro Cultural del Bosque, los fines de semana hasta el día 10 de septiembre.  

LA ROÑA enamorada

POR: Dalia María Teresa De León Adams

La diva del cine Nacional de Oro Mexicano más significativa y conocida en el mundo ha sido la actriz ya fallecida, María Félix. Reconocida como “La Doña” tras de haber caracterizado la película titulada “Doña Bárbara” la cual fuera escrita por el venezolano Rómulo Gallegos en 1929, su interpretación sería el detonante para que la actriz fuese siempre reconocida bajo tal apelativo.

Éstas son algunas de las razones por la cual la personalidad arrolladora y temperamental de la Diva fuese parodiada en varias ocasiones. pero nunca, como lo ha logrado el magnífico actor Darío T. Pie, con su personaje de LA ROÑA.

Dicho personaje nació hace dieciséis años atrás, e interpretado por Darío T. Pie dentro del denominado “Teatro Cabaret”. La ocasión se prestó al escenificarla desde una perspectiva de “parodia clown” de donde surgió la idea de matizar a la Doña,  encarnando algunos de sus personajes que lograron grandes éxitos cinematográficos. También se ventanean algunos rasgos muy conocidos de su vida y, por supuesto, por su peculiar temperamento altivo, se recuerdan algunas de sus frases en algunos encuentros con la prensa y conductores de programas televisivos y, su manera ostentosa de vestir.

LA ROÑA tras de una década y media de éxito, ha ido presentado en sus shows a invitados de la talla de José María Yazpik,“La Tesorito”, Yuri, Fey, OV7, Cecilia Gabriela y Francis, por mencionar algunos.

LA ROÑA es la “Diva” reencarnada que habla sin tapujos como era su costumbre, pero qué en la boca de Darío Pie, además adquiere una sapiencia elocuente al tratar de temas como son el sexo, el amor, la política y algunos problemas económicos actuales. Todo ello, por supuesto, revestido de un gran humorismo y talento actoral, que caracteriza al espectáculo de “LA ROÑA enamorada”.

Acompañada por la música en vivo, la cual es interpretada por el maestro Nahúm Carmona, LA ROÑA presenta algunas canciones que secularmente hicieron furor, como la canción de “Bésame” de Consuelito Velázquez compuesta en los años 40’s del siglo pasado.

Picante y atrevido, Darío Pie, logra que el espectáculo de LA ROÑA sea presentado a manera de monólogo; sin embargo, desde el inicio, ocasionalmente Darío T. Pie interactúa con el público, el cual colabora con sus respuestas sencillas y constantes risotadas.

El show se presenta en dos tiempos escénicos de poco más de dos horas de duración, durante el cual LA ROÑA, se apoya para lograr un discurso muy fluido y lleno de diferentes temáticas a tratar, que ilustra con algunas imágenes que aparecen en una mega-pantalla ubicada en la parte posterior del escenario; escenografía la cual consta además de un gran sillón en el que la ROÑA ocasionalmente permanece sentada, cerca de un piano y rodeada de grandes telones rojos que contrastan con la vestimenta aparatosa que porta el personaje, a la usanza de la primera mitad del siglo XX.

Los diálogos trasparentan algunas de sus relaciones amorosas, en la cual se deja entrever la peculiar relación fugaz, con uno de los expresidentes de México, motivo por el cual se dijo, tuvo que salir del país, ante la inminente furia, de la que entonces fuese la Primera Dama de nuestro país.

En fin la ROÑA aparece en escena ventilando algunos pasajes del ícono de la cinematografía, la Señora María Félix, momentos los cuales por supuesto, se presentan mezclados por la ficción que su intérprete Darío T. Pie le infieren para que Usted pase unos momentos muy agradables, con ésta puesta en escena que le hará reír.

LA ROÑA se presenta los días viernes en el nuevo Teatro Royal Pedregal, en horario de las 20:45 horas.

Regresa EL FANTASMA EN EL ESPEJO

POR: Dalia María Teresa De León Adams

- Regresa a la cartelera -

Nuevamente se presentará la obra teatral original de la prolífica dramaturga inglesa Susan Hill, nacida en Scarborough en 1942THE MIST IN THE MIRROR . Sus obras más conocidas en el Reino Unido han sido sus novelas de misterio e intriga.

Ahora tras de haber acumulado ciento ochenta representaciones, que se dicen fácilmente pero, que significaron casi un año en cartelera cubriendo el cuantioso número de asistencia de ciento cincuenta mil espectadores, la productora Ortiz de Pinedo ha vuelto a apostar a la dramaturgia intitulada en inglés THE MIST IN THE MIRROR traducida al español por Oscar Ortiz de Pinedo bajo el título de EL FANTASMA EN EL ESPEJO, de la afamada escritora británica Susan Hill, famosa ya en nuestra ciudad, por su obra teatral “La Dama de Negro” que logró un rotundo éxito en nuestro país.

Nacida en Scarborough, en el Reino Unido en el año de 1942, la escritora Susan Hill recreó el ambiente gótico ingles en su obra literaria, obteniendo los premios Somerset Maugham, Whitbread y John Llewellyn Rhys.

Su éxito hizo que THE WOMEN IN BLACK fuera llevada a la pantalla grande y a diversos escenarios teatrales en diferentes países. Otras de sus creaciones fueron ANGEL OF DEATH (Ángel de la muerte) y THE MIST IN THE MIRROR (El fantasma en el espejo) siendo ésta última, la producción que los Ortiz de Pinedo pusieron en escena hace ya un año, para ofrecerla el público mexicano.

Diego Covarrubias interpretó el rol estelar de James Monmounth, dando entrada en ésta nueva ocasión al actor Brandon Peniche. Actor quien anteriormente ya había colaborado con los Ortiz de Pinedo, en la puesta en escena de la obra “The Black Dhalia” (La dalia negra).

Brandon Peniche reestrenará la obra junto con el anterior reparto estelar compuesto por los actores Pablo Valentín, Sergio Zaldívar, César Ferrón, Sergio Zaldívar y Alicia Paola, caracterizando la mayoría de ellos, a varios personajes que en suma, son quince.

La nueva puesta tendrá algunos cambios sorpresivos, que harán que el público sufra y goce a la vez de éste genero de terror, con algunos efectos multimedia, según se nos informó en conferencia de prensa.

El reestreno será en el próximo mes de agosto de viernes a domingos en el Foro Cultural Chapultepec y, tendrá una duración de 150 minutos presentados en dos actos escénicos y un breve intermedio.

MARIO IVÁN MARTÍNEZ A 20 AÑOS DE TRAYECTORIA COMO CUENTISTA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Todo comenzó con la lectura dramatizada  de algunos cuentos por parte del actor, músico y productor Mario Iván Martínez, junto con su madre Margarita Isabel. Tal fue el éxito qué ahora tras de acariciar casualmente la posibilidad de incurrir en el mundo artístico infantil, ha cumplido en éste otoño la larga trayectoria de 20 años, como contador de cuentos infantiles.

Su éxito lo ha llevado hoy día a ser el productor de 20 audio-libros; compendio que se encuentran grabados gracias a sus grandes conocimientos tanto literarios como musicales, sin aludir a su gran capacidad artística como interprete de obras música renacentista y sus vastos conocimientos literarios.

Por ello se presentará en el hermoso foro  teatral de La Ciudad de México, Esperanza Iris, los días 23 y 30 de julio. Su propuesta es presentar  en la primera ocasión, los cuentos musicales de Francisco Gabilondo Soler, más conocido como Cri-Cri, “El Grillito Cantor”. Ello a raíz de haber sido invitado por el mismo Tiburcio Soler, hijo del cantautor para presentarlos. Por ello y, a manera de homenaje, Mario Iván Martínez se ha puesto a la tarea de interpretar una parte de su popular repertorio al cual intituló DESCUBRIENDO A CRI-CRI.

Nacido en un ambiente artístico, Mario Iván Martínez, hijo del locutor Mario Iván Martínez Ortega y la actriz Margarita Isabel. Además es sobrino de Alma Delfina, de Evangelina Socorro Bonilla y fue sobrino político de Héctor Bonilla; primo de Roberto Sosa y de la directora teatral Ruly Rede. Por ende el músico, literato y actor se desenvolvió en un medio artístico exitoso, del cual heredó un talento indiscutible.

Realizó sus estudios actorales en Arte Dramático en Inglaterra con especialidad en Literatura Shakesperiana. Sin embargo, tras de grandes reconocimientos y presentaciones musicales en festivales, como el Cervantino en México, en Manizales, Cádiz , Estambul, Montreal y UNESCO en Paris, Mario Iván Martínez a sido ovacionado en importantes recintos mexicanos tales como en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, en el Palacio de Bellas Artes, la Sala Nezahualcóyotl y el Auditorio nacional de la Ciudad de México, también se ha presentado en la Real Academia de artes en Londres y en la Universidad de Canterbury, Inglaterra.

El domingo 30 de julio, Mario Iván Martínez presentará el espectáculo infantil denominado LA MÚSICA Y LOS CUENTOS en donde incluye algunos cuentos de destacados escritores como los hermanos Andersen, que serán musicalizados con repertorios musicales de grandes clásicos y quienes son Schubert, Schumann, Mendelssohn y Ravel. En la presentación bailarán dos jóvenes valores e interpretará la música en el piano, el niño prodigio Sergio Vargas Escoruela.

Recuerde, la cita será en el Teatro de la ciudad de México, Esperanza Iris, en horario de las 13:00 horas, los días domingos 23 y 30 de julio.

CANTARES DE MÉXICO

POR: Dalia Maria Teresa De León Adams

-“Cantares de México es un espectáculo que te llevará en un recorrido por nuestro México; desde la concepción del Universo según nuestros ancestros, las razas que nos dieron origen, el Maíz como parte fundamental de nuestros pueblos, la fuerza de las danzas ceremoniales, La Independencia y el mestizaje de nuestra raíz donde se fusionan las culturas indígenas con  la española, dando origen a vestimentas, lenguajes y costumbre que hasta el día de hoy están presentes en lo que somos…

La Revolución Mexicana, la llegada de los inmigrantes europeos que enriquecieron y nos perfilaron al México actual, la época del Bolero y el Danzón, la música vernácula que nos dio identidad ante el mundo, la Época de Oro del cine mexicano y el México pos-moderno. Cantares de México es un espectáculo dinámico, divertido y apasionante con una duración de I hora 35 minutos que te cautivará por el ritmo de las imágenes que se fusionan con la danza contemporánea y folklórica, la elegancia y el colorido de los vestuarios, la representación de la Fiesta de los Muertos y las voces de Romina “La Mexicana”, Roberto Gandé, Luthe Reyes y Rebeca García que tienen la esencia de un pueblo que sabe cantar Cantares de México es un festival que te invita a celebrar con nosotros la rica y diversa historia de la expresión artística Mexicana.”-

Esta es la semblanza que de manera textual aparece en el programa de mano y, qué introduzco por constituir realmente la sinopsis de éste bello montaje dancistico-musical, ofrecido por su productora general y creativa, la Señora Laura Díaz.

CANTARES DE MÉXICO es un espectáculo totalmente colorido, que nos da un panorama general de nuestro México visto desde sus orígenes autóctonos, hasta la actualidad en su bagaje artístico-musical. Resumen cultural que resulta una tarea difícil en sí, pero qué su autora logra, introduciendo un colage selectivo de las canciones más representativas de diversas regiones que integran la República Mexicana, como son la entidad de Oaxaca, Chiapas, Yucatán, Veracruz, Puebla, Guanajuato, Guerrero, Michoacán o Jalisco. Lugares que aparecen como fondo escenográfico, en la presentación de cada canto, danza, baile o música, gracias a la introducción del material multimedia que se utiliza oportunamente a cargo de la realización performance de Xóchilt C. González y Manuel Torres.

Sin intermedio, el espectáculo cautiva la atención del espectador con la presentación del vestuario suntuoso y colorido regional que engalana el evento, el cual es amenizado por la bella tesitura de voz de la cantante Romina “La mexicana” junto con los nuevos valores integrados por los jóvenes Roberto Gandé, Luthe Reyes y Rebeca García, como se hace mención a-priori, en la semblanza ofrecida por ésta compañía.

CANTARES DE MÉXICO también ofrece un breve recorrido histórico que ilustra de manera generalizada la época pre-hispánica, post-colonial, revolucionaria y contemporánea. Recorrido que ilustran con las canciones más destacadas y representativas.

La interpretación de “La Adelita”  no podía faltar, así como tampoco “La Llorona” cantos que en el extranjero han dado brillo a nuestro bagaje cultural, así como la música ranchera entre las que se encontró “El Cielito Lindo” o las baladas románticas que han dado al mundo, traduciendo su letra para ser cantada y compartida en muchos países, como es la canción de “Bésame Mucho” entre muchas otras.

Y como si todo esto fuera poco, se cierra el espectáculo con los grandes éxitos de Juan Gabriel, como son “Amor eterno”, “Volver, volver, volver” o “Hasta que te conocí”. En resumen le diremos qué CANTARES DE MÉXICO lleva cinco años presentándose y amenizando al público, de tal modo que aún podemos encontrar en Google una nota periodística al respecto del año pasado (2016) que le presento enseguida de manera fraccionada y que se lee de manera textual.   

-“Cantares de México de Laura Díaz es un espejo que te invita a reconocerte através de un viaje por la música, la danza, el canto y las tradiciones culturales que nos da un rostro colectivo desde nuestra raíz indígena, mestizaje, hasta la modernidad…”-

CANTARES DE MÉXICO se presenta actualmente en el Teatro Metropolitan del Centro de la Ciudad de México.

CANCIÓN ROTA PARA UN PERDEDOR FORTUITO

* Arturo Amarco actúa y escribe; Dirige Benjamin Bernal

POR: Dalia María Teresa De León Adams

El día de ayer domingo 9 de julio, el foro teatral OFF SPRING se vistió de gala para festejar los cinco años de su fundación. Además, por si fuera poco, inició temporada la obra teatral intitulada CANCIÓN ROTA PARA UN PERDEDOR FORTUÍTO, original del Señor Arturo Amaro. Si Usted no sabe aún quien es, le diremos que con treinta años de trayectoria artística, se ha desenvuelto tanto como actor, como director, productor, dramaturgo y promotor artístico.

BONANZA, su primera obra, aún se continúa poniendo en escena casi de manera ininterrumpida. Es el autor de varios libros y de dramaturgias como son, LA AGONÍA DE LA MEMORIA y LOS HOMBRES DEL ARCOIRIS, por mencionar sólo algunas de las 66 que tiene en su haber.

La última d sus creaciones, por supuesto es CANCIÓN ROA PARA UN PERDEDOR FORTUITO. Narra las peripecias y múltiples experiencias de un hombre alcohólico. Según su escritor, quien es egresado de la especialidad de Literatura dramatizada de la UNAM. La obra la escribió inspirado en un conocido; empero a ello tiene su gran dosis de ficción, según explico en entrevista, como son la manera de contar los sucesos ocurridos y el manejo psicológico del personaje.

La trama contiene un lenguaje totalmente coloquial, plagado de uso de palabras altisonantes, lo cual hace que el personaje sea ubicado en una clase poco letrada. A manera de monólogo, el texto nos presenta a un joven que ante algunos problemas que le suscitara tanto el amor como problemas familiares y una mala economía, lo llevaran a cruzar la frontera del norte de nuestro país, para alojarse en Los Ángeles, California. El amor nuevamente toca su puerta de manera infortuitas, lo cual le lleva de regreso a su tierra mexicana. Un tercer y último amor le hace huir rumbo a Tapachula, Chiapas, en donde la farándula y el alcohol lo llevarán a vivir situaciones muy adversas.

La trama transcurre a manera de monólogo, con un diálogo fresco, lleno de aventuras, contado bajo un matiz de humorismo, que hacen pasar un agradable momento al espectador. La escenografía esta a cargo de Adriana Enriquez y el diseño gráfico de Érika Enriquez. Éste consta de la presentación de una cantina, en donde el personaje de Gabriel, retoma vida contando sus interesantes anécdotas.

La puesta en escena es en un sólo acto, con una duración aproximada de 90 minutos y, tiene como referente la cantina “El Humazón” en Tapachula, en época actual. CANCIÓN ROTA PARA UN PERDEDOR FORTUITO se encuentra dirigida por Benjamín Bernal, un gran director artístico quien en otros momentos de su vida llegó a dirigir alrededor de 15 obras por año. Labor que dejó de desempeñar, junto con su oficio de actor y escritor teatral, debido a un suceso trascendental de su vida y, que fue, el nacimiento de su hijo Alejandro Bernal, por quien decidió brindar sus incondicionales cuidados, que abarcaron gran parte de su tiempo.

Sin embargo su labor teatral no terminó ahí, pues hoy en día es el director del APT, es decir, de la Asociación de Periodistas teatrales, compañía que año tras año ofrece preseas al medio teatral, en reconocimiento a sus diversos ámbitos. Además de tener una revista electrónica que lleva su nombre, de conducir el programa video-radiofónico de TEATRIKANDO, escribió un libro que contiene Teoría y práctica de la Crítica Teatral, así como un compendio de críticas y crónicas teatrales, ademas, presentó el año pasado su obra COMALA.com entre otras muchas actividades más.

CANCIÓN ROTA PARA UN PERDEDOR FORTUÍTO se presentará en el espacio Universitario de Cultura OFF SPRING, A.C., todos los domingos a las 18:00 horas.  Fotografías: Victor Duroc y Karina Guevara

HISTORIAS DE CIUDAD. Volumen uno.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

-“Obra con tres historias, pero que tratan sobre las consecuencias que pueden traer una mala decisión, que puede ir desde lo más divertido a lo absurdo e incluso a la tragedia”.-  Éstas son las frases que conforman de manera textual la sinopsis que ilustran la cartelera teatral, respecto a la obra HISTORIAS DE UNA CIUDAD escrita y dirigida por Vicente Ferrer.

La obra comprende como se menciona, tres historias breves intituladas “Sin barba y sin bigote”, “Cuarto con vista al mar, a la luz de la luna” y finalmente “Furia”.  La primera trata sobre un hombre desesperado por lograr obtener un trabajo quien ante la desesperación acepta muy a su pesar el tener que despojarse de su larga y abundante barba, así como de su gran bigote, pues es el requisito que la compañía propone para ser el posible candidato al puesto laboral. El hombre se enfrentará agresivamente a las intransigencias de la secretaria, quien vende y manipula los cargos a su conveniencia.

La segunda historia “Cuarto con vista al mar, a la luz de la luna” presenta a una pareja de recién casados que inician y terminan su relación conyugal el mismo día de la boda, ante la mala decisión del novio por anular la reservación, que los padres de su novia pagaron para que la pareja dispusiera de una Suite dentro de un lujoso hotel. Ante esa mala decisión el hombre pretenderá alojarse en la intemperie de una playa desolada con su mujer. Ello, aunado a otros inconvenientes en la pretendida relación sexual, causarán estragos en la que pudiera haber sido una prometedora luna de miel.

La tercera historia dentro del volumen uno, es “Furia”. Contiene una interesante trama acerca de las personas que abusan de sus cargos laborales y qué terminan destrozando la vida de terceras personas sin ningún miramiento. Con diálogos inteligentes presentan un conflicto desarrollado en el pasado, que llevará al encuentro de un momento trágico, a consecuencia de una serie de errores cometidos.

Las tres historia son muy peculiares y tienen en común el mostrar vivencias citadinas que comúnmente se viven o se padecen en nuestra ciudad, pero que en la pluma del escritor Vicente Ferrer, sorprenden por no ser temas comúnmente tratados por nuestros dramaturgos contemporáneos.

Las historia transcurren en un escenario en donde solamente se hace uso en la presentación de tanto la primera, como de la tercera historia, de un escritorio con dos sillas, un teléfono y una computadora, así como de celulares. En la presentación de “Cuarto con vista al mar, a la luz de la luna, la alfombra color arena ambienta la obra, sobre la cual el personaje del novio, coloca dos copas junto con una botella de champagne. Son pocos artefactos, sin embargo resultan ser los suficientes para recrear perfectamente la atmósfera deseada, para el desarrollo de las tres tramas.

El hecho de que el autor de HISTORIA DE CIUDAD sea el director de la misma, es un toque atinado, pues se muestra con la intención que él pretende otorgar a su puesta en escena y que es el de mostrar cómo los errores nos pueden llevar a desencadenar amargas experiencias.

En la obra actúan Xilonen Yunei, Juan de Dios Mastachi, Dánae Luna, Saúl Mendoza, Jessica Espinoza y Elián Cuevas.

HISTORIAS DE CIUDAD se estrenó el día de ayer sábado 8 de julio en uno de los foros que conforman El Círculo Teatral y, continuará presentándose hasta el día 26 de agosto a las 19:00 horas.

DESPUÉS DEL ENSAYO.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Original de Ingmar Bergman bajo la traducción al español de Humberto Pérez Mortera, DESPUÉS DEL ENSAYO es la historia romántica de un director de teatro que ama a dos mujeres en distintos momentos de su vida. Sin embargo, e inevitablemente, termina triangulándose la relación, pues pese a haber fallecido su primer amor, es decir, la mujer por la cual vivió y sintió una gran pasión, una encantadora  y afamada actriz, la vida le enfrenta a un nuevo amor en su tiempo otoñal con una joven, la cual resulta ser hija de su primer grande amor.

El texto rompe con los moralismos sociales en cuanto ha establecer relaciones sentimentales con personas prohibidas, tanto por los lazos de amor, como por lazos de amistad, pues además resulta que dichas mujeres son la familia de su supuesto mejor amigo, es decir, esposa e hija. Tal vez la consigna que lleva implícita la obra teatral es que el amor llega más allá de la razón y el entendimiento cuando metafóricamente hablando, se es víctima de las flechas de cupido.

Ernest Ingmar Berman fue un destacado escritor y director sueco (1918-2007) tanto de cine como de teatro, así como series televisivas, por lo que fue considerado como un ícono a mediados del siglo XX, por su talento y creatividad. Tendía ha escribir obras con tintes de drama psicológico lo cual le llevó a tener un gran éxito en Europa, además de ser premiado en Cannes.

Bajo la dirección de Mario Espinosa y la escenografía de Gloria Carrasco, la obra teatral transcurre en un escenario rodeado en tres cuartas partes por el público, quienes desde diversos ángulos presenciamos esta historia con matices realistas en cuanto a presentar sin tapujos la espinosa y tormentosa cara del amor, visto desde los tres personajes qué en tiempos DESPÚES DEL ENSAYO desnudan sus almas ante el ser amado.

El odio filial es otro de los temas que aborda ésta historia y qué se muestra através del personaje de la mujer joven, quien enfrenta sin miramientos sus sentimientos, reconociendo abiertamente odio que abriga hacia su madre. Un sentimiento gestado por una relación sin capacidad de comprensión mutua entre las dos mujeres, lo cual aleja a la joven de posibles sentimientos de remordimiento, por amar en cuerpo y alma al amante de su madre.

El reparto estelar se encuentra a cargo de dos grandes actores como son Julieta Egurrola y Juan Carlos Colombo, quienes comparten créditos con el joven talento de Sofía Espinosa. DESPUÉS DEL ENSAYO se presenta de jueves a domingo en la Sala Xavier Villaurrutia hasta el 10 de septiembre bajo la producción del INBA y la Secretaría de Cultura.

 EXILIADOS

POR: Dalia María Teresa D León Adams.

El irlandés James Joyce publicó el drama EXILIADOS en el año 1918, su único escrito en formato de novela. La trama narra la infidelidad que existe entre cuatro supuestos amigos o conocidos, infidelidad platónica en gran medida pues no concretan el acto real que implica la infidelidad; sin embargo los cuatro padecen la traición ante un intento extremo por consumarlo.

Con ello surge la incógnita de qué ¿hasta que punto se puede realmente ser fiel?  Incógnita que se plantearon los cuatro actores durante los ensayos y encuentros previos al debut de la obra teatral, y que concretaron junto con su director artístico, el Señor Martín Acosta.

La proeza del amor eterno, sugerido en el romanticismo del siglo XVIII que ha regularizado la intención de la mayoría de las parejas por mantenerse fieles aún hoy en día, aún cuando tal vez esto solamente resulte ser una falacia, pues como sostuviera un siglo atrás Segismundo Freud, el padre del Psicoanálisis, la fidelidad entre la pareja, ni la monogamia  se ha logrado por más que se pretenda en nuestras sociedades, donde siempre ha existido “la casa grande” y la casa chica”. La fidelidad ha terminado siendo un dejo, en el mayor de las veces, de la hipocresía social gestada ante un prototipo ideal por conservar la pareja.

Al respecto, Joyce logra enfrentar el problema con la psiques de sus personajes en EXILIADOS. Nos presenta a una pareja qué después de reencontrarse tras un EXILIO forzoso por la presión social, intentan sincerar sus sentimientos y, lo único que logran, es construir un abismo en su relación, en la que tarde o temprano caen atrapados ante la imposibilidad emocional de mantener otra relación, sin sentir el dolor que se causa a la otra persona, ya sea intencional o disfrazado por el despecho y la imposibilidad de poseer totalmente a otra persona.

El personaje de Richard Rowen, es caracterizado por Pedro de Tavira Egurrola. Éste es un hombre exitoso, aparentemente fuerte, con ideas modernas y dejos de frialdad con respecto a la relación con su esposa Bertha (Angélica Merchant). Es una mujer que laboraba como mesera, mayor de edad que él, con quien contrae nupcias debido a un gran amor pasional que surge entre ambos, pero que el tiempo del EXILIO parece haber mitigado. La pareja vive ante la encrucijada de una relación que se deteriora más desde el momento en el cual él, le confiesa que le ha sido infiel. Con aparente desparpajo él le sugiere que ella puede hacer con su cuerpo lo que desee. Ante esta trampa psicológica Bertha se verá en la posible encrucijada de corresponder al amar que el amigo de su esposo le profesa. Él es Robert, protagonizado en la obra por el actor Tenoch Huerta. Además también aparece Beatrice (Carmen Mastache) la profesora del Archie, el hijo de Bertha y Richard, quien con su presencia afectará aún más su relación.

El éxito de la obra teatral EXILIO se ha debido a que se habla sin tapujos del deseo realizado o no, por poseer a otras personas, más allá de las ataduras de un compromiso, caso que nunca ha resultado fácil, pues tanto en la ficción como en la realidad la infidelidad resulta ser siempre el detonante, de la ruptura irreconciliable entre una pareja, aún cuando pretendan continuar conviviendo juntos. ¿Qué tan libres podemos ser? Usted responda.

EXILIADOS se presenta en corta temporada en el teatro El Granero, Xavier Rojas bajo la producción del INBA y la Secretaría de Cultur

CINE CLUB LITERARIO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

La sala CCB del Centro Cultural del Bosque ha puesto a su servicio el CINE CLUB LITERARIO “Juego de Mentiras” de Archibaldo Burns (1967) que se ha estado presentado de manera gratuita, ofreciendo algunos largometrajes considerados como joyas cinematográficas mexicanas, en donde se incluyó como punto de partida la película LAS SEÑORITAS VIVANCO el pasado miércoles 7 de junio.

Con respecto al CINE CLUB LITERARIO la misma Compañía del IMBA expresa:

-“ Esta actividad busca la difusión de la cultura cinematográfica, el aporte que los escritores mexicanos han hecho a grandes obras del séptimo arte.”-

LAS SEÑORITAS VIVANCO es un guión cinematográfico a cargo de Elena Garro, Josefina Vicens y Mauricio de la Serna, quien además la dirigió, con la musicalización de Sergio Guerrero.  La película fue estrenado en el mes de mayo de 1959 con una duración de una hora con cuarenta y nueve minutos, en un formato original que se consideró como la primera parte, pues posteriormente sería grabada y presentada la parte II,  bajo el título de “El Proceso de las Señoritas Vivanco” justo en el mismo año.

Con la magistral actuación de Sara García y Prudencia Griffel, la película fue rodada en compañía de otros grandes del cine de la Época de Oro Nacional, como fueron Pedro Amendári, María Teresa Rivas, Ana Berta Peluffo, Manolo Fábregas Rafael del Río y Aurora Alvarado, elenco al que se le sumó en la segunda parte el afamado canta-autor, José Luis Jiménez.

La trama tiene una temática peculiar que consiste en presentar a dos hermanas ricachonas, solteronas y longevas, cuyo hermano mujeriego y farandulero agotó la herencia al llevar una vida despilfarrada, dejando a las SEÑORITAS VIVANCO en la total ruina.

Ante la imposibilidad de sostener su holgada vida deciden delinquir. Dicha razón fue la detonante por la cual las dos hermanas comenzaron una vida de atracos y robos tanto de dinero como de joyas, delito que se les facilitó cometer, debido a la apariencia dulzona, ingenua e inofensiva que mostraban ambas mujeres.

Al parecer, la escritora Elena Garro (quien fuese la primera esposa del Premio Nobel en literatura, Octavio Paz) retomó un caso de la vida real que había causado mucho escándalo en el siglo XIX, y en el cual se basó, ficcionalizando los pormenores de lo acontecido, con su gran talento e imaginación.

Gracias al éxito que alcanzó la película de LAS SEÑORITAS VIVANCO, fue que se logró 

LOS NIÑOS DE MORELIA

POR: Dalia De León Adams.

Cómo olvidar el suceso de la llegada de los 456 niños españoles en México, durante la Guerra Civil Española, conflicto que fue el detonante para que muchas familias de Madrid Barcelona y Valencia, enviasen a nuestro país a sus hijos durante el gobierno del presidente Lázaro Cárdenas, quien los acogió en el año de 1937, en aras de protección ante la caótica situación que se vivía en aquel entonces en España Franquista.

Tras de 80 años de tal suceso El Centro Cultural Helénico a manera de conmemoración del “Exilio” de LOS NIÑOS DE MORELIA tuvo el acierto de presentar el día de ayer, jueves 8 de junio, la dramaturgia escrita por Víctor Hugo Rascón Banda, la cual habla al respecto (publicada en el año 2009).

Como marco a los 40 años del restablecimiento de las relaciones entre México y España, estuvo presente su embajador extraordinario y plenipotenciario, el D. Luis Fernández-Cid de las Alas Pumarino, quien fue invitado para develar la placa junto con el director de dicho recinto Cultural.

También estuvieron presente tres de los entonces NIÑOS DE MORELIA junto con algunos de sus descendientes, quienes fueron invitados para dar fe de los sucesos que ellos mismos vivieron en la Institución de Morelos, en la cual fueron recluidos.

Entre tierna y triste la historia de dichos pequeños y, a manera de trama, la obra presenta varios de los pormenores que en soledad y frustración, ante la falta de sus familiares LOS NIÑOS DE MORELIA fueron viviendo. Se menciona el acto del General Cárdenas quien los acogió como una manera de solidarizarse con el pueblo español, debido a los lazos de hermandad que han surgido através de la historia.

La trama sin embargo es como un grito de reflección para todos los refugiados de cualquier lugar del mundo, debido a ser personas qué terminan siendo un ente sin pueblo ni tierra. LOS NIÑOS DE MORELIA muestran algunos de los momentos de desaliento e incomprensión que les hizo con el paso del tiempo, ser extraños en su propia patria y un centro de explotación en nuestro país.

Andrómeda Mejía, César Chagolla, Ditmara Náder, Ivonne Márquez y Noel Díaz son los actores que caracterizan los roles de LOS NIÑOS DE MORELIA en diversas etapas de su vida, para lo que precisaron de el uso de prospecciones y retrospecciones para el rol escénico, jugando de ese modo con la temporalidad de la obra, aparentemente lineal; es decir qué a manera de remembranzas, las escenas del pasado se mezclan con algunas del futuro o el presente para darle lógica a la historia, la cual se matiza con un enfoque totalmente psicológico que se le infiere a la trama. De ese modo LOS NIÑOS DE MORELIA expresan sus alegrías, frustraciones y miedos.

LOS NIÑOS DE MORELIA es una obra teatral dirigida por Eloy Hernández que se presentó por única ocasión el día de ayer, como a-priori mencionamos, a las 20:30 horas en el Teatro Helénico, bajo la producción de la Secretaría de Cultura y de la compañía Cortejo Producciones; compañía qué dicho sea de paso, a partir del año 2011 ha creado y gestionado espectáculos escénicos siendo distinguida en varias ocasiones por los premios otorgados por la Agrupación de Periodistas Teatrales.

LOS NIÑOS CHOCOLATE

POR: Dalia María Teresa De León Adams

El dramaturgo mexicano Jaime Chabaud retoma en esta obra la penosa pero real temática de los niños que entre 7 a 14 años son robados o secuestrados para cubrir la difícil y ardua labor en los sembradíos, de la cosecha y recaudación de cacao de los campos ubicados en la Costa Marfil y Ghana.

Iniciando con cánticos y bailes al ritmo de tambores, la puesta en escena comienza en casi oscuridad absoluta. Es una obra interactiva que necesita de la colaboración de algunos espectadores que se sientan voluntariamente en el escenario sobre algunos costales, para iluminar y ayudar un poco con ello a observar al público las escenas de la obra. Mismas escenas que interpretan cuatro actores en escena. Ellos son Fabrina Melón, Teté Espinosa, Marisol Castillo y Alejandro Morales.

Tres de ellos caracterizan a tres niños bajo los roles de las pequeñas victimas, entre ellos una menor que es fue robada por la intervención de su propio tío. Ésta años después fue liberada gracias a la ayuda incondicional de un periodista, quien tiempo más tarde sería asesinado.

La tragedia, el dolor, la desesperanza y la traición, son los ingredientes de ésta obra teatral cruenta y real, que nos habla de una problemática que ni la ONU ha podido solucionar. La producción del cacao y su importancia en las importaciones que se realizan en un gran número de países que gozan del beneficio de dicho producto, es el móvil de la problemática a tratar.

Totalmente vigente, la dramaturgia es desgarradora para el público, quien mediante la obra comienzan a hacer un poco de consciencia respecto a su cruel existencia.

Puesta en escena en un acto con un tiempo aproximado de 60 minutos. La obra transcurre siendo portavoz de algunos pormenores desconocidos por el espectador, al cual se le ofrecen datos fidedignos al respecto.

Bajo la dirección  Alberto Lomniz la conmovedora trama menciona los beneficios de dicho producto, sus características y variantes como producto internacionalmente consumido, que lo ha llevado a colocarse como preferido de una gran población, por sus amplios beneficios.

Todo ello sucede con el acompañamiento de música africana, incluyéndose instrumentos en vivo como son tambores, una marimba y percusiones que suenan al ritmo de algunos bailes ejecutados en base de movimientos corporales, y cánticos que son una mezcla entre festivos y tristes lamentos, por lo acontecido y sufrido.

LOS NIÑOS CHOCOLATES resulta ser un título muy ad-hoc, en cuanto a que deja advertir su significante en cuanto al lenguaje coloquial y, que es el robo de infantes. LOS NIÑOS CHOCOLATES comenzaron sus presentaciones en el mes de abril en el Foro Sor Juana Inés de La Cruz, en el Centro Cultural UNAM con horario de las 13 horas. Planean cerrar temporada en día domingo 25 de junio.

 LA TEQUILERA.

POR: Dalia María Teresa de León Adams.

Obra teatral bibliográfica que muestra algunos fragmentos sobre la vida de la cantante mexicana fallida, Lucha Reyes. Su nombre real fue María de la Luz Flores Aceves, y se considera la autora del género musical llamado “Bravío”; un estilo de interpretación poco común en su época, para ser interpretado por el género femenino secular, que mostraba un talento y una forma de vida peculiar, que la llevó a ser considerada como machorra.

La trama de LA TEQUILERA esta basada en la novela “Me llaman La Tequilera” de la escritora Alma Velasco Ximena Escalante. En ella se muestra la tormentosa y difícil vida que Lucha Reyes enfrentó en un mundo de soledad e incomprensión que vivió, pese a haberse casado en cuatro ocasiones, relaciones que siempre terminaron en el abandono por parte de sus parejas. Se dice que el tequila fue su único leal compañero. Murió muy joven a causa de su suicidio, provocado ante una vida desordenada, entre cabarets y el mundo excesivo de la farándula, en donde nunca le faltó el alcohol, pero sí el cariño y un apoyo sincero de algún ser.  Se dijo que compró a una infante a una mujer que trabajaba a su servicio. La extrema miseria hizo que le ofreciera a su hija, debido según le explicó, a carecer de medios económicos para su manutención. Lucha Reyes accedió a comprar a la niña, pues la artista había quedado imposibilitada a la maternidad, tras la agresión física brutal que uno de sus maridos le propinó. Con una voz excepcional, Lucha Reyes logró cosechar grandes éxitos como cantante y de actriz junto a Jorge Negrete.  Su corta vida de 38 años, siempre se vio envuelta entre escándalos y poca salud.

La obra teatral contemporánea, narra esos y más sucesos trascendentales en su vida. Es una puesta en escena estilada conforme a nuevas propuestas escenográficas, utilizando dos formatos de manera alternativa; uno, presentando la trama mediante la propuesta teatral tradicional qué como Usted sabe, consiste en la actuación de los actores en vivo, actuando sobre el escenario; el segundo formato incluye el uso de dos cámaras que van videando las escenas al mismo tiempo que los actores protagonizan a sus personajes, de tal manera que Usted puede apreciar, tanto la obra teatral frente al público, como el formato de película en blanco y negro, que se muestra mediante una gran pantalla ubicada en la parte superior central del escenario.

La dramaturgia esta muy bien y estructurada. Se encuentra dirigida con el talentoso director Antonio Serrano,  y muestra además la capacidad tanto histriónica como musical de la artista Daniela Schmidt, quien interpreta algunos de los éxitos musicales de Lucha Reyes, a la cual personifica.

Dicha introducción musical hace que este drama se transforme en un interesante y agradable especie de “musical”, aunque no lo sea realmente, en el sentido estricto de la palabra .

LA TEQUILERA presenta varios cuadros escenográficos colocados todos de manera horizontal, que permiten la rápida continuidad de varias escenas, en donde se simula por ejemplo, la casa de Lucha Reyes, algunos sets cinematográficos, un cabaret, la iglesia o el teatro europeo, por mencionar algunos, para poder ofrecer algunos fragmentos de la vida de Lucha Reyes. Por ende, los personajes son ataviados acorde a la época, es decir a la usanza de la primera mitad del siglo pasado, momento en que transcurrió su vida.  

LA TEQUILERA acaba de iniciar temporada y se presenta en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural UNAM, de jueves a domingos hasta el día 2 de julio.

ROMEO Y JULIETA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Sin duda alguna, una de las obras de Williams Shakespeare más representadas en muchos de los escenarios del mundo entero es ROMEO and JULIET. Escrita en el año de 1597 bajo el género tragedia, romance, la obra de dicho afamado escritor inglés ha sido leía tanto en inglés antiguo, como traducida en el español antiguo (entre muchos otros idiomas) y puesta en escena tanto en cine como en teatro en casi todo el mundo.

Tal fama tal vez se deba que pese a haberse escrito hace un poco más de 500 años, el tema acaba por ser tan actual, como en la época del mismo Shakespeare. Imagine Usted a “Romeo y Julieta” por ejemplo, en Territorio Palestino queriendo amarse entre el conflicto desatado a partir de 1957, entre los dos pueblos que mayoritariamente a habitan y que son los judíos y los árabes (Montescos y Capuletos).

Y, aunque el traductor al español en esta ocasión Alfredo Michel Modenessi opine por escrito en el programa de mano de la puesta en escena que ayer se estrenó en el Teatro Helénico qué – “Julieta la intense e irreductible protagonista de esta historia era una inerme nena a la que sus padres NO dejaron amar-“ ante tales circunstancias de odio y de violencia, la negativa ante dicho amor, en cualquier región o sociedad del mundo, sería evidente. (Además de qué según sugiere la trama, los padres de Romeo y Julieta, nunca antes de que éstos muriesen, se habían enterado con real claridad del enlace de amor secreto que entre sus hijos existía).

Pues bien, y como le mencionamos,  el día de ayer jueves 25 de mayo, se dio inicio a la presentación de la obra ROMEO Y JULIETA por parte del grupo “Teatro del Farfullero”, compañía que se ha dado a la tarea de presentar desde hace tres años, las obras de Williams Shakespeare “Ricardo Tercero” y “Medida por medida”, tocando en esta ocasión el turno a la puesta en escena de ROMEO Y JULIETA.

Lo que les impulsó a retomar a este importante dramaturgo inglés, fue, que en opinión de Mauricio García Lozano, el director artístico, que –“Shakespeare es un autor que nos enseña a ser libres, porque su teatro lo es” Y en esa medida el montaje de Romeo y Julieta quiere rendir tributo a esa libertad contagiosa con la que Shakespeare trama sus historias.”-

La puesta en escena bajo la adaptación de Mauricio García Lozano y Paola Arrioja es talentosa, abreviada, y presentada bajo un lenguaje totalmente coloquial, con una propuesta en el vestuario por parte de Aldo Vázquez, diferente a la usanza tradicional italiana del siglo XVI. Sin embargo se utilizan coros y música seculares, ofreciéndo una versión fresca y moderna que no pierde de vista la historia romántica que tiene de manera medular,  la obra original de Shakespeare.

Adrián Ladrón junto con Cassandra Ciangheroti cubren los roles protagónicos, junto con otros nuevos valores, en compañía de dos grandes actores, quienes son Emma Dib, en el papel de la Señora Capuleto y, Diego Jáuregui como Fray Lorenzo.

ROMEO Y JULIETA se presenta en el Centro Cultural Helénico de viernes a domingos, y Usted tendrá oportunidad de verla hasta el día domingo 16 de julio bajo la producción de Canal 11, TeatrodelFarfullero, La Secretaría de Cultura y CCHELÉNICO.

LAS AVENTURAS DE BURATINO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Para el público pequeñito, se presenta un espectáculo integrado por títeres y personas que interactúan en escena, en una dramaturgia que hace reflexionar sobre la fidelidad y el amor. Pero no el amor a una pareja, sino al comprometerse con sus ideales y forma de vida y sobre todo a los seres que amamos, más allá de la imposición.

La trama es un cuento infantil que narra la vida de un marionetista quien construye sus propios títeres, dotándolos de aptitudes artistas. Los muñecos recobran vida en el mundo de Marcus, el titiritero quien vive en un pequeño reino de cualquier lugar, en donde el Rey es un ser totalmente narcisista, quien vive tan sólo del constante halago y atenciones de su lacayo.

Éste, ante el afán de complacer a su rey, obliga al marionetista a entregarle todos títeres, para que éstos sirvan de distracción a su jerarca. Sin embargo ante el desgano de los títeres al presentar su propio número artístico no complacerá al rey.

La historia transcurre sobre una especie de carrusel, el cual es manipulado por las personas que mueven los títeres e interactúan en la obra. Gran colorido constituye el carrusel el cual al ser movido de manera manual, muestra la casa de Titiritero, el Palacio del Rey y, un pasadizo dentro del castillo lleno de espejos con una puertecita que sólo una llave de oro que posee el rey, podrá abrir.

Música y baile amenizan ésta puesta en escena original de la compañía Teatro MUF, ganadora de dos premios “Roset Aranda” en México, así como el premio “25 Estrellas de Oro” en Eslovenia.

En suma, la compañía ha realizado 22 giras Internacionales en América, Asia y Europa. Su director y fundador es Mihail Vassilev V., quien estudió dirección artes escénicas en la ciudad de Sofía, Bulgaria, con lo cual logra un exquisito trabajo.

La puesta en escena resulta ser un espectáculo atractivo para los pequeñitos, los cuales permanecen sentados y calladitos sobre sus butacas teatrales; característica poco peculiar para el espectador infantil, el cual tiende a levantarse, a jugar o hablar, cuando no atrapan su atención.

LA AVENTURA DE BURATINO bajo la producción del Instituto Nacional de Bellas Artes y La Secretaría de Cultura, se presenta en un solo tiempo escénico de 60 minutos, los sábados y domingos en doble horario en el Teatro El Galeón, del Centro Cultural del Bosque.

DICEN QUE ME PAREZCO A SANTA ANNA…¡Y NISIQUIERA GUITARRA TENGO.

POR: Dalia Maité De León Adams.

Espectáculo de cabaret interpretado por Isaac Pérez Calzada bajo la dirección artística de Paola Izquierdo, en donde Usted tiene la oportunidad de escuchar música original del siglo XIX en vivo, interpretada por el musicólogo Juan Ramón Sandoval.

Ambientado por una escenografía secular que presenta un diván o sillón, tras del cual aparece humo, rodeado por lámparas antiguas y un piano, la obra con un tiempo aproximado de 90 minutos transcurre de manera muy grata, gracias a la maravillosa actuación de Isaac Pérez Calzada, quien da vida tanto al Gran Chilacáyotl (un espiritista) como al personaje del ex-presidente de México, el General Antonio de Padua María Severino López de Santa Anna y Pérez de Lebrón. Al respecto y de manera de sipnosis se expresa de manera textual en el programa:

-“El Gran Chilacáyotl, un distraído espiritista, materializa a Antonio López de Santa Anna, quien esta cansado de que lo tachen de traidor y vende patrias, y solicita una audiencia pública para limpiar su nombre, aunque sea tantito. Santa Anna narrará su propia versión de la historia para que dejen de compararlo con algunas figuras de la vida pública del país y poder así pasarla bomba en su descanso eterno.”-

La puesta en escena es en realidad un divertido monólogo de corte histórico, conformado por diálogos inteligentes y bien estructurados de manera chuscas, que expresan las supuestas situaciones que el General Santa Anna pudo  haber vivido, sublevándolo con ellas.

En la obra se sugiere otra alternativa sobre el juicio hecho a Santa Anna y presenta algunas de las circunstancias, que generalmente no registra la historia, pero que son fehacientes. La dramaturgia no pretende ser una comedia histórica, sino un espectáculo de cabaret qué aún cuando ilustra con datos reales, ofrece otra visión acerca de Santa Anna y, sobre todo, intenta divertir al público asistente.

Es una puesta en escena en dos actos y un solo cuadro escénico, durante el cual se goza de cantos típicos mexicanos emitidos por parte del actor, quien los realiza tocando en vivo un cuatro. La obra muestra y alto grado de creatividad y colorido, además le comentaremos qué pese a la dificultad que tiene el presentar un monólogo, éste es ejecutado espléndidamente por su actor Isaac Pérez Calzada debido a la gracia y frescura que le infiere a sus dos personajes, los cuales aparecen en escena ataviados a la usanza bajo el diseño del vestuario de Esther Orozco.

La obra dio inicio el domingo 21 de mayo 2017 y continuará presentándose los domingos a las 18:00 horas en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico, hasta el día 13 de agosto bajo el patrocinio de la Secretaría de Cultura y del INBA.

LA HISTORIA DE ZAHHAK Y FEREYDÚN.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

LA HISTORIA DE ZAHHAK Y FEREYDÚM es parte de la monumental obra poética persa de Hakim Abol Qasem Ferdousi, quien vivió entre los años 935-1020 en la región en que actualmente se conoce como Irán.

Shahnamé es el título que le otorgó a su libro el cual escribió a lo largo de 30 años. En él se narran 62 historias escritas en 990 capítulos, siendo una de ellas LA HISTORIA DE ZAHHAK Y FEREYDÚN.

Esta historia es la obra teatral puesta en escena por la UNAM, en el Foro Teatral de Santa Catarina en Coyoacán, debido a ser una de las historias épicas interesantes que forman dicho compendio de narraciones. Además constituye la primera versión traducida en el idioma español.

En ella se narra de manera ficcionalizada el origen patriarcal del mundo, es decir, se narra la leyenda persa del primer Rey del Mundo, el cual fue asesinado por su propio hijo Zahhaak, debido a haber sido seducido por un demonio, quien le prometió que de dicho modo el mundo y las estrellas estarían postrados a sus pies.

De tal modo que la tierra por consecuencia dejó de ser un lugar plácido bello, justo y luminoso, para pasar a ser el mundo lleno de injusticias y sufrimiento que conocemos. El mismo demonio continuaba apareciéndosele tomando diferentes formas. Finalmente con engaños y un rozo de su rostro sobre los hombros de Zahhak, le introdujo unos enormes reptiles a los cuales debía alimentar cada noche, con el cerebro de dos humanos. El odio y miedo de su pueblo despertó el rumor de que nacería un hombre, cuyo nombre sería Fereydún y con él, acabaría su reinado de 700 años.

La obra es narrada con minuciosos pormenores por los dos únicos actores, quienes caracterizan a diversos personajes. Esto, modulando sus voces y movimientos corporales, por los cuales claramente el espectador entiende de cual de los tantos personajes se tratan. Dichos actores son el árabe Kaveh Parmas, quien introduce varios poemas en su idioma, tanto declamados  como cantados, e incluso en un momento escénico, escribe en árabe algunas frases en la pared del fondo del escenario que a la vez son traducidas por su co-estelar, la actriz Indira Pensado. Todo ello junto con la ambientación de do músicos en escena que tocan instrumentos autóctonos persas, logrando con ello que el público se sienta metafóricamente instalado en el mundo mítico del Medio Oriente.

LA HISTORIA DE ZAHHAK Y FEREYDÚN es una de las leyendas y mitos del pueblo persa que refleja el heroísmo más allá de la maldad y el poderío. Es el reflejo del sentir de un pueblo antiguo, con sus creencias en dioses y demonios con características humanas vertidas a los humanos, que tratan de explicar metafóricamente la realidad en que viviese el autor de este impactante libro, que como ante mencionara, se titula “Shahnamé” y cuya traducción al español es “El libro de los reyes”. Obra monumental que su escritor presentó a su sultán Mahmud, quien no se interesó en ella, permaneciendo por ende, durante un siglo en el olvido.

EL CONVIVIO DEL DIFUNTO.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Pocas veces se puede disfrutar una obra desde su inicio hasta su final, con la curiosidad que implica una temática poco común como es la de iniciar la historia con un muerto que aún se mueve y habla.  Trama que además de peculiar, resulta contener un gran contenido de humorismo negro por ende, ante la propuesta de convivir con el difunto, en sus últimos momentos de contacto real y lúcido en éste mundo.

Acerca de la obra, Martín Zapata, (quien por cierto en 2014 fue el ganador del Premio Bellas Artes Baja California en la categoría de dramaturgo por su obra camino a Fort Collins), escritor y director de EL CONVIVIO DEL DIFUNTO hace la siguiente referencia textual al respecto:   

-“El convivio del difunto” trata acerca de un convivio, que transgrede los límites de ser convivio, y de un difunto, que transgrede también, los límites de ser difunto.”

Argumento que basa en torno a una retórica lingüística, sobre el significado y significante de las palabras “convivio” (convivium en latín) y “difunto” (defunctus). Aseveraciones valiosas que nos hablan de la sinopsis de ésta obra teatral.

Sin embargo nosotros como espectadores nos sumergimos tal vez más, en una propuesta paralela que de manera subjetiva plantea ésta trama, y que es, la parte mítica mágica acerca del cuestionamiento que surge en torno a la parte mítica-mágica. Ello, ante la idea popular  de que los seres humanos vivimos una existencia que se agota, sólo ante el cumplimiento de una misión que debemos realizar, para poder entonces morir en paz.   

EL CONVIVIO DEL DIFUNTO precisamente emerge de ésta inquietud o creencia popular. Actuada maravillosamente por su actor protagónico, Arturo Beristain (sea dicho de paso, ganador de un premio Ariel), quien además canta y baila bajo el soporte coreográfico de Dalia Blap, la puesta en escena es un deleite que surge en la ambientación escenográfica de un solo cuadro, tutelado por el gran arquitecto, Alejandro Luna.

Dramaturgia y dirección del guerrerense Martín Zapata presentada en la Sala Héctor Mendoza por la Compañía Nacional de Teatro, cuyo director artístico es el Maestro Enrique Singer,  presentan.  La obra es en un solo acto escénico, con duración de 120 minutos que parecen acortarse, ante la delicia que resulta ser ésta puesta en escena de Martín Zapata.

El resto del reparto estelar esta compuesto por los actores Mariana Giménez, Juan Carlos Remolina, Astrid Romo, Gastón Melo y Diana Fidelia. Todos ellos integrantes del CNT, quienes demuestran su gran talento histriónico, matizado por el profesionalismo del resto del personal, lo cual ha hecho que las obras presentadas por la Compañía, sean siempre una promesa para el público amante del buen teatro en México.

EL RUIDO DE LOS HUESOS QUE CRUJEN

POR: Dalia De León Adams.

Texto en dos voces que muestra lo recalcitrante que resulta ser una guerra. La pregunta es

¿Dónde? o ¿Entre quienes? eso no importa, pues la guerra en cualquier lugar y entre cuales

quiera, resulta ser un atropello a la dignidad de la humanidad, a la “civilización” y a la vida

misma.

El texto fue escrito ante la inquietud de su escritora quebequense Suzanne Lebeau, quien

decide mostrar pormenores de las monstruosidades e injusticias que se viven en una

guerra, cualquiera que sea. Por ello resulta ser sin duda una obra de denuncia hacia la

deshumanización que muchos pueblos han padecido y siguen enfrentando, en aras de una

victoria de unos pocos, sin triunfo para muchos, en donde se juega la esencia del ser

humano, revistiéndolo de dolor y desesperanza.

Puesta en escena muestra el mundo desgarrador en el cual padecen algunos niños y

adolescentes secuestrados, tras de haber sido sometidos y vejados, viviendo las más

crueles y extremas situaciones, como son, el privarles de la libertad física y moral y

mutilarlos. Víctimas, quienes a su vez se transforman poco a poco en victimarios de otros.

Los personajes son Elikia estelarizada por Ana Ligia García, una niña de diez años quien fue

capturada y llevada a la selva, junto con otros niños y hombres a los que debe atender

haciendo a un lado su niñez, siendo sometida brutalmente al igual que los demás, y

violentada sexualmente. Pasa tres años convirtiéndose en guerrillera y sometiendo a su vez

a otras víctimas. Pero un día decide escapar y obliga a irse con ella a un menor de ocho

años llamado Joseph, actuado por David Calderón. La huía es detallada por la escritora

quien cuenta el miedo, el frío, el hambre y los peligros enfrentados durante ese lapso de

tiempo.

Luisa Huertas caracteriza a la enfermera llamada Angelina, una mujer madura quien

descubrirá a sus superiores los hechos detallados; sin embargo se encuentra con oídos

sordos.

La dramaturgia fue escrita para un público adolescente y, tomando en consideración lo

cruenta que resulta ser la historia, la misma Suzanne Lebeau se preguntó:

-“ ¿Tenemos los adultos derecho de hablarles de esto a los niños? La respuesta fue: ¡Tenemos la

obligación!

La puesta en escena es un drama presentado en dos cuadros escénicos vistos de manera

alternante. Es decir que mediante el juego de iluminación en el cual se presenta de lado

derecho del escenario un paisaje boscoso a media luz, que simula la oscuridad de la selva.

Un follaje simulado es cubierto por un telón transparente que hace parecer menos nítida la

visibilidad de los actores que caracterizan a los dos niños. En otro extremo con mayor

iluminación, en el momento preciso se encuentra la enfermera sentada en una pequeña

mesa sobre la cual aparece un micrófono y un cuaderno. Personaje que resulta crucial en la

obra teatral, pues es la persona que narra los hechos.

Original de Suzanne Lebeau bajo la dirección de Gervais Gaudreault, la Compañía Nacional

de Teatro bajo la dirección artística de Enrique Singer presentan la obra teatral EL RUIDO

DE LOS HUESOS QUE CRUJEN en el teatro Julio Castillo, hasta el día 11 de junio.

Dos años y el REY LEÓN continua.

POR: Dalia maría Teresa De León Adams.

Impactante y hermosa puesta en escena es el musical de EL REY LEÓN, la cual además resulta ser para toda la familia, aún cuando se coloca un poco más en la preferencia del público adulto que sabe apreciar el valor tanto económico como artístico del montaje espectacularmente monumental, que presenta éste musical, incluyendo 35 cambios escenográficos impecablemente y bellamente presentados. Ello gracias al talento y creatividad de Julieta Taymo, su directora y creadora, la cual ha sido galardonada con seis premios Tony por su gran talento.

Muchos de sus actores en escena, utilizan y manipulan grandes, vistosos y hermosos puppets. Entre ellos se incluye a un grande y pesado elefante, jirafas, hienas, buitres, una gorila, un rinoceronte y por supuesto leones y leonas que actúan y cantan para dar vida a esta historia de heroísmo, amor y solidaridad; ello en antagonismo con la maldad y la decadencia que se gesta en la trama.

Los actores interactúan tanto en el escenario como entre butacas, lo cual le ofrece al espectador mayor cercanía con el reparto estelar compuesto de actores, cantantes y bailarines ataviados con coloridos vestuarios. Se mueven al ritmo de la música que se ofrece en vivo y, los cantos se realizan en diversos dialectos africanos como son el Swahili, zulu, Xhosa, Sotho, Tswana y Congolés.

EL REY LEÓN tiene una historia fresca e interesante que muestra las vicisitudes que padece un pequeño e ingenuo cachorro (inducido por su manipulador y malintencionado tío) el cual esta destinado para convertirse en el rey de la jungla africana.

Con dos años ininterrumpidos,  EL REY LEÓN fue galardonado el día de ayer, jueves 11 de mayo debelándose para tal efecto, la placa por parte de los padrinos quienes fueron los actores Angelique Boyer y Sebastián Rulli. Esto tras de haber terminado la función que tuvo una duración de dos horas con cuarenta minutos, momento en que los padrinos subieron al escenario para tal efecto.

Fecha del mes de mayo qué curiosamente coincide con el aniversario de los veinte años de trayectoria ( 8 de mayo de 1997) en que la empresa OCESA comenzó su titánica labor lanzando grandes éxitos en el medio teatral qué la ha colocado en la preferencia del público espectador, comenzando con La bella y la Bestia.

Su productor, el Señor Federico González Compéan, junto con sus asociados el Señor Morris Gilber y la Señora Julieta González, por supuesto subieron al escenario para agradecer al público por su preferencia durante tanto tiempo y, mencionar algunos pormenores sobre la obra y los aniversario, así como la manera en que ellos junto con OCESA y la empresa Mejor Teatro están celebrando tales éxitos.

La ocasión hizo grabar un billete conmemorativo de Lotería Nacional y el sorteo entre el público asistente durante éste mes, para ganar un viaje a Nueva York. El sorteo esta planeado para el día 2 de junio. ¡Suerte!

EL REY LEÓN

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Cumpliendo con la tarea titánica de colocarse en la preferencia del público citadino EL REY LEÓN logró cumplir dos años en cartelera. Años que como explicó uno de sus productores, el Señor Federico González Compéan, se escuchan fáciles de mencionar pero en realidad, es muy difícil lograr representar una obra teatral en México, por tan larga temporada.

Por otro lado hace dos décadas que la empresa OCESA presenta obras teatrales, estrenándose con la puesta en escena de “La Bella y la Bestia. Fue en aquel momento, es decir un 8 de mayo de 1997 qué comenzaron a surgir éstos grandes musicales al estilo de la ciudad de Broadway, tan afamados en el mundo entero. Y dicho sea de paso, no le piden nada, en cuanto a calidad en sus montajes.

Como es bien sabido por el público amante del buen teatro, OCESA a brindado grandes espectáculos. La puesta en escena de cada uno de ellos resulta en sí muy costosa de mantener, por la calidad del formato que precisa.

Presentan una avanzada técnica en el montaje escenográfico movible, para que muestren diversos cuadros con premura de tiempo. Además de la actuación y coreografía de un gran número de artistas que cantan junto a un equipo de músicos en vivo, expertos en vestuario y maquillaje, iluminadores, encargados del audio, bailarines, directores, asistentes, acomodadores, vendedores de boletos, gente de aseo, vendedores de dulces y bebidas, equipo del ballet parking, etc. En fin, una gran fuente de empleos.

Por dicho motivo es que se puede decir que se inicia exponiendo tanto por parte de los productores como por parte de la empresa OCESA y su difusora, grandes cantidades de dinero. Sin embargo la experiencia en el ramo y sus atinadas selecciones han logrado colocarse en el caprichoso gusto del público, quien a final de cuentas con su presencia, logran que dicho sueño continúe siendo posible, junto con un arduo trabajo.

Como un plus de ésta nota, le comentaré que en EL REY LEÓN han sido contratados creativos de cinco diferentes nacionalidades y que son, ingleses, estadounidenses, canadiense, mexicanos y puertorriqueños. Sin mencionar que además la producción esta formada por un reparto estelar en el que se incluyen cubanos, colombianos, brasileños, argentinos, sudafricanos y desde luego, mexicanos.

750,000 espectadores se han logrado reunir para ver éste gran musical en casi 700 funciones, y según nos informó el Señor Federico Gonzáles Compéan, él junto con sus productores asociados el Señor Morris Gilbert y la Señora Julieta González, esperan llegar a recibir a cerca de 100,000.

Ante tales acontecimientos de bonanza, se planea proporcionar una serie de boletos que el espectador coloca en una especie de pizarra en el hall del teatro, tras de anotar su nombre y responder a una pregunta, lo cual le acreditará a concursar para obtener “Un Viaje a Nueva York”, así como un billete conmemorativo de lotería Nacional.  Esto se llevará a cabo el próximo día 11 de mayo en la función de gala en donde se develará la placa por los años que ha cumplido EL REY LEÓN en el Teatro Banamex Polanco. 

HOW TO BE A LATIN LOVER

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Con el título es español de COMO SER UN LATIN LOVER Eugenio Derbez junto con la actriz Salma Hayek están a punto de estrenar su Nuevo trailer tanto en ingles, con algunas conversaciones en español, que le dan más verosimilitud a la trama, introduciendo los letreros traducidos al ingles, como totalmente en español.

Eugenio Derbez junto con Salma Hayek son los actores protagónicos de ésta divertida película la cual fue presentada el día de hoy a la prensa, horas antes de la conferencia en la cual asistieron en una de las salas de un lujoso hotel ubicado en el Paseo de la Reforma en nuestra ciudad de México.

En entrevista contestaron a todas las preguntas que los medios les hicimos, con respuestas largas e inteligentes. Con respecto a la obra, compartieron con nosotros las dificultades que constantemente surgen en la industria cinematográfica estadounidense, cuando los latinos intentan colocarse dentro de ésta. Sin embargo Derbez lo logró colocándose en ésta ocasión en la segunda película en la Unión Americana, con mayor éxito en taquilla.

También se habló del encuentro entre Salma y Eugenio, el cual fue solamente minutos antes de comenzar el primer rodaje de la obra, sin embargo la química que surgió entre ellos hizo que actuar juntos fuese tarea más fácil y agradable. También se mencionó en la conferencia de prensa los términos en que se planeó la producción que consistió en la introducción de diálogos en español, así como de las breves sugerencias en el texto que Salma le propuso a Eugenio y, del por qué surgió la idea de presentar a ésta actriz cantando, pues ella le había comentado tener la habilidad de cambiar un momento triste, cantando y transformando en ritmo musical.

El talento de ambos actores,  lograron que la película COMO SER UN LATIN LOVER prometa también ser un éxito en nuestro país. Ello por ser una comedia con una temática real en nuestra actualidad. Salma y Eugenio actúan junto con grandes actores de la talla de Raquel Welch, Kris Bell y Rob Lowe.

El trailer es en esencia la manera en que Máximo (Eugenio Derbez) un gigoló latino entrado en años, intenta recuperar el confort perdido, haciendo todo lo posible por conocer a una mujer madura millonaria interpretada por Raquel Wech. Ante tal intento se aloja en casa de su hermana, Sara (Salma Hayek) quien vive con su pequeño hijo Hugo. La trama resulta ser una comedia muy graciosa que muestra la imaginación creativa de su escritor el mismo Señor Derbez, quien además actúa y produce COMO SER UN LATIN LOVER bajo la dirección artística de Ken Marino.

Eugenio Derbez comentó que acuerdo a su opinión, la mayor arma que posee un hombre para conquistar a una mujer es el humorismo y la seguridad en sí mismo. Y, en cuanto a la pregunta de que si se consideraba un hombre seductor, comentó que en realidad aún cuando no lo aparenta, es un hombre tímido.

HOW TO BE A LATIN LOVER se presentará en varios cines a partir del viernes 5 de mayo.

VERDAD O RETO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Ahora abrigará el foro Ignacio López Tarso del Centro Cultural San Ángel, la obra teatral VERDAD O RETO, la empresa OCESA junto con su productor el Señor Morris Gilbert y la empresa Mejor Teatro, decidieron reestrenarla debido al éxito obtenido en el teatro Zéntrika en Santa Fe por las constantes sugerencias del público que pedía su regreso.

De tal manera que por ello se planeó trasladar VERDAD O RETO al sur de nuestra ciudad de México, pues en el recinto anterior, ya se había cubierto el contrato de temporada. La próxima presentación esta planeada por un breve lapso que cubrirá 12 semanas.  

VERDAD O RETO es un musical fresco y juvenil que tiene como referente la década de los años 90’s, reuniendo tanto a las canciones que fueron todo un éxito en el momento, así como la idiosincrasia y conductas juveniles que se vivieron en aquella época del casi reciente siglo pasado. Así se muestran costumbres como el uso del Nintendo, el Walkman y el CD, patinar en hielo, ir a las discotecas, bailar en fiestas “Caballo Dorado”, soñar con el personaje De Leonardo Di Caprio en Titanic en el rol de Jack, o ver determinadas series como “Los Simpson”, telenovelas como “Agujetas de color de rosa” e ir a la preparatoria. otras cosas.

Canciones de OV7, Kabah, Magneto, Fey, Mercurio, Alejandra Guzmán, Jeans y Gloria Trevi  son interpretador por canta-actores de hoy día, como son Kika Edgar,  Daniela Luján, Cecilia de la Cueva, Hiromi, Paola Gómez, Reyna López, Efraín Berry, Alberto Collado, Moisés Araiza, Diego Domingo, Rodrigo Massa, Marco León, Dagmariz Serafín, Lizy Martínez y Francisco Esmeralda. Todos ellos ataviados a la moda secular.

VERDAD O RETO fue escrita por Mauricio Galaz y Juan Carlos Porragas con la finalidad de revivir y hacer gozar con ello, al público mexicano que vivimos esa época y a los que desean conocerla, ventilando la manera cotidiana en que se vivió.  

Los diálogos junto con la presentación canciones son una forma de introducir al espectador en los 90’s y, con ello además, poder gozar de una historia que deja entrever el sus modus vivendus y los  inconfundibles retos que se enfrenta un grupo de amigos en su reencuentro veinte años después de haberse conocido, recordando sus sueños, verdades y retos.

Todo esto gracias a la coordinación de Juan Carlos Bringas y a todo el equipo integrado por Joe Mendoza en la dirección y producción musical, así como al apoyo escenográfico a cargo de Elizabeth Álvarez W y Víctor Zapatero en la iluminación.

Y si desea asistir a verla, le informaremos que la obra se reestrenará el próximo viernes 5 de mayo en doble horario, y además ahora estará más cerca de su hogar. 

LA AUDICIÓN Salón Continental.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

-“El juego de sustraer la voz de cantantes únicos y memorables para crearlos, animarlos, darles vida a través de la interpretación de otro ser, de otro cuerpo vivo. El canto como detonador del entorno y de los observadores, para exponer, de manera cruda, la tremenda fragilidad del ser humano y la reverberación de sus deseos.”-

Palabras de la Compañía “Foco al Aire” Producciones,  que son  justamente lo que Usted puede presenciar en la puesta en escena LA AUDICIÓN Salón Continental, en donde aparecen prestidigitadores de imágenes que amenizan esta obra teatral experimental, llena de creatividad, que hizo pasar al público espectador un muy agradable momento, viendo al reparto estelar simular interpretar  música que va desde la década de los 40’s hasta los 60’ del siglo pasado, con diversos ritmos y canciones que marcaron época en México; ello gracias a la utilización de videos, equipo sonoro, fotografía canto y televisión, que se presenta interactuando con los movimientos milimétricos que efectúan los artistas.

Así de pronto Escuchamos interpretar a grandes íconos musicales del momento como Louis Armstrong, María Victoria,  Carlos Gardel y Enrique Guzmán, entre otros más. También vimos parodiar a la Doña, a Jacobo Zabludovsky y a Pedro Ferris. Éste último con sus inolvidables comentarios sobre los extraterrestres y su celebre frase “Un mundo nos vigila”. Zabludouvsky entrevistando en su noticiero a María Félix, y cuestionándola al respecto de las numerosas y ostentosas joyas que solía lucir, entrevista que dicho sea de paso realmente sucedió y en la cual le preguntó “Si eran de verdad sus anillitos”, aludiendo al costoso precio que en realidad tenían.

La obra comenzó en el Hall del foro Sor Juana Inés de la Cruz, del Centro Cultural Universitario, en donde aparecía una joven ataviada de manera muy elegante y sensual, cantando a la vez que varios jóvenes con vestuario de los años 40’ bailaban solos, pero simulando con la pose de los brazos, estar haciéndolo en pareja.

Al ir entrando cada uno de ellos al escenario, el público les fueron siguiendo para ubicarse en la butacas. De este modo comenzó la función llena de sorpresas, cuyo concepto y dirección de Marcela Sánchez Mota y Octavio Zeivy armonizaron la obra.

Y como finalmente expresa a manera de sinopsis la compañía “Foco al Aire” Producciones, acerca de su puesta en escena LA AUDICIÓN, Salón Continental  -“Es una pieza que nos coloca en la paradoja de proporcionar vida a las imágenes inanimadas y revivir lo que ya no tiene cuerpo: una voz.”-

La obra se presenta de jueves a domingos hasta el día 14 de mayo.

EL CASTILLO DE BARBAZUL

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

En el marco del Ciclo de la Ópera EL CASTILLO DE BARBAZUL cerró su temporada en uno de los recintos más bellos de nuestra ciudad, me refiero a la capilla Gótica del Centro Cultural Helénico. Se presentaron la cantante operística Dhyana Arom en el papel de Judith y el tenor Enrique Ángeles en el rol protagónico de Barbazul.

Ambos interpretaron espléndidamente la música de Béla Bartók, bajo el libreto de Belá Bálsasz, junto con el pianista Alejandro Miyaki y las percusiones a cargo de Ashari Martínez.

EL CASTILLO DE BARBAZUL se recrea en la única obra operística de Béla Bartoók como he mencionado, fue uno de sus grandes amigos, el Señor Zoltán Kodály quien en base a una compilación de narraciones populares antiguas, escribiera “Las siete puertas” en el margen de la Segunda Guerra Mundial.

Las siete puertas son interpretadas operísticamente en EL CASTILLO DE BARBAZUL y traducidas del húngaro al español. La obra va mencionando qué encuentra en cada una de las puertas del palacio, la recién esposa de Barbazul, llamada Judhit, quien deja su plácida vida paternal, para descubrir lo inimaginable dentro del Castillo de su esposo.

Ópera cruenta y peculiar que interesó a su cantante a interpretarla y producirla. Para ser más clara le diremos qué la producción Ópera Anónima es una compañía fundada por la misma soprano Dhyana Arom, junto con la directora Daniela Serrano; ambas se han dado a la tarea de presentar obras contemporáneas e innovadoras en cuanto al entorno lírico. La acústica del recinto y el marco de su obra gótica otorgó un plus a la presentación operística, ya esplendida por si sola.

EL CASTILLO DE BARBAZUL ya había sido ejecutada en la Casa del Lago, en Chapultepec y se pretende llevar  a todos los foros posibles.

¡En hora Buena! Y felicidades a la compañía. 

¡PUN! HISTORIA ASQUEROSA PARA NIÑOS QUE SE ECHAN VIENTOS.

POR: Dalia María Teresa De  León Adams.

Bajo la invitación del productor Jorge Ortiz de Pinedo, la Compañía Astillero Teatro inauguró el día de ayer, domingo 23 de abril, la barra infantil del Nuevo Teatro Royal Pedregal.

¡PUN! UNA HISTORIA ASQUEROSA PARA NIÑO QUE SE ECHAN VIENTOS es la obra original de Jaime Chabaud, que como según mencionó el Señor Pinedo, esta inspirada en una anécdota de la vida real, nacida durante unas vacaciones en el momento en que unos niños no paraban de decir “pun” y otras palabras sinónimas que aludían a lo mismo.

La dramaturgia en sí no es una escatología sobre la temática de los llamados vientos o flatulencias, sino que es mucho más. Es una muestra de compañerismo, fidelidad y mistad, es de igual modo, un mensaje que muestra la mala interrelación que a veces surge entre los integrantes de una familia, en la escuela o en cualquier parte. La obra muestra como ésta  puede mejorar si cada uno pone de parte, para relacionarse de manera más grata.

Como toda obra infantil, la trama siempre lleva un mensaje de consigna que se logra identificar con claridad, cuando analizamos la trama.

La historia trata de dos pequeños amigos, Pancho y Jonás, cuya plática resulta soez para sus compañeritas, pues no dejan de hablar de ventosos durante el recreo escolar. Diálogos que resultan risibles para el público, pues utilizan frases como: “¿Sabías que un “”pun” es el alma de un frijolito que se va al cielo? O ¡El “pun” es el suspiro de una pompita enamorada! La obra también muestra el cariño que existe entre Pancho y su abuelo, en contrapartida con su padre y hermana, con los que tiene un cierto roce áspero y con sus compañeritas de clase.

¡PUN! HISTORIA ASQUEROSA PARA NIÑOS QUE SE ECHAN VIENTOS resulta ser una obra divertida para los pequeñitos, a los que se intenta integran de inicio, compartiendo un momento agradable al arrojar entre el público una pelota grande, plástica y ligera que todo el publico a su vez, puede manipular enviándola de un lado a otra; juego con el que todo el público interactúa. También los pequeñitos tienen la oportunidad de subirse al escenario a bailar, detalle que hace que el público infantil se sienta un poco integrado a la obra.

En la puesta en escena interactúan muñecos o títeres manipulados en el escenario por el elenco de la obra, con el cual interactúan en una plataforma vistosa con utilería movible, para ambientar el escenario de manera que parezca una casa, la habitación de Pedro, la escuela o la calle. Todo ello surge en un solo tiempo escénico, amenizado por músicos en vivo que ejecutan diversos instrumentos que van desde una guitarra, una pandereta, flauta, tambor y hasta un acordeón y que Usted puede gozar con toda su familia.

MOSCÚ.

POR: Dalia María Teresa De León Adams

MOSCÚ es una obra teatral que adapta la obra de Antón Chéjov intitulada “Las tres hermanas”; sin embargo, el dramaturgo Mario Diament, adaptador del texto, consideró titularla MOSCÚ. Ello debido a ser la capital de Rusia la parte constante y medular de la temática a tratar.  

Antón Chéjov fue medico por profesión y un destacado dramaturgo y escritor ruso nacido en Taganrog en el año de1860. Empero a poderse considerar ésta obra como costumbrista por establecer parámetros sobre la idiosincrasia y costumbres seculares, Chéjov incurre más en el género psicoanalista o naturalista, pues sus personajes son tratados desde una perspectiva muy realista, a la vez de manejar minuciosamente la psiquis de cada uno de sus personajes

La obra Tres hermanas” narra la vida de tres jóvenes hermanas qué, tras de haberse mudado por ciertas circunstancias de Moscú a una pequeña provincia casi olvidada por el resto del mundo, comienzan a sentir que sus vidas se marchitan en una región donde la rutina les va matando sus ideales poco a poco.

En ésta puesta en escena del director Víctor Carpinteiro, los personajes son exclusivamente femeninos. Éstos expresan sus deseos, inquietudes y desesperanzas sin ningún disimulo. Tres mujeres muy diferentes que toman decisiones presionadas por las circunstancias, pero que coinciden en su ardiente deseo por regresar a Moscú, como salida al desencanto que les produce su vida rutinaria, con falta de posibilidades de cambio.

La obra tiene matiz de drama, en cuanto a enmarcarse dentro de un ambiente de desesperanza. Ofelia, Masha e Irina son los personajes estelarizados por las actrices Claudia Marín, Mikaela Lobos y Carmen Baqué, quienes desempeñan con gran plástica actoral sus roles protagónicos.

MOSCÚ es una puesta en escena que consta de algunos elementos de utilería que pertenecieron a la actriz del cine Mexicana de oro, la Señora Marga López que son de gran utilidad para ambientar ésta obra de acuerdo con su referente, es decir, la Rusia Zarista de inicios del siglo pasado, al borde de la Revolución.  

En realidad la escenografía, iluminación y ambientación corren a cargo de Mónica Kubli y, el vestuario es de Cristina Sauza, dos mujeres que han colaborado a lo largo de 13 en El Circulo Teatral, es decir, el foro que abriga la obra de MOSCÚ.

Por dicha razón tanto Alberto Luna como Víctor Carpinteiro, dueños de dicho espacio artístico, hicieron patente su reconocimiento en base su constante labor en dichos ámbito, como se hace constar en el programa de la obra.

MOSCÚ es una obra muy bien escrita que transmite la emotividad de sus personajes ubicados en principios de siglo y que Usted podrá ver, si acude los días viernes y sábados a  El Círculo Teatral.

LOS 25 AÑOS DE TRAYECTORIA ARTÍSTICA DE ARATH DE LA TORRE

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Tras de haber llegado a la ciudad de México a los 17 años de edad, Araht de la Torre ha logrado amasar una gran trayectoria artística en la cual se ha desempeñado tanto como actor, conductor, juez de un Reality Show y hasta en pequeño productor.

Como reconocimiento a su talento fue que la empresa OCESA y los productores teatrales Morris Gilbert y Sebastián Blutrach, durante su puesta en escena de BAJO TERAPIA se dieron a la tarea de presentar una función especial para reconocer la labor artística de dicho actor.

Para tal efecto asistieron al evento los integrantes de “Miembros al aire” quienes son tanto amigos como compañeros de trabajo que se presentan junto con Arath de la Torre en el programa de Ubicable. De tal manera que asistieron al festejo, en calidad de padrinos. Ellos son Jorge Van Ranking “El Burro”, Raúl Araiza y Mauricio Castillo. También asistieron sus productores, Juan Carlos Villareal y Eduardo Suárez.

Todos ellos junto con el Señor Morris Gilbert quien encabezó el evento, le dedicaron  palabras de reconocimiento, reiterándole su amistad. Esto sucedió, como ya he mencionado, al final de la obra teatral BAJO TERAPIA. Dicho sea de paso, la dramaturgia escrita por Matías del Federico que muestra a tres parejas que se reúnen para ser parte de una terapia dirigida por una psicóloga, cuyo nombre es Isabel y, quien por cierto, no aparece en escena,  sin embargo resulta ser un personaje fundamental en el desarrollo de la trama.

BAJO TERAPIA Es una comedia con cierto humorismo negro, que maneja diálogos inteligentes y bien estructurados que muestran a seis personajes que llegan a vivir una experiencia poco usual. La trama tiene un final inesperado, en donde se ponen en juego los  sentimientos y reacciones que BAJO TERAPIA afloran.

Pero volviendo al homenajeado, le recordaremos qué Arath de la Torre tras de 25 años ha logrado colocarse muchas veces en el gusto del público, prueba de ello son sus participaciones en La Parodia, El privilegio de Mandar, o Los simuladores, que le brindaron la oportunidad de colaborar como juez en “Pequeños Gigantes”.

También brilló con su rol estelar como Pancho López en la Telenovela de “Una Familia con Suerte” (que hizo suspirar a muchas televidentes) así como en su participación en “Antes Muerta que Lichita”.

El cine también le ha abrigado con películas como son “Busco novio para mi mujer”, “La dictadura perfecta” o “Inspiración”. Y en el teatro lo hemos visto en “Las obras completas de Williams Shakespeare”, El tenorio cómico” o “Una pareja de tres”.

En fin, Arath de la Torre resultó ser toda una promesa, enhorabuena, le deseamos muchos éxitos más.

PRESENTACIÓN DE ALDONZA en “El Hombre de la Mancha”

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

La presentación de la nueva actriz que interpretará el rol protagónico de Aldonza en la revista musical de EL HOMBRE DE LA MANCHA, se dio a conocer ayer jueves 20 de abril en el teatro Insurgentes de la ciudad de México. Como ya es de todos conocidos, la puesta en escena original de Don Miguel de Cervantes Saavedra ya cumplió siete meses, colocándose con gran éxito en cartelera.

La nueva Aldonza esta a cargo de la actriz española Guadalupe Lancho, una mujer talentosa como ayer lo pudimos corroborar. Ella esta sustituyendo a la anterior interprete, la cantante actriz Ana Brenda, la cual más adelante se volverá a incorporar a la obra de manera ocasional, debido a varios compromisos que debe cumplir, razón por la cual se despidió temporalmente de ésta obra teatral. Hecho que le diremos, a-priori ya había sido acordado con la compañía OCESA, Mejor Teatro, y por supuesto con el gran productor Morris Gilbert.

Se convocó a prensa para darnos a conocer a la actriz Guadalupe Lancho, quien es una figura destacada en el medio artístico español, de donde es oriunda de la Ciudad de Salamanca y, en donde ha conseguido tener una sólida trayectoria histriónica. Ha participado en series televisivas que han llegado hasta nuestro país en cadenas particulares, como por ejemplo en “Cuéntame que pasó”, “El secreto del puente viejo”, La fuga”, “Carmina” o Bandolera”. En teatro español se inició en proyectos musicales como Cats, Mi bella Dama y Víctor Victoria

Razones por las cuales se decidió ser contratada, y el Señor Morris Gilbert nos hizo saber qué la elección de Guadalupe Lancho como Aldonza,  fue decidida con anticipación de un mes, tras del cual la actriz se preparó y asistió al escenario para con ello poder ejecutar el papel protagónico, con el cual el día de ayer se ganó el aplauso caluroso del público, que le dio la bienvenida, no solamente a la obra EL HOMBRE DE LA MANCHA, sino también a nuestro país.

El evento fue ovacionado con la presencia de padrinos de lujo como se mencionó, contando con la presencia de indiscutibles personalidades del medio, como lo son Margarita Gralia, Andrés Palacio, René Franco y Alberto Collado.

EL HOMBRE DE LA MANCHA es estelarizado por el cantante y actor Benny Ibarra, quien se postró ante la actriz, ofreciéndole un ramo de flores como motivo de bienvenida. Ella conmovida no paró de llorar y agradecer a todos por su cálido apoyo, inclinándose para besar el escenario. En conclusión, el debut de Guadalupe Lancho en EL HOMBRE DE LA MANCHA fue todo un éxito.

ARJONA ESTRENA DISCO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Ayer viernes 21 de abril, el cantautor guatemalteco Ricardo Arjona dio a conocer a la prensa su última producción discográfica intitulada CIRCO SOLEDAD, disco que salió a la venta a través de plataformas digitales y puntos de venta física en varios países del mundo como son Guatemala, México, Colombia, Estados Unidos, España e Inglaterra.

CIRCO SOLEDAD incluye 14 canciones que tienen gran colorido musical, con nuevas letras e historias que contar por Arjona; en fin, todo un festín, lo cual le llevó a ponerle dicho título a su nueva obra musical, como expresó él mismo en conferencia de prensa. Disco que además expresó, considera como su mayor producción.

El disco fue gravado en la ciudad de Londres, pese a no haber sido el lugar que le inspirara en su creación musical. Sus canciones expresan las pequeñas y grandes cosas que de pronto le han inspirado estando en cualquier lugar o circunstancia, por lo que expresó qué jamás gravó en ningún lugar, pretendiendo que dicho lugar fuese el protagonista.

-“CIRCO SOLEDAD es además del nombre del disco, el nombre de una canción que lo resume todo. Es en esta canción en donde hace una analogía de los personajes de circo y los personajes del mundo de la política, la televisión y la vida donde no deja a nadie por fuera.”- Se puede leer textualmente en el boletín de prensa otorgado por la difusora M meta morfosis.

CIRCO SOLEDAD es un proyecto ambicioso que incluye los siguiente temas en su track list: Intro, Ella, El que olvida, Señorita, Remiendo al corazón, Porque puedo, Hasta que la muerte nos separe, Vivir, Sixto Pérez, El cielo a mi favor, Dime tú, Correr, No preguntes como estoy y Circo soledad.

En el disco se incluyen diversos ritmos musicales que van desde rock, hasta baladas, avaladas todas por grandes músicos como son Michael Brauer (uno de los ingenieros de los Rolling Stones) Cold Play y John Mayer.

El cantante esta a punto de ser galardonado con el Premio Billboard, en la ciudad de Miami,  por su exitosa trayectoria y, en hora Buena ¡SE LO MERECE!

¿DUERMEN LOS PECES?

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

¿DUERMEN LOS PECES? Es una de las tantas preguntas que una pequeña le hiciera a su padre, quien no sabe qué responder. ¿A los gusanos les da gripe? ¿Por qué el sol esta tan caliente? ¿Qué nos pasa cuando estamos muertos? ¿Estar muerto es como estar dormido?

¿DUERMEN LOS PECES? Es la dramaturgia del escritor alemán Jens Raschke (1970) traducida al español por Claudia Cabrera quien nos lleva de la mano a la reflexión sobre la muerte. Preguntas que de pronto surgen, ante la inminente enfrentamiento de la perdida de un ser querido.

¿DUERMEN LOS PECES? Nos introduce paso a paso a la experiencia vivida por una pequeña de tan solo diez años, quien tras cuatro días de haberlos cumplido, pierde a su hermanito Emilio víctima de cáncer. Los sucesos a-priori y a-posteriori del deceso, son contados a detalle, así como algunos momentos vividos entre los pequeños hermanos.

La obra teatral es un monólogo ejecutado por la actriz Adriana Resendiz quien gracias a la modulación de su voz y a los movimientos corporales parecidos a los de una infante, logra introducir al público en el triste mundo de Jette y su hermanito Emilio.

Contando con tan solo seis cajones blancos móviles y una serie de globos, la actriz nos hace imaginar los distintos lugares en los cuales recrea sus narraciones, como son su escuela, su casa, la habitación de Emilio, un puente sobre un río o bien, el cementerio.

Bajo la dirección artística de Araceli Guerrero, la puesta en escena es ejecutada en un solo acto y un solo cuadro escenográfico. En cuanto a el tratamiento de sus diálogos, la obra teatral se maneja bajo tintes de humorismo negro y, pese a lo cruento de la trama, el espectador ríe constantemente; en especial los adultos, pese a ser presentada como una obra teatral propia para toda la familia.

¿DUERMEN LOS PECES? Solamente se presentará en dos ocasiones más, es decir, los próximos domingos de abril a las 13:00 horas en el Circulo Teatral, bajo la producción del Teatro ReNo, la Compañía que en el año 2000 surgió con el objetivo de construir una dinámica qué bajo un lenguaje propio, reúna a artistas interesados en el quehacer artístico en México.

¿DUERMEN LOS PECES? con su temática en torno a la muerte, le tocará el corazón con una historia de la vida real.

LA HIJA DEL AIRE.

POR: Dalia De León Adams.

Bajo la versión de José Gabriel López Antuñano la obra teatral LA HIJA DEL AIRE escrita por Calderón de la Barca, se presenta en el marco del Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México, bajo la presentación de la Compañía Nacional de Teatro.

Obra que ha sido escenificada en múltiples ocasiones en foros de diferentes países y como mencionamos, fue escrita por el sacerdote católico jesuita Calderón de la Barca, caballero de la Orden de Santiago, nacido en Madrid España en enero del año de 1600. Dramaturgo que destacó como escritor barroco del siglo de Oro Espanol. Entre sus dramaturgias más conocidas destacan “La vida es sueño”, “El alcalde de Salamanca”, “El gran teatro del mundo”, “El príncipe constante”, “La dama duende” y por supuesto, LA HIJA DEL AIRE, algunas de ellas presentadas en el marco cinematográfico.

Hoy en día LA HIJA DEL AIRE se presenta en la Ciudad de México dirigida por Ignacio García. La obra nos narra sobre el cuestionamiento de la legitimación del poder y el empoderamiento de una mujer mítica, a quien el oráculo presagia su destino al cual no podrá escapar. Mujer liberada de la prisión en la cual creció, abrigada por el aire. Un hombre al verla, la liberará, sin saber que la entregaría con ello a otro tipo de prisión, la prisión del empoderamiento y el apasionamiento por el poder, en aras de una supuesta libertad que la llevará a romper con la tradición en las estructuras políticas.

Ella es Semíramis, quien se convierte en la reina de Asiria y, tras lo cual fundará Babilonia.  Durante su reinado Siria sufre de constantes luchas fraticidas a causa de traiciones y asaltos por la fuerza Semíramis, siendo una mujer seductora, astuta, valiente y guerrera, usurpa el poder con sus atributos, manipulando al pueblo e incitándolo a combatir en aras de su gran ambición.

El día de ayer fue estrenada (abril 2017) en el Teatro Julio Jiménez Rueda contando con un gran reparto estelar compuesto por Rosenda Monteros, Erika de la Llave, Andrés Weiss, Rodrigo Velázquez, Enrique Areola, Rodrigo Alonso, Misha Arias de la Cantolla, David Calderón, Eduardo Candás, Ana Isabel Esqueira, Marco Antonio García, Ana Paola Loaiza, Oscar Narváez, Paulina Treviño, Laura padilla y Antonio Rojas.  

La puesta en escena es respetuosa del lenguaje en castellano antiguo, así como de la métrica de los elementos líricos que componen a ésta y en general de todas las obras clásicas, lo cual hace un poco difícil el entendimiento inicial de los diálogos, pero gracias a la dirección y actuaciones estelares, la trama resulta fácil de asimilar, dentro de un espacio escenográfico basado en la poética de la ruina y la destrucción, con una iluminación  sombría con brillo palaciego, según menciona la Compañía.

La obra se presentará hasta el día 16 de julio 2017 de jueves a viernes bajo las producciones de Anglo Arts, Le Conseil des arts et des lettres Québec, la UNAM, el IMBA, El Colegio Nacional, el Instituto Italiano de Cultura, La Delegación Cuauhtémoc, La Secretaría de Cultura, la Cooperación Española CAECID, entre otros valiosos apoyos.  

SIRKO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

-“ La vida es un acto NO premeditado”-  Esta es la consigna que encierra la obra de Gerardo Trejoluna escritor y director de la obra, quien además actúa dándole vida a un clown. Durante la obra, Trejoluna utiliza ésta peculiar frase y muchas más, que encierran un gran sentido existencial para aquellos que “viven muchas vidas”.  Con ésta últimas palabras me refiero al actor; ese actor que se apodera mediante la actuación, de cada uno de sus personajes y, que los interpreta con lo más intimo de su ser. Ello ya sea dentro de un teatro, en el cine, en una serie o novela televisiva o bien,  en el circo.

Es una frase que como sinopsis, se lleva grabada en la mente, tras de ver ésta puesta en escena de SIRKO, que invita hacia la reflexión filosófica existencial.

En la obra se ventilan los sentimiento más íntimos de su dramaturgo, quien muestra sus aflicciones y carencias emotivas surgidas en la soledad de un clown qué dedica su cuerpo y alma a hacer reír y hacer pasar un grato momento a su público, él vive en profunda frustración.

La trama da inicio con la espera por parte del espectador de ver salir al clown, quien alojado en su camerino, decide no presentarse y, en cambio, mostrar mediante una grabación sus sentimientos más profundos a su público. SIRKO es la obra no representada de un clown.

SIRKO es además una obra con altos tites reflexivos existencialistas, presentada bajo el formato de arte conceptual, y, el uso de un equipo multimedia, que muestra imágenes fílmicas al actor protagónico. Curiosamente él jamás aparece en escena. Su imagen y actuación son grabadas y mostradas en pantallas colocadas tanto en los lados laterales como en el frontal del escenario.

En los videos, de manera simultanea se muestran actuaciones del personal del circo. Actores que también aparecen en el escenario y a los cuales ovacionaron con aplausos.

La dramaturgia se inspira un poco en la afamada película de Federico Fellini “I Clowns” (Los payasos) en cuyo film se pretendía escenificar “la muerte del circo” en escena y, de manera paralela SIRKO muestra el ocaso de un payaso.

Bajo la asistencia en la dirección de Rubén Ortiz, la dirección cinematográfica de Yaride Rizk y la musicalización de Darío González Valderrama, la obra teatral SIRKO cerrara la temporada de representaciones en el teatro Juan Ruiz de Alarcón, del Centro Cultural UNAM, el próximo  domingo 30 de abril.

JUGADORES.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Cuatro grandes actores reúnen sus talentos para dar vida a la dramaturgia de JUGADORES . Nos referimos a los reconocidos actores, Héctor Bonilla, José Alonso, Patricio Castillo y Juan Carlos Colombo, todos ellos en roles protagónicos.

Original del Pau Miró la obra teatral fue ganadora del importante premio “Ubu” en el año 2013 en Nápoles Italia.

La obra se estrenó en las tierras españolas en el afamado Teatre Lliure de Barcelona en 2011, trascendiendo fronteras. Se trata de una historia cargada de historias, que muestran la vida otoñal de cuatro amigos que la vida ha unido con su amistad. Ellos son un profesor, un actor,  un barbero y un enterrador. Cuatro oficios muy distintos: en que el juego les hizo coincidir.

La suerte parece darles la espalda en un mundo ya incierto en donde las puertas y oportunidades parecen haberse cerrado para ellos. El juego es su aliado y, con base en ello, fincan su amistad tardía. Cuatro hombres ante el desaliento de la derrota, el desempleo y la pobreza, se cuentan su historia, apoyándose en el hombro del otro con su amistad.

La suerte estaba echada. El actor cae en la cuenta que carece de talento y qué su prestancia juvenil, era solamente el móvil por el que fuera contratado en sus años mozos. El catedrático matemático es desempleado injustamente y precisa de un abogado para resolver su caótica situación, sin embargo carece de medios económicos para lograrlo y su vida siempre esta envuelta del recuerdo paterno. El barbero por otra parte, quien trabajara en su propia peluquería, se ve desalojado por su propio hijo y teme constantemente ser abandonado por su mujer. Finalmente el enterrador ya sin oficio alguno, vive apoyado en el poco afecto que una prostituta extranjera le otorga escuchándolo.

Además de la amistad entre los cuatro JUGADORES, existe cierta dosis de traición y complicidad que matizan la relación entre éstos hombres que, hartos, deciden darle un giro a sus vidas, probando un plan con apariencia muy descabellada.

JUGADORES se presentó en premier el día de ayer, viernes 7 de abril, y con ella se estrenó uno de los dos nuevos teatros del Centro Royal Pedregal, construidos por la productora Ortiz de Pinedo, Off Broadway.

La adaptación y dirección fue puesta en escena bajo el cargo de Luis Eduardo Reyes, quien presentó a los personajes en un solo cuadro escenográfico en el que se advierte una vieja casa habitación acorde al texto. Ahí transcurre la trama durante la cual son narradas las historias que dan vida, a cada uno de los personajes, para dar coherencia a la trama. El proyecto escenográfico y de iluminación es de Félix Arroyo, con el diseño del vestuario presentado por Marian Celis. 

JUGADORES, título ad-hoc para éstos cuatro hombres qué jugando al póker, cartas y ruletas, con sus excesos y fracasos en el fondo, siempre han tenido alma de JUGADORES.

PETER PAN

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Un sueño hecho realidad es la puesta en escena de PETER PAN, altamente creativa, con muy buen gusto en su gran y lujosa escenografía, como suelen ser la mayoría de las obras que el Señor Morris Gilbert, quien junto con OCESA y la Compañía Mejor Teatro, logran traernos. Hermosas obras teatrales que presentan en diversos escenarios de la ciudad de México; obras qué como ya es de todos sabido, ofrecen un trabajo de gran calidad que no le pide nada, a las tan afamadas puestas en escena de Broadway, en la Unión Americana.

Un gran número de personas para ello unen esfuerzos, mostrando cada uno de éstos su talento y entusiasmo por que las cosas estén bien hechas en el medio teatral de nuestro país. Muestra de ello es PETER PAN, una obra que aún con poco tiempo para ser producida, logra ser impactante en su montaje. Músicos en vivo se presentan en ésta revista musical difícil de presentar por sus diversos cuadros escenográficos y gran número de actores en escena.

El Señor Morris Gilbert comentó en entrevista  que fueron seis semanas las que con arduo y titánico trabajo, hicieron posible el montaje de la espectacular aventura musical. Al preguntarle sobre la interacción de los personajes con el público, nos comentó que ésta obra en especial, se le ha dado mayor peso al respecto, lo cual en nuestra opinión le otorgó un toque mágico y agradable, al poderlos ver ocasionalmente pasar actuando frente a nosotros a parte del reparto, o volando a PETER PAN sobre algunas butacas y mesas.

También comentó el Señor Morris Gilbert sobre su elenco, qué la selección de éstos se llevó a-priori gracias a un casting en donde se dieron cita cerca de 900 actores, para de ese modo dar con el perfil que necesitaba, cada uno de los personajes.  Entre ellos  destacaron ayer por su actuación, la Señora Lola Cortés en el papel estelar de PETER PAN y, su co-estelar, el Capitán Garfio, maravillosamente interpretado por el joven actor español, Pedro Prieto.

Se sumaron al reparto 29 artistas más que en escena dieron vida a los piratas, indios y sirenas, siendo éstas últimas, personajes que en escena parecían desplazarse realmente en el mar. Esto gracias a los efectos que logran con la ayuda de imágenes multimedia y al cableado que utilizaron para dar la apariencia de cruzar las aguas o, de volar, como es el caso de PETER PAN junto con Wendy y sus dos hermanitos y, así poder dar vida a ésta maravillosa aventura musical.

Finalmente no queda más que reconocer la gran labor de todo el gran equipo que unen esfuerzos para hacer posible el montaje, y que van desde acomodadores, vendedores de boletos, tramoyistas, escenógrafo, iluminador, coreógrafo, diseñador de vestuario, pelucas y maquillajes, instaladores de equipo de vuelo, técnicos en multimedia, músicos, directores, gente de difusión, libretista y productores. Se sumaron Letsgo Company México.

La obra la puede Usted gozarla con su familia en el Gran Teatro Molière, Polanco.

Y como podemos leer textualmente en el programa de mano:

-“ Volar…hace realidad los sueños…disfrutar de un juego interminable…así se vive en el país de Nunca Jamás, una tierra donde la felicidad está 

# No soy GORDA!

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Obra de denuncia al estereotipo físico ideal, que establece el que la mujer sea delgada aún en aras de la anorexia. La obra teatral esta escrita por María Chayo, quien mediante un monólogo logra hacer reír constantemente al público asistente, pese a la temática que plantea a la gordura, como una problemática social padecida por la juventud  de hoy día.

Alicia es el personaje protagónico de esta trama llena de diálogos creativos e inteligentes en cuanto a matizar perfectamente la psiquis lastimada de las personas que tiene un poco de kilos de más.

Alicia es una mujer entrada un poco en años, que sufre de soledad. Su tía le sugiere que asista a terapias con un psicólogo, quien intentará ayudar a su paciente, intentando en todo momento no involucrarse con ella, pese a algunas insinuaciones que surgen dentro de la consulta. Sus amigas pese a estimarla, reducen constantemente su autoestima que se ve flagelada con los constantes comentarios sobre su persona. Una de sus amigas es la clásica mujer que desborda belleza y sensualidad, lo cual le hace incomodarse ante el asedio masculino que su amiga goza. La desesperación la harán recurrir al servicio d un brujo o chamán. Finalmente sucederá algo que le recobrará la seguridad de su sensualidad y con ello la libertad de ser feliz siendo una misma sin artificios.

La obra es una comedia divertida, atrevida y jocosa, casi diríamos un “reality show” en donde la actriz canta al son de la música; es una puesta en escena en un acto durante el cual se muestra el rostro de un maniquí que la actriz manipula dándole vida al médico psiquiatra. Dos sillones con estampado y forma muy femeninos que le servirán para escenificar algunos momentos de la narrativa.

Por otro lado aparecen diferentes cambios de vestuario, con algunos artefactos de belleza que la actriz utiliza en escena para darle secuencia a la narrativa, en la que comparte al público su pretendida experiencia.

Este revelador monólogo lo podrá Usted disfrutar si asiste a las tres últimas funciones que se ofrecerán en día domingo por las tardes, en “El Círculo Teatral” ubicado en la calle Veracruz 107, de la colonia Condesa, bajo la producción de María Chayo

ESTA SEMANA LLOVERÁN PÁJAROS.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Título muy ad-hoc a la obra que manifiesta el simbolismo onírico imaginario de su autor Hasam Díaz, en el cual los pájaros representan según él (y de algún modo acorde a la teoría Freudiana) los deseos, el amor y los sueños de los individuos. Expresa los miedos que los adolescentes viven ante su sexualidad, los prejuicios que surgen de la sociedad y la incipiente información al respecto.

ESTA SEMANA LLOVERÁ PÁJAROS esta basada o recreada en tres de los cuentos intitulados “Fiebre” de Daniel Krauze. Éstos tienen como referente, el año de 1985, momento en que se inicia la trama que concluye en el 2010.

La obra comienza con una prospección temporal, es decir con la parte casi final de la historia y, para poder darle una lógica a la trama, hacen un retrospección temporal. Una boda en el año 2010 es simulada con el gran pastel de novios y los trajes de etiqueta que se suelen usar en dicha ocasión, así como la música y el baile. De dicho modo se da inicio al primer cuento titulado “Ness”; este nos habla sobre un jovencito con orientación homosexual, que se ve totalmente impedido a comunicarse con sus padre, por su recalcitrante moralismo ortodoxo heterosexual y prejuicios.

El segundo cuento “ Esta semana lloverán pájaros” es la historia de dos adolescentes quienes suelen matar pájaros y derrumbar sus nidos; hecho que en alguna ocasión fueron tantos, que a la gente le dio la apariencia de que había caído una lluvia de pájaros muertos.  Simbolismo que expresa el cómo algunas personas matan sus propios deseos, de manera inconsciente. ¿Será que no nos atrevemos a realizar nuestros sueños? o tal vez ¿será que tenemos miedo de ser felices en un mundo que se nos proyecta como voraz y reglamentario? Sobre todo con respecto al gozo de sexualidad, mucho más censurado en los años 80’.

Finalmente el tercer cuento “ Transición payaso de MC” presenta la rivalidad surgida entre dos chicos a causa del deseo por llamar la atención de una adolescente. La envidia hace que con engaños lleven al adolescente que era el afortunado en el amor, a ser el blanco de tiros de huevos. La obra aborda el inconsciente de sus personajes, jóvenes que despiertan al amor y desamor expresado en el sentimiento de la envidia e irritación, por no poder alcanzar o tener lo que el otro; el rival en aptitudes o en el amor.

ESTA SEMANA LLOVERÁN PÁJAROS es una dramaturgia que toma gran peso en la psiquis de sus personajes. Éstos están caracterizados por sólo cuatro actores que aparecen en escena y, gracias al vestuario de Fernando García y sobre todo a la versatilidad en las actuaciones y a la modulación de la voz, es que cada actor logra caracterizar a diferentes personajes.

Los personajes son en su mayoría “niños casi adolescentes” y aún cuando son actuados por un reparto estelar formado por jóvenes, la actuación nos  hacen sentir que realmente son púberos en la etapa del despertar al amor. Los actores son Abraham Jurado, Christian Cortés, Eugenio Rubio, Bernardo Benítez y Mariana Moyerz

La dirección escénica de la obra teatral es de Martín Acosta; se presenta en el foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico todos los sábados a las 13:00 horas hasta el 17 de junio.

LA PANADERÍA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Berthol Brecht escribió LA PANADERÍA a manera de obra de denuncia, como generalmente el acostumbraba matizar cada una de su obras, comprometiendo con ello su pluma. Recordemos que Bertolt Brecht de origen alemán ( Augsburg 1898-1956) fue testigo de conflictos mundiales bélicos, lo cual marcó definitivamente su pluma, pasando a formar parte esencial de casi toda su obra. Considerado como gran innovador Bertolt Brecht fue muy reconocido internacionalmente, por el estilo de su obras que invitan al público a la reflexión y al activismo político.

LA PANADERÍA es una dramaturgia de tipo bélico, que muestra la miseria económica de un barrio al punto de sufrir la hambruna, que vive en carne viva un desempleo atroz que desata la lucha por obtener un bocado que comer. Empero a ello, la obra teatral no pertenece al género épico, sin embargo, la parte bélica toma gran fuerza, como parte medular de la trama.

La temática dibuja un capitalismo cruento y voraz en donde las víctimas se convierten en cómplices del sistema corrupto y despiadado y piramidal en su estructura. LA PANADERÍA es la muestra de la deshumanización llevada al extremo y qué bien podría enmarcar muchas de las sociedades, que han abrigado los pasados siglos y, en particular el siglo XX con sus guerras mundiales, en donde las obras de Eugen Bertol Brecht surgieran retomando gran fuerza temática, al estilo secular.

Por todo ello es que la Compañía Nacional de Teatro se dio a la tarea de presentarla, pese a ser una obra inconclusa y, por ende, poco expuesta como dramaturgia teatral. LA PANAERÍA se escenificó el día de ayer para los medios, en la Sala Héctor Mendoza bajo la dirección y adaptación de Octavio Michel a manera de “laboratorio actoral”. Aspecto peculiar que le infieren a ésta puesta en escena. Para que Usted comprenda un poco mejor el simbolismo de ésta última frase, le presento las palabras textuales que la misma CNT nos ofreció a modo de boletín de prensa, al respecto:

-“ LA PANADERÍA invita a los espectadores a ser testigos del proceso en que los actores se transforman en personajes, tanto como la escenografía, los telares y cada elemento sobre el escenario adquieren significado. LA PANADERÍA une al actor y el técnico teatral en un mismo elenco, de modo que el teatro es el personaje que cobra vida a partir de todos y cada uno de los elementos que lo componen, incluido el público.”-

Dentro del reparto estelar aparecen en escena Adrián Aguirre, Martha Aura, Miguel Cooper, Constanza Etchechury, Liliana Figueroa, Néstor Galván, Axel García, Olaff Herrera, Adriana Lara y Jorge León. Todos grandes actores, como suelen ser los artistas que forman parte del repertorio actoral de la Compañía Nacional de Teatro.

Los personajes son figuras emotivas, fuertes pero vulnerable y manipulables. Cada personaje esboza perfectamente el perfil de la capa social que representa. Presentado en un solo acto y un solo cuadro escenográfico en donde aparecen grandes telones oscuros que contrastan con la panadería móvil, la historia cruenta transcurre en 110 minutos.

LA PANADERÍA se presentará hasta el día 30 de abril de jueves a domingos, bajo la producción del INBA y de la Secretaría de Cultura.

Club Gastronómico SONOMA México.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

El día de ayer la prensa e invitados acudimos a la degustación ofrecida por el novedoso Club Gastronómico SONOMA en México. Decimos novedoso por dos razones; la primera por ser el único y primer concepto de “Club Gastronómico en nuestra ciudad”. Sueño acariciado por uno de sus creadores y administrativo, es decir el Señor Ignacio M. Allende Rodríguez quien nos comentó en entrevista qué en la ciudad comúnmente se abren escuelas o restaurantes en donde se aprende y se hace gastronomía, pero ¿Un Club? Parecía una locura a la cual finalmente apostó.

El sueño se realizó y se creó un espacio de convivencia para el gremio culinario, completamente gastronómico. De tal modo que se planea que acudan cada diferente mes, distintos chefs invitados, con la finalidad de compartir los distintos platillos y especialidades, en su tipo particular de cocina.

Ayer distintos “desserts” y “chefs’s delicates” fueron brindados en la degustación. Con sus innovaciones nos deleitaron a todos los presentes.  Degustaciones exquisitas aparecieron por todos los pisos del Club Gastronómico SONOMA y, tal vez por llamarlas de algún modo, “especialidades exóticas” en el sentido en que es poco común poder tener la oportunidad de probarlos. Así por ejemplo había un postre en cuyos ingredientes se encontraba incluida la tortilla. ¡Mmm! ¡Fue un deleite! o un brownie cubierto con un rico mole dulzón.

Así surgió toda una fuente de nuevos y deliciosos sabores, con la mezcla de ingredientes salados con dulces y viceversa. Cocina francesa, árabe, americana, italiana, en fin. Cocina gourmet fue ofrecida con exquisitos finos vinos y otras bebidas.

Además, tuvimos la oportunidad de presenciar la manera de preparar algunos de ellos, por varios de los chefs presentes, que al ritmo de un grupo musical en vivo, dieron apertura al evento peculiar. La cita fue en la Avenida José Vasconcelos # 83, en la 1ª Sección de la colonia San Miguel Chapultepec, marcando las 19:30 horas de la noche.

En boletín de prensa se nos informó textualmente al respecto y lo cual es interesante informarle:

-“El Club Gastronómico SONOMA es una innovadora propuesta de ocio gastronómico en el país, cuya filosofía se resume en tres aspectos fundamentales:

-          La convivencia e interacción de sus miembros.

-          La recuperación de recetas tradicionales y

-          La difusión del trabajo de los mejores chefs de México.

“Club Gastronómico SONOMA en México” ya es un espacio versátil, que cuenta con la infraestructura de una cocina profesional y que además puede dar cabida a presentaciones, conferencias, catas, proyecciones, showcookings, reuniones y mucho más.

Y finalmente, si a Usted todo esto le pudiera parecer poco, le informaremos a manera de “plus” que en el Club Gastronómico SONAMA también se efectuarán algunas colaboraciones de “degustaciones” o “master class” por parte de los chefs, de restaurantes destacados o de moda en México, así como se organizarán almuerzos y cenas privadas a petición de algun socio.

TEMPORADA MUNDIAL DE LAS ARTES ESCÉNICAS, Quetzalcóatl 2017.

* Entrega de Medallas 2017

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

La cita fue el día de ayer (27 marzo 2017) a las 18:00 horas en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultura del Bosque, en donde se recordó y rindió homenaje al finado José Solé, tomando como marco el día internacional del “Teatro” o en general, de las Artes escénicas.

La ocasión permitió galardonar a algunos de sus íconos. Para tal efecto la Señora Isabel Quintanar, directora del Centro Mexicano de Teatro, entregó varias preseas, a una dinastía, al más joven pilar del arte dramático y por sólidas trayectorias.

El homenaje abrió con la lectura que la primera actriz, la Señora Pilar Pellicer, ofreció al público asistente, quienes en su mayoría eran gente del ambiente escénico, el mensaje oficial que firma Isabelle Huppert, francesa.

Estaba Arianne Pellicer, además de la actriz Ofelia Medina y Juan Ferrara, éste último entregándole el reconocimiento al joven productor Sergio Gabriel.

La entrega de las medallas “Mi vida en el Teatro” fue el premio a una destacada, brillante y constante labor en el medio teatral, a Francisco Peredo, Roberto Rivero y Góngora, Tita Lizalde, Jesús Calzada, Antonio Crestani, Benjamín Bernal y Rodolfo Reyes.

También fueron reconocido por su destacada labor a algunos representantes del Sindicato de Trabajadores de la Secretaría de Cultura, secretarios y delegados; y no podía faltar la entrega de preseas a algunos primeros actores, entre los que se encontraron Mauricio Herrera, Edgar Vivar y Tito Vasconcelos.

HOMENAJE A JOSÉ SOLE

Al concluir, en el mismo recinto cultural, a las 21:20 se efectuó el homenaje al gran director, productor, actor, profesor y dirigente de centros y escuelas de teatro, el Señor José Solé.

Asistieron grandes actores, muchos de ellos actores de la Compañía Nacional de Teatro como la maestra Verduzco, Arturo Beristain, Julieta Egurrola. También actores del teatro independiente o comercial engalanaron el recinto entre ellos Sergio Kleiner, José Ignacio Aranda y Nuria Bages entre muchos otros.

En el evento se presentó un video en donde la gente que trabajo con el maestro Solé expresaron sus experiencias y opiniones personales con respecto la labor de éste. En el video aparecen la maestra Huerta, el actor y productor Arturo Beristain y la actriz Laura Zapata.

La primera actriz Lilia Aragón ofreció la lectura con respecto a la intimidad de la amistad que grandes del teatro compartieron con el homenajeado; fue una lectura que además de hacernos un poco más cercanos al mundo que viviera José Solé, nos hizo pasar un agradable momento

Posteriormente se presentó el primer y gran actor Ignacio López Tarso, quien ofreció un interesante discurso al respecto, efectuando para finalizar, la lectura dramatizada de un fragmento clásico griego, trabajado con el maestro Solé a quien conociera desde el inicio de sus estudios en el Instituto de Bellas Artes.

Finalmente no podía faltar el comentario en vivo leído por su nieta, quien narró sobre la cercana y cálida relación  con José Solé, sabio y muy humano como fué, porque abemos que los verdaderamente grandes dejan una multitud de amigos y alumnos. 

Maratónica, pero agradable suma de ceremonias.

TR3S, COMEDIA SOBRE EL VACÍO.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Escrita y dirigida por José Alberto Gallardo, el cual es considerado como un escritor atípico, la obra TR3S, COMEDIA SOBRE EL VACÍO encierra la carencia de motivación hacia la vida, la cual en la actualidad se vive comúnmente sin rumbo, llegando casi siempre hacia la depresión.

Falta de iniciativa hacia proyectos, valores y, el saber “¡qué esta bien! y ¡que esta mal!” produce una especie de sobrevivencia autómata al parecer. Pero para no caer en exageraciones, le comentaremos las palabras textuales de su propio autor, que fue lo que le motivó a escribir la presente dramaturgia:

-“ Algunas personas viven de manera automática, sin una idea o razón clara del porqué el sentido de qué de la existencia. La vorágine en la cual vive hoy la humanidad ha provocado olvidar el sentido de vivir, y un síntoma de nuestra actualidad es ese cierto vacío existencial del que no alcanzamos a percatarnos.-“

La trama por lo tanto, se ajusta a la realidad que hoy en día viven muchos jóvenes ante el “amor” y respecto a su propia sexualidad. Los trío al parecer y, ante la falta de compromisos reales, comienza a ser una opción para solucionar la problemática. Pero ¿un cuarteto? ¿Porqué no? Y ¿porqué sí? Cabe aquí preguntar.

Tal vez esta puesta en escena no le responda con claridad la incógnita, pero le permitirá reflexionar acerca del tema; hecho que al parecer le hizo acreedora al premio internacional de Literatura “Sor Juana Inés en el año 2013.

La obra esta escrita a manera de comedia y el apoyo musical resulta importante para el desarrollo de las historias de amor y pasión que se entrelazan. En ella actúan Harif Ovalle, Sonia Franco, Andrea Guerrero y Verónica Bravo. Todos ellos con sensibilidad y arrojo, utilizando frases repetidas en los diálogos de los personajes, que le otorgan cierta peculiaridad a la obra y, qué sirven de soporte para la continuidad de la trama que habla  sobre un profesor de matemáticas en la facultad de filosofía, con cuyas alumnas acaba involucrándose.

La obra se presenta del 23 de marzo al 23 de abril en el Teatro “El Granero, Xavier Rojas, en el Centro Cultural del Bosque de jueves a domingos. Ello bajo la producción del INBA y la Secretaría de Cultura.

La mano del comandante Aranda y LANDRÚ.

POR: Dalia maría Teresa De León Adams.

En esta ocasión podríamos dividir la puesta en escena en dos: LA MANO DEL COMANDANTE es una de éstas. Esta constituye una farsa chusca e inteligente que preciso de un breviario somero o tratado sobre la “mano”, esto visto desde muchas perspectivas. Y ¿por qué la mano? Para ello debemos comenzar con el hecho de la pérdida del miembro derecho del comandante Benjamín Aranda en acción de guerra, paralelismo referido con el General Álvaro Obregón bajo un acto heroico. ¿Y por qué no glorificar el suceso?

Lo cierto es que el hecho llamó la atención del afamado hombre de letras Alfonso Reyes hacia febrero de 1949, por lo que decidió escribir al respecto un breve tratado. Asunto de ficción que convierte a una mano amputada en poseedora de vida propia qué le llevará a realizar una serie de peripecias divertidas, atrevidas e incluso tristes.

Ésta simpática farsa escrita por Alfonso Reyes es utilizada como el diálogo por los personajes de la obra teatral; es decir que constituye tal cual, el argumento que utilizan algunas novicias en escena en ardua conversación; momento en el que sale a colación los pormenores de la mano derecha del comandante Aranza, la cual se presume, ha sido conservada por la familia en un lujoso estuche.

Motivada por la temática, surge la puesta escénica que presenta la maestra Marta Verduzco, en la cual además actúa y dirige, asistida por la asesoría en la dirección del maestro María José Caballero Ontiveros.

La obra además es un homenaje al finado homólogo Juan José Gurrola, pues fue él quien dirigiera la dramaturgia de Alfonso Reyes en el año de 1964, causando una nutrida polémica de la crítica periodística e incluso del público asistente. Le diremos que en aquella ocasión, la farsa fue acompañada por la música original del maestro Rafael Elizondo; misma que ejecutan en vivo en puesta en escena, de la maestra Verduzco, pero bojo la batuta y arreglos musicales de Alberto Rosas convirtiéndola en una cierta “revista musical”.

Por otro lado, pero utilizando el mismo espacio y tiempo escénico, LANDRÚ retoma vida sobre el escenario. Al respecto surge una interesante información que le narraremos. Henri Désiré Landrú, conocido como Barba Azul, nacido en Paris en 1869, fue un caso muy sonado o escandaloso secularmente hablando, pues se supo que mediante anuncios periodísticos se relacionaba con mujeres adineradas, a las cuales ofrecía matrimonio y a las cuales asesinaba, quemándolas en un horno que permanecía dentro de su casa; ello tras de asegurarse de disponer del patrimonio, argumentándoles utilizarlo para inversiones futuras y beneficio de ambos.

Empero a la temática cruenta, ésta “segunda” parte se convierte en un musical chusco y agradable visualmente (sin desmerecer a la Primera) pues incluye una coreografía a la usanza de la época de los años 20’s, momento en el cual LANDRÚ fuese exterminado realmente en Versalles (1922).

Landrú es estelarizado por el gran actor Roberto Soto y actúa como hemos dicho, al lado de primera actriz Marta Verduzco. También aparecen en escena Rocío Leal, Patricia Madrid, Gabriela Núñez, Azalia Ortiz, Pilar Padilla, Violeta Sarmiento y Amanda Schmelz. Todas ellas bailando, cantando y actuando con gracia. El montaje coreográfico se encuentra a cargo de Norma Yolanda López, la escenografía es de Gabriel Pascal y finalmente en cuanto al vestuario, corre a cargo de Sabina Aldana.

Todo ello Usted lo podrá presenciar hasta el 16 de abril de miércoles a domingos, en el Teatro “El Galeón” del Centro Cultural del Bosque”, bajo la producción de La Compañía Nacional de Teatro.

SCOOBY DOO

POR: Dalia María Teresa de León Adams.

SCOOBY DOO ha sido una serie de caricaturas infantiles de Hanna-Barbera que surgió en la televisión norteamericana hacía el año de 1969, momento tras del cual se colocó en la preferencia de los pequeños televidentes, permaneciendo durante alguna décadas.

Éste fue uno de los motivos que hizo que la serie fuera proyectada en el medio cinematográfico en el año de 2002 y dirigida por el cineasta Raja Gosnell. Sin embargo, en aquella ocasión el texto fue escrito por James Gold y Craig Titley, aún cuando respetaban la esencia de cada uno de los personajes. La película no fue un “animated cartoom”, pues se filmó en imagen real bajo el formato de cine de aventura y misterio.

El teatro no ha sido la excepción para motivar al montaje del divertido SCOOBY DOO junto con su equipo de amigos. Por ello el productor Morris Gilbert y las Compañías “Mejor Teatro” y OCESA se dieron a la tarea de presentarla por segunda ocasión; El montaje por su puesto, es manejando con la misma calidad que la productor infiere a cada una des sus obras teatrales y que le han hecho famoso.

Hoy día el proyecto se está sazonando, pues su estreno se llevará a cabo muy próximamente a inicios de abril en función matutina. La obra cuenta con un libreto divertido cuya letra y música son de Theresa Borg, los arreglos musicales de Craing Byant, la coreografía de Katie Ditchburn y los supervisores Stephen Gray y Luke Gallegher.

El reparto estelar estará disfrazado a manera de cada uno de los personajes a fin de que el público infantil pueda desde sus butacas identificarlos e intentar solucionar el misterio del fantasma, sugiriendo posibles soluciones a viva voz, como es costumbre de los pequeñitos que se inmiscuyen en la historia.

La cita es el “Teatro Zentrika” Santa y será un espectáculo musical en vivo que invita a toda la familia a presenciarla. Como sinopsis, la compañía expone en sus programas de mano:

-“ SCOOBY DOO y su pandilla llegan al Teatro Banamex para resolver el misterio del teatro embrujado! En éste musical en vivo, para toda la familia, ayudarás a Shaggy, Fred, Daphne, Vilma y Scooby a resolver el misterio de un fantasma que recorre l teatro. Tu ayuda será especial para atrapar al malo. ¡Scooby Dooby Doo!

Scooby-Doo y la pandilla Mysteriy Inc., haciéndose pasar por una banda de rock, llegan a la ciudad directo al Teatro Banamex Santa Fe. El gerente del Teatro, Walt Warner asegura haber creado un fantasma para atraer al público a su teatro. Sin embargo al hacerlo, parece que ha atraído uno verdadero que ahora asusta al público y artistas por igual. Alguien claramente quiere cerrar el teatro y se hace pasar por un fantasma para ese fin. Scooby Doo y la pandilla Mystery Inc. están decidido a descubrir el misterio.”-

Si desea llevar a su familia a pasar un agradable momento con SCOOBY DOO, acuda a partir del 2 de abril al Teatro Zentrika Santa Fe, los sábados 

UN TRANVÍA LLAMADO DESEO.

POR: Dalia De León Adams.

Es un clásico estadounidense del  escritor Tennessee Williams, cuya dramaturgia fue distinguida con el premio Pulitzer en 1948, en la categoría de drama. Tal fue el éxito de ésta obra teatral, que fue llevada a la pantalla grande en 1951 basándose íntegramente en la obra homónima, bajo las caracterizaciones de dos grandes del cine en Hollywood, como lo fueron Marlon Brandon y Vivien Leigh.

Los personajes protagónicos de la historia son Blanche DuBois, Stanley Kowalski Stella Kowalski y Michel. Todos ellos muy bien pincelados por su autor, de quien la compañía comenta textualmente:

-“Tennessee Williams, nacido en Columbus, Ohio en 1911. Dramaturgo de carácter autodestructivo, pero con una enorme sensibilidad para recrear en la psique de sus personajes, su propio miedo a la locura, el deseo sexual por encima de las buenas costumbres, y la fragilidad humana. Es sin duda uno de los dramaturgos del siglo XX.”-

Hoy en día la encontramos en cartelera en el teatro Helénico bajo la traducción al español y dirección escénica de Iona Weissberg, junto con Aline de la Cruz. En ella actúan Mónica Dionne, Marcus Ornellas, María Aura, Rodrigo Murray, Daniela Rodríguez , Héctor Sandoval, Luis Montalvo, Omar Saavedra, Angélica May y Rebeca Roa.

La obra teatral se encuentra muy bien caracterizada por sus actores protagónicos, quienes logran matizar la psiquis de los personajes, excepcionalmente. La escenografía muestra una casa habitación austera y pequeña, como precisa el texto, para poder desarrollar con ello la trama, en donde una pareja de casi recién casados, ve invadida su privacidad  por la llegada de una pariente cercana.

La pasión, la agresión y la locura son la parte médular de la trama. En ella se narra a una pareja de jóvenes Stanley y Stella, de distinta nacionalidad y estatus social qué empero a todo vencen las barreras con su amor pasional y agresivo. La hermana de Stella, Blanche, es una mujer madura y elegante de clase social acomodada, con pretensiones de continuar siéndolo, aún ante el derrumbe familiar económico evidente, qué entre otras cosas, la llevan a pretender instalarse en el hogar de su hermana. 

El amor parece tocar nuevamente a la puerta de Blanche, ante la llegada de un hombre célibe humilde, pero noble de corazón, llamado Michel (Mich).

Los conflictos no se hacen esperar desde la llegada de Blanche a la casa, con su cuñado Stanley a quien mira como salvaje, impetuoso y agresivo; motivo que le causará la antipatía de él.

UN TRANVÍA LLAMADO DESEO es una obra teatral que Usted podrá ver únicamente hasta este 30 de marzo, los fines de semana.

 YA EXISTE EL NUEVO TEATRO ROYAL PEDREGAL

POR: Dalia María Teresa de León Adams.

A partir de hoy, en la ciudad de México contamos con un Nuevo teatro. ¡Y no se trata de cualquier espacio teatral! Es un elegante y espacioso recinto escenográfico que comenzará a funcionar para el público en general, a partir del día 30 de marzo del año en curso.

Tras de una gran labor artística, la asociación “Ortiz de Pinado Producciones, Off Broadway” ven coronados sus esfuerzos, como lo hizo saber con sus propias palabras el Señor Jorge Ortiz de Pinedo.

¿Y, como se logró? Se dice fácil pero no lo es en realidad. Además de una ardua labor y conocimiento sobre el medio teatral, se necesitlos años 40’s. Actor quien como de todos es bien sabido, fuera el padre del Señor Jorge Ortiz de Pinedo y su dinastía, los cuales evidentemente heredaron la vena artística de éste.

Por esta razón y, a manera de homenaje, al gran comediante finado Oscar Ortiz de Pinedo luce en fotografía en el hall, como emblema de la comedia; pero come el recinto teatral pretende ofrecer todo tipo de género escénico, por ello junto a su foto ubicaron la de la también finada actriz, Ofelia Guilmein, ésta por significar uno de los grandes baluartes del drama teatral.

El recinto cuenta con un gran espacio en el cual se ubica el hall, un bar y zona de venta de dulces, tres camerinos, dos baños hermosos y espaciosos, el amplio foro frente a 384 butacas y dos entradas al público. Por supuesto también cuentan con servicio de valet parking para comodidad del público.

Le contaremos que se encuentra a un costado del Hotel Royal Pedregal, ubicados en vía Periférico Sur 4363, Colonia Jardines de la Montaña, en la Delegación Tlalpan. Esto a unos metros antes de plaza PeriSur, si Usted viene del norte, lo cual le hace de fácil su localización.

En entrevista de prensa se nos adelantó la noticia de que el día 30 se realizará la primera presentación de una dramaturgia sorpresa, al igual que el reparto estelar que aún ignoramos de quien o quienes estará formado, así como de su dirección, escenografía, etc.

En fin, todos los pormenores se nos proporcionaran a-priori del estreno, por lo que se convocará al medio periodístico para efectuar una rueda de prensa pora tal efecto y, del cual les comunicaremos en su momento.

BAJO TERAPIA

POR: Dalia Maria Teresa De León Adams.

Arath de la Torre, Juan Ignacio Aranda, Yolanda Ventura,Luis Arrieta, Fernanda Borches y Luz Ramos forman parte del reparto estelar de la dramaturgia argentina, BAJO TERAPIA original de Matías del Federico, puesta en escena bajo la producción de los Señores Morris Gilbert y Sebastián Blutrach conjuntamente con la empresa OCESA.

La presentación de BAJO TERAPIA se debe al encuentro entre los dos grandes productores, es decir, como le mencionamos Gilbert y Blutrach, quienes unieron esfuerzos seleccionándola por ser una obra teatral inteligente y actual, ingredientes que la hacen atractiva para el espectador, quien además, goza del toque humorístico que los diálogos bien estructurados de la trama ofrecen bajo un lenguaje totalmente coloquial.

Como es de todos bien sabido en México, el Señor Morris Gilber junto con el Señor Federico Campean han logrado formar un gran equipo al seleccionar obras de diversos géneros teatrales, los cuales han sido todo un éxito en el exterior y gracias a ellos, hemos podido disfrutar en nuestro país.

Pero ¿cómo lo logran? siendo el teatro un medio artístico difícil de sustentar, cabe aquí preguntar. Le contaremos que en entrevista con ambos nos explicaron que se debe a una ardua labor y constante trabajo. Respecto a la selección de éstas dijeron,  se debe a la casi secreta comunión que ha surgido entre ambos desde hace muchos años, quienes se entienden incluso con una simple mueca, expresión o mirada. Deciden de ese modo las obras por presentar. Ellos incluso viajan a otros países, tan sólo con la finalidad de traer lo más reciente a nuestra ciudad, de los escenarios internacionales más destacados en el medio teatral.

Su arduo trabajo ha hecho que hoy día sean íconos de la producción. Y en éste ocasión toco turno a la presentación de la obra BAJO TERAPIA, junto con otro grande de la producción, el Señor Fernando Borches con quien están sumando esfuerzos.

La obra es una comedia que nos introduce a la problemática de tres parejas, quienes se reúnen BAJO TERAPIA para lograr solucionar varios de sus conflictos bajo el asesoramiento de la terapeuta Isabel, personaje ficticio que aparece constantemente dentro de la dirección que deberá llevar la reunión entre dichas parejas desconocidas entre sí, pero que nunca se muestra en escena. Isabel empero a todo, retoma mucha fuerza en el desarrollo de la historia.

Perteneciente al género de la comedia, sin embargo presenta algunos rasgos costumbristas en cuanto a la manera de conducirse hoy día las parejas amorosas y que se muestra claramente en escena. La terapia psicológica es el ingrediente medular, para el desarrollo de la trama, la cual además, invita a la reflexión por sus argumentos provocadores, que llevan a desnudar las circunstancias que viven muchas parejas en cuanto a la incomprensión, por falta de comunicación, sinceridad o confianza para abrir sus sentimientos y lograr soluciones. Pero ¿realmente todos desean pensar en su pareja y limar conflictos?

Contando con la dirección del reconocido argentino Daniel Veronese (quien dicho sea de paso, dirigió en nuestro país la puesta teatral “La gorda” con la misma empresa OCESA) la obra retoma problemas actuales.

Si desea acudir a ver BAJO TERAPIA, Usted podrá disfrutar asistiendo al foro teatral Zéntrika, en Santa Fe de jueves a domingo. Se encuentra programado en temporada limitada.

LA BELLEZA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Nuevamente el dramaturgo y director mexicano David Olguín, junto con la Compañía Teatral “El Milagro” y, bajo el apoyo de CONACULTA, se han dado a la tarea de reestrenar la obra teatral LA BELLEZA. Ello gracias al éxito obtenido en su anterior temporada a finales del 2015 en uno de los foros del Centro Cultural del Bosque y del INBA

La obra se reestrenó el día de ayer sábado 11 de marzo con el apoyo de la prensa presente, invitados y por supuesto del público espectador.

La trama en sí resulta ya resulta ser sumamente interesante, aunado además a las grandes actuaciones de su reparto estelar conformado por Laura Almeda, Mauricio Pimentel y, en esta ocasión con la presentación del actor Emmanuel Varela, quien sustituyó a Rodrigo Espinosa quien actuó en la temporada anterior.

La historia narra el amor entre una pareja que resulta ser muy peculiar. Él es un empresario circense, enamorado de una mujer que padece el síndrome de hipertricosis lanuginosa; enfermedad que le hace crecer gran bello en el cuerpo y qué en el rostro, le hace convertirse en “la mujer Barbuda” del circo.

Ésta peculiaridad física le hace enamorar a su jefe circense. El romance desde sus inicios es ventilado al público con una gran plástica actoral narrado por retrospecciones temporales en la historia presentada.

La dramaturgia matiza una gran historia de pasión y perversión que surge en el margen del siglo XIX, por lo que el diseño del vestuario es a la usanza secular de la época. El genero de la obra es un drama lleva a vivir al empresario Theodor W. Lent, a la realización y perdida de su amor por Julia Pastrana. Con el tiempo conocerá a otra chica con la misma enfermedad, pero la historia resultará ser muy distante a la que el empresario añora.

El amor, la pasión, la fidelidad y la infidelidad son los ingredientes medulares de ésta puesta en escena, en donde cabe el interrogante ¿qué nos hace atractivas o atractivos para nuestras respectivas parejas? Respuesta difícil o tal vez caprichosa para la selección del amor verdadero e incondicional que siente el ser humano.

Si Usted desea conocer los pormenores, asista al teatro El Milagro los sábados a las 19:00 horas o los domingos a las 18:00 horas. 

RAÍZ

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

-“Tú no lo sabes, pero tu sangre es el principio de todas las historias que se han contado”-

Esa es la consigna que trata de explicar la obra teatral RAÍZ original del mexicano Diego Álvarez Robledo quien advierte en base a una investigación muy minuciosa sobre el origen o RAÍZ del ser humano. La RAÍZ que nos ha dado la posibilidad de existir en éste tiempo, con las características tanto físicas, como orgánicas, psicológicas y culturales que poseemos.

Con ello el autor llega al cuestionamiento acerca de “Cuantas personas han muerto a lo largo de la historia para que tú puedas estar aquí?” Pregunta que inicialmente nos parece extraña pero no es así;  ésta puesta en escena intenta esclarecer la incógnita. Por supuesto que no lo hace de manera numérica, pues ello resultaría una labor fútil. Sin embargo da razones inteligentes por las cuales se llega a dicho cuestionamiento, tras de observar aunque de manera somera, el desarrollo que ha venido registrando la humanidad.

La obra tiene la peculiaridad de narrar varias historias breves, cuya continuidad va dependiendo de la elección mayoritaria del publico. Lo logran al invitar previo al inicio de la puesta en escena, a participar a todos los espectadores presentes. Éstos deben activar en sus respectivos celulares un programa, entrando a determinado sitio Web, en donde se conectan con el equipo teatral justo en el momento en que se presenta la obra.

De ese modo pueden mostrar su preferencia, en cuanto a la interpretación que los actores deban realizar, acorde con cada historias seleccionada. Para ello accionan sus teléfonos móvil, muestran su voto por una de las breves dramaturgias propuestas en escena. Esto al final de cada presentación actoral.

Sea la que sea la historia seleccionada, todas llevan a la narración de épocas cada vez más contemporáneas, de tal modo qué, iniciando con la época prehistórica, se concluye siempre con la época actual.

La escenografía de Daniel Primo resulta un deleite visual, pues mediante dos pantallas que reflejan el entorno geográfico que pretende ubicar la ambientación de la obra, muestran simultáneamente los paisajes que con ello dan la impresión de ser tridimensional.

La dirección escénica es de su mismo autor, es decir, como mencionamos a-priori es el Señor Diego Álvarez Robledo, por lo que la puesta termina siendo lo más cercana posible a su imaginación conteniendo una trama muy agradable de digerir y comprender, pese a lo difícil de la temática.

 En escena actúan Zabdi Blanco, Josué Cabrera, Elizabeth Pedroza, Roldán Ramírez, Sol Sánchez y Mariana Villaseñor. La obra se presenta en el teatro Orientación hasta el día 26 de marzo de jueves a domingos bajo la producción del INBA y La Secretaría de Cultura.

XXXIV ENTREGA DE PREMIOS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Impresionante el número de personas qué junto con las estrellas de teatro engalanaron el día de ayer, lunes 6 de marzo, el foro Fernando Soler en el Centro Teatral Manolo Fábregas; ello con el motivo de celebrar “La XXXIV Entrega de Premios de la Agrupación de Periodistas Teatrales”.

El evento fue dedicado a la ardua trayectoria de dos íconos del teatro mexicano. Nos referimos a los actores Sergio Corona y Chucho Gallegos, quienes llevan cuarenta años divirtiendo a su público y seguidores.

Durante el Festejo se premió a lo mejor del teatro, durante el año pasado, es decir del 2016. Para dicho efecto se presentaron como conductores del programa a seguir, Mario Iván Martínez,

Irene Moreno, Luis Manuel Ávila y Daniel Damuzzi.

También se incluyeron números musicales por cortesía de la actriz Laura Cortés y del productor de teatro Gerardo Quiróz, quienes por supuesto asistieron a las preseas.

La Agrupación de Periodistas Teatrales (APT) es dirigida por el periodista, director de teatro, jefe de una revista electrónica, y del espacio radio-televisivo “teatrikando” que lleva su nombre y Señor Benjamín Bernal, ( sin tomar en cuenta que además funge como acupunturista). El expresó por escrito en el programa de mano del homenaje respecto al “APT”:

 El 25 de 2016, en la presentación de mi libro “La crítica del teatro en México” acompañado de la maestra Maricela Lara, Juan Ignacio Aranda, Jorge Ortíz de Pinedo y Alfonso Villarreal, hice una semblanza del APT: En este mismo lugar, Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes tomó protesta a la directiva ATP encabezada por Emmanuel Haro Villa, Marco Antonio Acosta y Humberto Morales, ante un nutrido grupo de personalidades entre las que estuvieron Manolo y Fela Fábregas, Ignacio López Tarso, Ofelia Guilmáin, Carmen Montejo, Kitty de Hoyos, Gloria Mestre, Gustavo Rojo, Rubén Rojo, Pituka de Fonda, Martha Aura y muschos más; Fernando de Ita fue el maestro de Ceremonia.

Pero volviendo a la Premiación, le contaremos qué los galardonados recibieron bellas estatuillas como premio a su labor, pasando para ello al escenario, momento en el cual la audiencia presente, les ofrecimos un muy merecido y caluroso aplauso.

Al término de las premiaciones, se ofreció en el Loby del Centro Teatral un cóctel cortesía de la Compañía Tequilera “Don Ramón”, del cual disfrutamos llevándonos un muy agradable momento.

ESTÉTICA DEL CRIMEN.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

El día de hoy jueves 16 de febrero se celebró la conferencia de prensa en la estética “Masao” para dar a conocer los pormenores al respecto del próximo estreno de la obra teatral ESTÉTICA DEL CRÍMEN original del estadounidense Paul Pörtner.

La puesta tiene como peso escénico presentarse como comedia, pese a que como se sugiere en el título LA ESTÉTICA DEL CRÍMEN pareciese pertenecer al género de terror. Paul Pörtner la escribió en 1972 en calidad de novela ante su condición de hombre literato, graduado en Oxford, en donde fungió como profesor de literatura y Lingüística, publicando diversos libros teóricos y dos novelas.

El éxito del libro ESTÉTICA DEL CRÍMEN logró atrapar el interés del medio teatral, por lo cual se estrenó en la Unión Americana y, posteriormente, en nuestro país hace aproximadamente dos décadas.

En ésta ocasión la productora “Mejor Teatro” se ha dado a la tarea de presentarla en nuestra ciudad. La puesta promete tener un toque de humorismo y, variaciones en su final, según decida el público, que como ente visual, al cual se le dará la oportunidad de decidir ¿Quien fue el que cometió el asesinato de una famosa pianista llamada Isabel Pratt? Como a manera de ficción sucede en el desarrollo de la trama de ésta dramaturgia.

La cita será el próximo jueves 2 de marzo en uno de los foros más bonitos y cómodos con que contamos en nuestra Ciudad de México, “El Teatro Fernando Soler” como aseguró el productor de ésta obra, es decir el Señor Morris Gilbert, un hombre importante y reconocido en el medio teatral, por sus constantes logros al seleccionar muchas de las obras más bellas, variadas y prometedoras , apostando en varias ocasiones a grandes y costosas producciones como han sido   “El fantasma de la opera” “Violinista en el tejado” “Mentiras”, “El rey león” o “El hombre de la Mancha” entre muchísimas más, que a través de los últimos años hemos podido disfrutar.

Planeada de manera tentativa, la obra teatral ESTÉTICA DEL CRÍMEN se presentará con una duración de 12 semanas; temporada que podría ser repetida o ampliada, si sorprende colocándose en el gusto del público, como ha sucedido con algunas obras, como por ejemplo en el caso  de “Mentiras” la cual se ha mantenido durante un larguísimo periodo, debido al éxito obtenido.

La cita será en El Centro Teatral Manolo Fábregas, cubriendo doble horario de viernes a domingo.

HOMO EMPATHICUS

POR: Dalia Maria Teresa de León Adams

-“ Una sociedad en la que existe la igualdad total. Todas las dependencias están eliminadas y el idioma es liberado de todas las huellas de discriminación. La gente se encuentra con respeto y amabilidad. La comprensión del otro es más importante que el interés individual de cada uno. Es un paraíso de salud psíquica y un oasis de respeto. Ya no se trata de maximización de ganancia sino de tener una felicidad grupal. Ya no existe el concepto de hombre egoísta y controlado por sus instintos. La gente es ahora cooperativa, social y justa.”-

Esta es la sinopsis de la obra teatral HOMO EMPATICUS que se presenta en el teatro El Granero, Xavier Rojas, del Centro Cultural del Bosque por segunda ocasión. La puesta en escena esta a cargo del grupo “TransLímite”, un grupo de jóvenes quienes se han dado a la tarea de presentar la dramaturgia original de la escritora alemana Rebekka Kricheldorf

HOMO EMPATHICUS fue llevada a escena en su país con gran éxito, cuatro años atrás y en esta ocasión se presenta en México bajo la traducción al español de Olga Sánchez Guevara, la dirección artística y producción de Samantha Muñoz. El reparto estelar esta formado por Myrna Moguel, Daniela Luque, Dulce Mariel, Manuel Cruz Vivas, Eugenio Rubio, Alejandro Zavaleta III y Diana Sedano.

Todos ellos actuando con gran naturalidad y plástica actoral, presentando un texto que acaba siendo un poco risorio en cuanto al perfeccionismo que la trama pretende otorgarle a los personajes, de un tiempo imaginario no descrito, en donde se busca la perfección y la ética que lleva al rechazo de los seres, que pretenden escapar a dicha perfección. La perfección lleva a cierto maquinismo y control de los individuos, los cuales son inmediatamente castigados por sus equívocos o cambios dentro de lo “ideal social” estipulado.

A la vez el texto sirve a la escritora de pretexto para criticar a la sociedad actual, con la cual hace un paralelismo, poniendo entre dicho todos los errores de nuestra sociedad actual, tachándonos de primitivos.

Aunado a este mundo de seres HOMO EMPATICUS, se presenta en escena a una pareja que contrasta con la realidad escénica y los cuales son Adán y Eva; personajes bíblicos del origen del ser humano, en contraposición a la postura de la perfección. Pareja que sirve de modelo para con ello hacer un paralelismo y una crítica subjetiva. Entre ellos reina la violencia, la desigualdad, la injusticia y la falta de ética o valores en cuanto a la integridad del ser humano, se refiere.

Los personajes portan solamente unos impermeables que translucen el dorso de su desnudez, que van ad-hoc que la retórica en torno a la belleza de todo ser humano, ante el cuestionamiento de uno de los miembros de la sociedad HOMO EMPATHICUS a su gran líder o maestra, en cuanto al problema de la fealdad, que ella resuelve mediante diálogos inteligentes.

La escenografía consta de una especie de pantalla que pende del techo a manera de cuadrante, lo cual permite que todos los espectadores la posibilidad de visualizarla. Algunos bancos aparecen ocasionalmente en el foro, junto con una planta que simboliza la “Fuente de la vida” y un feto enfrascado en formol que porta casi todo el tiempo escénico, una joven asegurando que aún no llora; también aparecen seis pequeños frascos atomizadores con “el agua de la alegría”. Ello propuesto por el diseño sonoro de Xico Reyes y la Programación Multimedia de Raúl Mendoza Rosas.

La obra cuenta con una duración de 90 minutos y es una producción de La Secretaría de Cultura presentada a través del grupo ”TransLímite Alternativa Escénica”.

CONFERENCIA SOBRE LA LLUVIA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

“La literatura es un lugar en el que llueve. He dedicado Buena parte de mi vida a coleccionar chubascos.” “Una biblioteca es un banco de ojos. Aquí están las miradas que han donado los lectores.” Todo lo que nos rodea ya es un libro y la biblioteca es su resumen.” “ “Entre perder una Amistad y un libro, cualquier biógrafo prefiere perder una Amistad.”

Frases como éstas son el parte-aguas de la dramaturgia de CONFERENCIA SOBRE LA LLUVIA, cuyo escritor es el novelista, crítico y periodista Juan Villoro, hijo de un afamado filósofo y literato Luis Villoro cuyo talento le fue legado.  El mexicano escritor tras de haber presentado ésta obra en calidad de libro físico, decidió llevarlo al escenario en versión de monólogo.

 Lo que le motivó a Villoro a convertir su narración en obra teatral fue como escribe textualmente en el programa de mano lo siguiente: -“ Siempre me ha intrigado la posibilidad de que alguien transforme una conferencia en una confesión. ¿Hasta dónde controlamos lo que decidimos? Al modo de un actor, el conferencista puede olvidar sus parlamentos o sucumbir a la tentación de revelar algo incómodo o devastador”.

Su monólogo alberga la improvisación de un antiguo bibliotecario. Es una remembranza del pasado de un hombre. En dos mujeres forman los personajes que por supuesto solamente aparecen de manera narrada por el personaje protagónico, quien en una conferencia desnuda su alma. Dos amantes mujeres que continúan en su imaginación, son descritas por la fugacidad del recuerdo en un día lluvioso.

En el rol estelar, se encuentra Arturo Beristain, uno de los actores que la Compañía Nacional de Teatro contratado periódicamente y, el cual además ya ha fungido como director teatral, aunado a su larga trayectoria de artista en el cine mexicano.

El diálogo contiene ocasionalmente frases de hombres famosos, además de un poema breve, de los cuales desea hacer gala para ilustrar su discurso y descubrir a un narrador culto.

La obra transcurre en una escenografía a cargo de Macedonio Cervantes, en donde solamente a parecen una silla y un escritorio sobre del cual posan unos cuantos libros y un vaso de agua; escenografía acompañada con la música casual, original de Daniel Aspuru.  Con respecto al gato y a la biblioteca que forman parte de la trama, solamente quedan en la imaginación del público, quien tal vez los imagina ante la sugerencia de la narrativa.

La producción se encuentra a cargo de La Compañía Nacional de Teatro, y se presentará en la Sala Xavier Villaurrutia de jueves a domingos, hasta el día domingo 26 de marzo del presente año.

LOS HAMBRIENTOS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

LOS HAMBRIENTOS es un ENSAYO ESCÉNICO SOBRE POLÍTICA” como se advierte en el

programa manual de la obra teatral. Es una obra que invita a la reflexión sobre la situación

actual, en base a la “Boi-política” término qué como según argumentó el grupo Colectivo

“TeatroSinParedes”, es el poder que ejercen los gobiernos en todo el mundo para controlar

la economía, por medio de la alimentación. Es la manera oculta en que en la actualidad la

gente es sometida al poder político, pues éste solamente intentan enriquecerse con la venta

de alimentos, aún siendo nocivos.

Dichos productos son adquiridos por la gran mayoría de la gente, motivados por medio de

la constante propaganda de productos alimenticios, perjudiciales a la salud, pues son los

causantes de las grandes enfermedades letales que minan el bienestar y la salud, es decir el

la diabetes el aishaimer y el cáncer. El pueblo según advirtieron, es manipulado sin tomar

conciencia de ello, para engrosar los bolsillos al sector político-económico en el poder.

La puesta en escena dirigida por David Psalmon, es el resultado de un proyecto de

investigación, al cual denominan “escénico-documental” en el cual colaboraron cada uno de

los integrantes del Colectivo “TeatroSinParedes”. Ello con la finalidad de concientizar al

público sobre el peligro patente que significa no, solamente, el ingerir dichos alimentos los

cuales afectando nuestra salud, sino además, de causar un gran deterioro a la naturaleza

con la ingesta de animales qué están llevando a su extinción enfermándolos con ingestas

alteradas de químicos, además por la falta de libertad lo cual en consecuencia, altera la

flora de nuestro planeta.

La dramaturgia, como le hemos informado, es el resultado de dicha investigación efectuada

por el grupo “TeatroSinParesdes” quienes son parte del elenco. Éste esta integrado por

Beatriz Luna, David Psalmon, Jorge Maldonado, Karim Torres, Itzel Tovar y Karla Sánchez,

invitando a participar en la puesta en escena de manera especial a Sébastien Lange, y la Voz

en Off de Joaquín Cosío.

Los datos tan precisos que proporcionan hacen que la obra LOS HAMBRIENTOS resulte ser

todo un ensayo al respecto, expresado en tres actos escénicos consecutivos denominados

por el grupo como “Capítulos”, que están apoyados por un equipo multimedia integrado

por una gran pantalla colocada en el fondo central del escenario, dos computadoras,

bocinas y micros.

La puesta en escena resultó ser además de ilustrativa, muy agradable, por los diálogos

chuscos que introdujeron en la primera parte escénica. Al finalizar, gracias a la

contribución de algunos alimentos por parte del público y de algunos otros productos

naturales que proporcionó la producción, se invitó a pasar al escenario a los espectadores,

para compartir con ellos a manera de convivio y con ello poder conocer sus opiniones.

LOS HAMBRIENTOS se presenta en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque

todos los lunes y martes a las 20:00 hrs. Con el apoyo del INBA y la Secretaría de Cultura.

SATISFACTION

POR: Dalia De León Adams.

Interesante monólogo puesto en escena en el foro Novo un solo acto, con en cuadro escénico que muestra un salón, en el cual aparece un sillón rojo y un bolso que contiene material con el cual la actriz se apoya, para ilustrar la escena narrada por ella misma.

El personaje de Sara, protagonizado por su dramaturga y actriz Carmen Zavaleta, funge como un Yo narrador, que inicia contando el momento en que fue bautizada. Continua la conversación con experiencias en su niñez y adolescencia marcada por una gran soledad, ante la falta de la figura materna. Su padre poco atento hacia su cuidado, finca la relación cubriéndola, ante la falta de afecto, de obsequios que frecuentemente son muñecas y vestidos los cuales llega finalmente a detestar.

Una función de cine marcará la vida amorosa y sentimental de Sara, el afamado film  estadounidense de “King Kong”. Dicho sea de paso, que fuera dirigido por Merian C con Fay Wray y Robert Amstrong dónde, como Usted recordará, aparece un gigante gorila junto a una bella joven.  

A Sara le estimulará la bestia como el “prototipo ideal” del hombre grande y protector que desea para su vida. Un abuso sexual cambiará la personalidad de Sara, “helándole la sangre”. La alegría que le caracterizaba parece esfumarse y hacerla aislarse del poco afecto que le brindaban su novio y una amiga. Así el tiempo pasa en el escenario, dejando en el público la incógnita de saber qué puede producirnos realmente, síntomas de SATISFACTION?

Ángel Luna, el director de ésta puesta en escena advierte al respecto:

-“ ¿Qué es lo que nos satisface? ¿El amor, la comida, el sexo, el éxito, el dinero? ¿Todo lo anterior y algo más? Sin duda son una serie de acciones en el tiempo la que nos llevan al estado de satisfacción”-

SATISFACTION es una obra con un alto sentido filosófico que propone la ruptura entre lo qué “tradicionalmente en términos sociales se establece como el estado perfecto de la satisfacción y que es el vivir en pareja, procrear, tener dinero, etc. Pero realmente ¿Es así?

Descúbralo Usted mismo identificándose, o no, con Sara; pero algo es seguro, le hará recapacitar respecto a su propia vida.

I

MICROTEATRO.

 Dalia D´Leon

El concepto de MICRTEATRO nació en Madrid, España en el año 2009. Posteriormente llegó en 2012 a Miami.

En México arribó en 2013, después en Sao Paulo, Brasil, en Buenos Aires, Argentina, Costa Rica y Perú.

Con respecto a México, tras de instaurarse el MICROTEATRO en NUESTRa Ciudad de México, se propagó a Puebla, Guadalajara y Veracruz; Próximamente esta planeado presentarse en Aguascalientes y e el extranjero, en Los Ángeles, California.

El MICROTEATRO es un concepto qué como mencionamos, surgió en España. A raíz de la crisis económica se creó bajo el intento de difundir el arte escénico pese a todo.

Los montajes tienen la peculiaridad de ser presentados con una duración de solamente 15 minutos, teniendo como espectadores a tan solo 15 personas que son alojadas en un diámetro de  15 metros cuadrados.

Alejandra Guevara fue la primera persona que lo introdujo a México un día 4 de abril del año 2013, en una casona vieja de la calle Uxmal, en la colonia Narvate.

Actualmente se ubica en Robre 3, en la colonia Santa María la Rivera, en una casa que ha adaptado contando actualmente con 13 mini-salas o estancias que albergan el MICROTEATRO ( TEL: 01 55 6390 5046). Guevara ha montado 350 obras en los cuatro años de presentaciones que han sumado 20 temporadas ininterrumpidas.

Este casi “Nuevo” concepto de arte escénica ha albergado a nuevos dramaturgos, en modalidad de hacer teatro experimental. En dicho proyecto han colaborado y apoyado algunos  reconocidos actores como Alberto Estrella, Dolores Heredia, Mónica Huarte, Cecilia Suárez, Maya Zapata, Joaquín Cosío y Omar Fierro, entre otros más.

El Foro Shakespeare, el Centro Cultural Manolo Fábregas, el Teatro Aldama y el Teatro San Rafael contemplan la posibilidad de instalarla el MICROTEATRO

VARIACIONES ENIGMÁTICAS

POR. Dalia María Teresa De León Adams.

El día de ayer, jueves 16 de febrero, se dio cita al público y a la prensa, al estreno de la obra teatral VARIACIONES ENIGMÁTICAS en el Teatro Jorge Negrete de nuestra ciudad de México. El evento fue engalanado con una lluvia de estrella, quienes acompañaron y apoyaron al reparto estelar de VARIACIONES ENIGMÁTICAS, los actores César Évora y Jorge Salinas.

Su productor, Sergio Gabriel, tras el término de la representación teatral ovacionada con grandes aplausos y, un numeroso público en pie, subió al escenario y expresó su admiración por el reparto estelar, a la vez que explicaba los motivos que le hicieron apostar por ésta dramaturgia, original del dramaturgo francés nacionalizado belga, Emmanuel Schmitz.

La puesta en escena fue adaptada por Fernando Masllorens y Federico González del Pino, quienes decidieron exhibirla con el título en español de VARIACIONES ENIGMÁTICAS, por el peso que esta apertura musical, simboliza en la puesta en escena del director escénico Manuel González Gil.

La trama esta plagada de simbolismos o temáticas como una partitura de música clásica, cartas secretas al amado, una pasión interrumpida ante el miedo del deterioro o del olvido, una entrevista, dos hombres que ventilan sus sentimiento; Todo esto constituye la parte  medular de una dramaturgia llena de enigmas, que llevan como resultado al encuentro y desenmascaramientos de los personajes.

Pero, ¿de qué personajes hablamos ? Le diremos que de dos hombre que se encuentran envueltos en una pasión, descubriendo juntos que el pasado les ha enfrentado y tal vez unido, en aras de una mujer.

Uno de ellos es Abel Znorko, caracterizado por el actor César Évora; personaje que vive en soledad en su isla noruega. Es un hombre de letras muy destacado que decide alejarse ante el peligro que piensa eminente, ante una pasión que no le permite continuar expresando su gran creatividad.

Erik Larsen, por otro lado, es un supuesto periodista quien busca rastrear en la vida intima del escritor, movido por la lectura de una de sus obras.

VARIACIONES ENIGMÁTICAS es una puesta en escena en un solo acto escénico y un solo cuadro escenográfico que presenta una elegante y amplia biblioteca de la casa de Abel Znorko, en donde se desarrolla toda la historia.

La obra teatral tiene una trama que se va deshilando con las constantes sorpresas expuestas al público mediante un diálogo interesante y muy bien estructurado.

Nos habla de un brillante hombre de letras, ovacionado por su labor con el Premio Novel. Este escribe una novela que presupone al lector ser sólo producto de ficción, sin embargo, éste intentará ocultar su posición ante el amor, al ser entrevistado abiertamente por el periodista.

El literato con cierta cautela e indecisión, permite la entrevista pero, con ciertas reservas. Las mentiras que sostienen el inicio de la entrevista, poco a poco van tornándose evidentes, dando pie a otra serie de incógnitas y sucesos cruentos que van esclareciéndose mediante el diálogo.

De ese modo, los hombre desnudan sus sentimientos al verse implicados en una historia o especie de destino que les lleva finalmente a cuestionarse ¿A quien creemos amar?, ¿Quien es el ser amado? o ¿quién ama a quien? Preguntas que además invitan a la reflexión intima al respecto con el inesperado final de VARIACIONES ENIGMÁTICAS.

ESTÉTICA DEL CRIMEN.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

El día de hoy jueves 16 de febrero se celebró la conferencia de prensa en la estética “Masao” para dar a conocer los pormenores al respecto del próximo estreno de la obra teatral ESTÉTICA DEL CRÍMEN original del estadounidense Paul Pörtner.

La puesta tiene como peso escénico presentarse como comedia, pese a que como se sugiere en el título LA ESTÉTICA DEL CRÍMEN pareciese pertenecer al género de terror. Paul Pörtner la escribió en 1972 en calidad de novela ante su condición de hombre literato, graduado en Oxford, en donde fungió como profesor de literatura y Lingüística, publicando diversos libros teóricos y dos novelas.

El éxito del libro ESTÉTICA DEL CRÍMEN logró atrapar el interés del medio teatral, por lo cual se estrenó en la Unión Americana y, posteriormente, en nuestro país hace aproximadamente dos décadas.

En ésta ocasión la productora “Mejor Teatro” se ha dado a la tarea de presentarla en nuestra ciudad. La puesta promete tener un toque de humorismo y, variaciones en su final, según decida el público, que como ente visual, al cual se le dará la oportunidad de decidir ¿Quien fue el que cometió el asesinato de una famosa pianista llamada Isabel Pratt? Como a manera de ficción sucede en el desarrollo de la trama de ésta dramaturgia.

La cita será el próximo jueves 2 de marzo en uno de los foros más bonitos y cómodos con que contamos en nuestra Ciudad de México, “El Teatro Fernando Soler” como aseguró el productor de ésta obra, es decir el Señor Morris Gilbert, un hombre importante y reconocido en el medio teatral, por sus constantes logros al seleccionar muchas de las obras más bellas, variadas y prometedoras , apostando en varias ocasiones a grandes y costosas producciones como han sido   “El fantasma de la opera” “Violinista en el tejado” “Mentiras”, “El rey león” o “El hombre de la Mancha” entre muchísimas más, que a través de los últimos años hemos podido disfrutar.

Planeada de manera tentativa, la obra teatral ESTÉTICA DEL CRÍMEN se presentará con una duración de 12 semanas; temporada que podría ser repetida o ampliada, si sorprende colocándose en el gusto del público, como ha sucedido con algunas obras, como por ejemplo en el caso  de “Mentiras” la cual se ha mantenido durante un larguísimo periodo, debido al éxito obtenido.

La cita será en El Centro Teatral Manolo Fábregas, cubriendo doble horario de viernes a domingo.

Teatro Fernando Soler.

EXTRAÑOS EN UN TREN

POR: Dalia María Teresa De león Adams.

Conocido como cine negro el exitoso film norteamericano “STRANGERS ON A TRAIN” fue dirigido por Alfred Hitchcock en 1951 bajo la adaptación de Raymond Chandier sobre la novela original de Patricia Highsmit.

En el Thriller compartieron créditos los actores Farbey Granger Ruth Roman y Robert Walker. Actualmente y gracias al éxito obtenido, EXTRAÑOS EN EL TREN se encuentra adaptado por Pablo Rey y bajo la dirección artística de Manuel González Gil en el Teatro SOGEM.

Perteneciente al género de intriga EXTRAÑOS EN UN TREN ventila el encuentro casual de dos hombres jóvenes que coinciden en el vagón de un tren en la Unión Americana. Ellos son Paul Haines, un arquitecto de apariencia distinguida, quien viaja para arreglar su próximo divorcio con su esposa Miriam, quien le ha sido infiel con uno de sus mejores amigos y, quien sin embargo al ver el éxito profesional de su marido Paul, le niega el divorcio. Paul  en ese momento pretende casarse con Anne, la bella hija de un senador.

Por otro lado Bruno Anthony es un hombre alcohólico rico, a quien su propio padre le roba la herencia y maltrata a su madre, hecho que le hace odiarle hasta el punto de planear asesinarlo. Para ello, intentará involucra mediante el diálogo que sostiene con el hasta entonces desconocido Paul Haines. Bruno intimida a Paul formulándole una serie de preguntas con respecto su vida personal.

Tras momentos de conversación entre ambos Bruno abiertamente propone matar a Miriam a cambio de que Paul le arranque la vida a su padre mientras duerme y de ese modo, supuestamente ser libres. Paul lo toma como broma y se despide pero, tras de la publicación del asesinato de Miriam, cometido por Bruno, éste no deja de acosarlo e involucrarlo para que cumpla con el pacto por él planeado verbalmente.

La trama transcurre en un solo acto y cuadro escénico muy bien planeado, en donde se desarrolla la historia llena de suspenso sobre y bajo un puente de ferrocarril a media luz, lo cual logra otorgarle el efecto de teatro negro. En el se recurre a introducir ocasionalmente objetos movibles que le dan la apariencia de estar dentro de un vagón, dos casas habitaciones, una biblioteca y una estación de ferrocarril.

Respecto al matiz de los personajes cargados de gran emotividad, ello se logra gracias a las magníficas actuaciones de Alejandro Camacho en el rol de Bruno y, Plutarco Haza como Paul, compartiendo créditos junto con Sherlyn y Carlos Ignacio, siendo este último quien le infiere un toque de humorismo negro al jugar el rol del investigador del crimen, con un toque de comicidad, pese al drama.

EXTRAÑOS EN UN TREN ha cruzado fronteras, logrando ser puesta en escena en territorio hispanoamericano bajo el título de “Pacto Siniestro” título también muy ad-hoc con la trama de esta puesta en escena

La obra teatral EXTRAÑOS EN UN TRE la puede Usted disfrutar en el Teatro del SOGEM Wilberto Cantón de la ciudad de México, los fines de semana en doble función.

GABY VEGA Y LOS NUBESINOS EN CONCIERTO.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Baile, canto y diversión es la consigna del concierto infantil en donde se intenta destacar valores como la amistad, la fidelidad y la empatía.

El  concierto esta dedicado especialmente a un público integrado por infantes en la etapa de estudios “Pre-escolar” a quienes van dedicadas rítmicas canciones cuya letras narran cuentos e historietas plagadas de consignas para una mejor convivencia, cuidado a los animales y plantas, así como el respeto mutuo.

El concierto es un espectáculo lleno de colores en donde se presenta la Cantante Gaby Vega acompañada de dos menores quienes también cantan y colaboran a llevar en buen puerto el evento, al igual que el grupo musical que les acompaña en vivo, integrado de un tecladista, dos guitarristas, y un baterista.

La escenografía cuenta con un medio multimedia, el cual sirve de apoyo a las canciones, pues en la pantalla se muestran imágenes que ilustran la canción, al igual que la presentación de muñecos qué en su mayoría son “Los nubesinos”; nos referimos a unos seres que no son personas ni animales, sino algo más cercano y simbólico para la apreciación de los pequeños.

Los niños disfrutan de las melodías y colaboran ocasionalmente con Gaby Vega, cuando introduce con una narración o explicación cada una de sus canciones y, que ellos parecen ya conocer.

Las canciones proponen valores como la positividad y la tolerancia hacia otras personas que son conocidos, amigos o parientes y seres del planeta.

No en balde Gabriela Vega lleva veinte años de trayectoria como interprete y compositora de su música el cual ha ido aunando con trabajo de doblaje de programas infantiles, además de haber colaborado tocando con cantantes como Alex Syntek, Pepe Aguilar, Julieta Venegas o OV7.

GABY VEGA Y LOS NUBESINOS EN CONCIRTO se presentan los días domingos por la mañana hasta el día 26 de febrero, en “El Lunario” del Auditorio Nacional.

ALGO SOBRE LAS LEYES DE LA GRAVITACIÓN UNIVERSAL.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

ALGO SOBRE LAS LEYAS DE GRAVITACIÓN UNIVERSAL es el cuento de Daniel De la O que bajo la dirección artística de Félix Arroyo y Giselle Sandel, han adaptado teniendo como reparto estelar a la actriz Mercedes Hernández.

Esta puesta en escena fue presentada  como parte del Décimo Segundo Festival de Monólogos en la Ciudad de México, después en Jalisco, posteriormente en el teatro Orientación y ahora tocó turno a partir del pasado sábado 11 de febrero en el escenario del foro teatral “La Gruta” en el Centro Cultural Helénico.

ALGO SOBRE LAS LEYES DE LA GRAVITACIÓN UNIVERSAL se basa en la explicación somera de algunos conceptos teóricos respecto a las leyes de la gravitación, mencionando a algunos de los grandes teóricos de la física como lo fueran  Issac Newton, Albert Einstein o Arquímedes de Siracusa

Sin embargo esta no es una obra teatral documental, esta lejos de serlo. Las leyes de la Gravitación sólo sirven de pretexto para presentar una obra divertida pero ficticia, o un cuento bajo un supuesto fondo teórico.

En el programa de mano se lee de manera textual una explicación que nos hace pensar que su escritor interesado en un contexto científico, fue lo que detonó su obra cuya trama incluso se antoja para ser presentado para el público infantil. El texto en el que se basa dice:

-“Las leyes de la física están ahí como conjuros para recordarnos como un hechizo que los cuerpos que transitan por el mundo, y que nosotros somos apenas partículas  en el Universo capaz de desplazarse. Si las leyes de la física son válidas para todos los cuerpos del Universo, deberíamos asumir que estamos compuestos en partes diminutas de cada uno de los elementos que habitan en el infinito.”-

Bajo éstos preceptos Daniel de la O escribió un cuento cuya historia presenta un personaje femenino protagónico el cual se describe como un ser hermoso embrujado que a causa de la envidia provocada, hace que una hechicera la transforme en un ser volátil con una masa corporal casi carente de peso, de tal modo que sus padres se verán en la obligación de amarrarla de los pies, a una enorme piedra. Sin embargo el destino harán que un amigo en su adolescencia aparezca en su camino y la libere del yugo y le permita volar lo alto que le sea posible. Viaje que descubre de manera alucinante y del cual goza e intenta compartir experiencia con su público, pues dicho personaje sirve de narrador de su propia historia.

Con ello empezaría un bello y mágico viaje más allá de las estrellas y el cual describe con ingeniosa imaginación.

La actriz durante todo el monólogo se presentó con un joven músico llamado Juan Domingo Rogel, quien con sus melodías y sonidos, ambientaba la narración del cuento.

Ambos lograron hacer agradable esta puesta en escena difícil, como comúnmente suelen ser los monólogos al carecer de diálogos emitidos por otros personajes, quienes hacen más digerible cualquier historia.

ALGO SOBRE LAS LEYES DE LA GRAVITACIÓN es un cuento que al fin de cuentas le liberará momentáneamente del estrés del día.

EXTRAÑOS EN UN TREN

POR: Dalia María Teresa De león Adams.

Conocido como cine negro el exitoso film norteamericano “STRANGERS ON A TRAIN” fue dirigido por Alfred Hitchcock en 1951 bajo la adaptación de Raymond Chandier sobre la novela original de Patricia Highsmit.

En el Thriller compartieron créditos los actores Farbey Granger Ruth Roman y Robert Walker. Actualmente y gracias al éxito obtenido, EXTRAÑOS EN EL TREN se encuentra adaptado por Pablo Rey y bajo la dirección artística de Manuel González Gil en el Teatro SOGEM.

Perteneciente al género de intriga EXTRAÑOS EN UN TREN ventila el encuentro casual de dos hombres jóvenes que coinciden en el vagón de un tren en la Unión Americana. Ellos son Paul Haines, un arquitecto de apariencia distinguida, quien viaja para arreglar su próximo divorcio con su esposa Miriam, quien le ha sido infiel con uno de sus mejores amigos y, quien sin embargo al ver el éxito profesional de su marido Paul, le niega el divorcio. Paul  en ese momento pretende casarse con Anne, la bella hija de un senador.

Por otro lado Bruno Anthony es un hombre alcohólico rico, a quien su propio padre le roba la herencia y maltrata a su madre, hecho que le hace odiarle hasta el punto de planear asesinarlo. Para ello, intentará involucra mediante el diálogo que sostiene con el hasta entonces desconocido Paul Haines. Bruno intimida a Paul formulándole una serie de preguntas con respecto su vida personal.

Tras momentos de conversación entre ambos Bruno abiertamente propone matar a Miriam a cambio de que Paul le arranque la vida a su padre mientras duerme y de ese modo, supuestamente ser libres. Paul lo toma como broma y se despide pero, tras de la publicación del asesinato de Miriam, cometido por Bruno, éste no deja de acosarlo e involucrarlo para que cumpla con el pacto por él planeado verbalmente.

La trama transcurre en un solo acto y cuadro escénico muy bien planeado, en donde se desarrolla la historia llena de suspenso sobre y bajo un puente de ferrocarril a media luz, lo cual logra otorgarle el efecto de teatro negro. En el se recurre a introducir ocasionalmente objetos movibles que le dan la apariencia de estar dentro de un vagón, dos casas habitaciones, una biblioteca y una estación de ferrocarril.

BOZAL.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

-“Bozal es un “teatro en gravedad cero” donde actores y espectadores vuelan juntos. Dejamos de pisas tierra firme y rechazamos ser terrícolas; mejor nos identificamos con extraterrestres y su visión distante: elegimos ahora tripular ovnis dentro de este teatro y estudiar lo humano desde el cielo como otra raza vecina.-“

Richard Viqueira escribió estas palabras con respecto a la puesta en escena de la obra BOZAL siendo el dramaturgo y director de la misma, la cual tiene como consigna el intento de hacernos sentirnos parte de un viaje rumbo al espacio Sideral; sueño o incógnita que significa para muchos el convertirse en un astronauta, en pleno viaje rumbo a la Luna.

Valentín González con su escenografía ingeniosa y el diseño de vuelo de Iván Cervantes,  crearon un escenario en donde el espectador puede sentir la sensación de volar junto con los personajes protagónicas de ésta obra. Para ello situaron unas casilla manipuladas con cables, para subir y bajar a varias personas del público, a las cual colocan cercanamente a la plataforma central móvil que hace posible el desarrollo de la historia y, por supuesto en donde sitúan la presentación de los personajes.

Algunas otras de las personas del público son ubicadas en la parte inferir del escenario. Éstas permanecen acostadas, viendo desde abajo el desarrollo de toda la obra.

A media luz la trama transcurrió de manera ingeniosa, haciendo que incluso las personas que permanecíamos un poco más distantes desde nuestras butacas, gozáramos de dicha experiencia visual.

La obra trata de dos astronautas que viven y padecen experiencias alucinantes, en donde supuestamente uno de ellos se transforma en un hombre lobo, por lo cual su compañero astronauta intentará por miedo defenderse. A su vez el hombre maltratado sufre al creer que su compañero intenta someterlo y violarlo.  Sin embargo al enfrentarse y tratar de dialogar, ambos caen en grandes desacuerdos e incredulidad respecto a los hechos acontecidos durante el viaje.

Cabe mencionar que los personajes se mueven entre sus propios miedos, psicosis  y visiones, productos de la experiencia que les produce el espacio alucinante. El apoyo recibido desde la base espacial resulta insuficiente para impedir un desenlace trágico de la tripulación.

BOZAL termina siendo una puesta en escena muy peculiar que vale la pena presenciar por su originalidad y creatividad. Ésta se presenta en el Teatro Julio Castillo y Usted la podrá disfrutar los fines de semana hasta el día 16 de abril, con la actuación estelar de Omar Adair, David Blanco y Rojo Córdova, bajo la producción del INBA y la Secretaría de Cultura.

HEROÍNAS TRANSGRESORAS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

El Ciclo de Ópera de Cámara HEROÍNAS TRANSGRESORAS dio inicio este pasado día martes 31 de enero en el Teatro Helénico, en donde se esta presentando gracias a las piezas operísticas presentadas por su escritora Luz Angélica Uribe. Dirige esteban Castellanos.

Ella misma funge como cantante y actriz estelarizando el personaje de Cunegonda. Es una diva enamorada de su marido quien le es totalmente infiel y, con quien comparte su vida artística pues a la vez es su maestro de canto.

El marido es representado por un manequí el cual permanece durante toda la puesta en escena. Ésta obra operística es un monólogo muy bien estructurado, en cuanto a que no precisa de otros actores con los cuales compartir créditos, pues esta escrita de tal manera que Cunegonda logra expresar sus sentimientos y acontecimientos con ésta trama divertida.

HEROÍNAS TRANSGRESORAS comprende siete arias operísticas, interpretadas como ya dijimos con la magnífica voz de la cantante soprano Luz Angélica Uribe, la cual es acompañada de la interpretación al piano de Mario Alberto Hernández, quien sin embargo no aparece en escena en ningún momento.

La obra es un drama, escrito a manera de humorismo negro, de tal modo qué pese a lo cruento de su final HEROÍNAS TRANSGRESORAS termina dejando un buen sabor de boca al espectador que ríe con la gracia que la actriz logra otorgarle a su personaje.

Ésta puesta en escena nos sumerge en la literatura romántica, género en el cual se ubica por el tratamiento de  su historia, en cuanto al fatalismo en que incurre el personaje protagónico quien no logar escaparse de su destino. Por otro lado también, debido al  rol asumido como ente femenino quien debe sufrir su castigo en la adversidad.

Cunegonda es un espíritu que revive momentos que le llevase el convertirse en una estrella operística. Su voz le permite amasar grandes éxitos en escena; empero a su fama, sufre el desasosiego que le causa la promiscuidad en que se desenvuelve afanosamente su marido, a quien decide asesinar.

LA COSA MAS PARECIDA A LA VIDA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Montaje círquense-teatral puesto en escena en el espacio abierto de la “Plaza San Ángel Salas” del Centro Cultural del Bosque, dirigido por Firenza Guidi bajo la producción de “Tránsito Cinco Artes Escénicas S. C.”

No en balde el título ésta obra LA COSA MÁS PARECIDA A LA REALIDAD, pues encierra la parte medular de la trama que tiene como consigna justamente, el lograr dar un acercamiento real con respecto a la relación de muchas parejas en el ámbito del amor, la pasión, la ilusión y la desilusión, así como el deseo, la ira, la complicidad y todo tipo de sensación, que se producen comúnmente entre una pareja sentimental en la actualidad.

La trama tiene la peculiaridad de tener como apoyo escénico la utilización de aros, telas, trapecios, mástil chino, mástil flotante, malabares, jumping y stilts, junto con la utilización del fuego y, la música en vivo, así como la presencia de un clown (payaso); todo ello con el impacto y magia que se logra en una puesta círquense pero, a diferencia de ésta, contiene una trama; la trama de las relaciones sentimentales o amorosas.  

Mientras actúan los artistas, el público los va siguiendo muy de cerca, pues ellos se mueven constantemente sobre la plaza, en donde se encuentran colocadas algunas bardas metálicas, para permitir cierta privacidad ejecutar tanto las actuaciones como también los números de circo.

Dicho de otra manera, el público no se encuentra instalado en butacas o sillas alrededor del escenario, con lo cual se logra que el auditorio se siento un poco más cercano al elenco estelar.

Dicho reparto se encuentra formado por Jessica Laura González López, Ohtocani Álvarez, Joaquín Alejandro Lozada, Ana Ortiz Herrasti, Yollotl Manzur, Nallely Vargas, Emiliano Gallardo, Mireya González Martínez, René Márquez Zavala, Alejandro Molina y Jorge Díaz Mendoza.

LA COSA MÁS PARECIDA A LA REALIDAD concluirá sus representaciones la tarde de hoy, día domingo 29 de enero, las cuales por cierto, han sido de manera gratuita.

DIVINO PASTOR GÓNGORA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Es un collage de citas sobre textos literarios de la literatura clásica novohispana, en donde se incluyen sainetes de José Macedonio Espinosa y Calderón de la Barca, así como un poema de Luis de Sandoval y Zapata, además de citarse a Lope de Vega.

EL DIVINO PASTOR escrita por el mexicano Jaime Chabaud, quien cuenta con una creación de 130 obras en donde se incluyen dramaturgias como ésta.  Acerca de su creador le informaremos que Jaime Chabaud es un brillante hombre de letras, quien suele ser más reconocido en el medio editorial y tambien en le televisión; con sus escritos generalmente hace gala de su gran cultura, como logramos percibir en ésta puesta en escena, por ejemplo.

La obra es un monólogo actuado por José Sefami, quien interpreta con gran versatilidad no solamente a su personaje protagónico de Divino Pastor Góngora, sino además, a otros personajes que forman parte de la ficción de la dramaturgia. Para ser más clara al respecto, le diremos que en la historia, un cómico se enfrenta a la furia de un Inquisidor hispano. El artista preso y víctima de un cruel destino se refugia en el recuerdo de sus propias vivencias, por lo que al narrarlas, se da a la tarea de representar a dichos seres, tanto a los queridos, como a los detestados o bien, a las personas que casualmente llegaron a su vida marcando sus recuerdos.

Bajo la dirección artística de Mauricio García Lozano la cual tiene como referente una prisión, José Sefami interpreta al DIVINO PASTOR GÓNGORA con la gracia, tristeza, asombro y frustración, que son los sentimientos médulares que necesita expresar el drama y trasladar mediante la magia de la plástica actoral al público espectador, cada vez que se alza el telón.

Para su interpretación solamente cuenta con el apoyo de una carreta vieja, a la usanza de la época medieval, de donde saca un pequeño tapete y una especie de rendija o corral que le sirve para montarse sobre él y dar lugar al personaje del Inquisidor.

La obra sin embargo, pese a presentar una situación cruenta, lleva muchos tintes de comedia, por lo cual arranca algunas risas de la gente.

La obra teatral lleva como consigna el intentar “reordenar la moral del mundo” como advierte el director de ésta puesta en escena y qué como ya le informamos, se encuentra a cargo de Mauricio García Lozano.

La trama transcurre en un escenario a media luz, lo cual le otorga la atmósfera del encierro del cómico, en territorio inquisitorio. José Sefami logra darle vida a los distintos personajes que incurren en su narrativa, pese a no lograr otorgarles una fonética que simule las voces femeninas, pero ello no distrae al público de saber que los representa, pues mediante movimientos corporales y visajes en su rostro, logramos distinguir a cada uno de ellos.

EL DIVINO PASTOR GÓNGORA se presenta en el teatro El Galeón de jueves a domingos, bajo la producción de La Secretaría de Cultura y Producciones Integrales Artística, bajo el apoyo del INBA y la SEP.

LA CHUNGA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Fábula escrita por uno de los galardonados por el premio de Literatura. Me refiero al escritor peruano Mario Vargas Llosa, quien hoy día goza en España junto con su futura esposa Isabel Presley, de su amplio reconocimiento como escritor latinoamericano, mostrando estar aún comprometido con su pluma e ideología.

LA CHUNGA fue escrita en el año de 1945 teniendo como referente el país de su escritor, es decir en la región de Piura; sin embargo contiene una temática qué desgraciadamente continúa siendo vigente hoy día, por lo menos en nuestro país, en donde sigue incrementándose el número de casos de mujeres y niños victimas de la trata sexual, mediante sectores que utilizan las redes sociales para comprarlos y esclavizarlos.  Esto según datos de la Comisión Internacional de Derechos Humanos, la cual mediante estadísticas informó qué se arrojan que tan sólo en México, entre los años 2012-2015, 7,600 casos de mujeres desaparecidas.

La trama de LA CHUNGA aborda un caso ficticio que ejemplifica el problema mediante el personaje protagónico de Meche representada por Estephany Hernández. Personifica a una joven y bella mujer que es abusada por su pareja sentimental Josefino, quien la vende al igual que ha hecho anteriormente con varias mujeres ingenuas, que se dejan someter en busca de amor y protección y, a las que termina prostituyendo con falsa promesas y diálogos sofistas.

LA CHUNGA es estelarizada por la actriz Dolores Heredia, una mujer madura quien intentará ayudar a Meche. La actriz comparte créditos en la actuación con el actor Roberto Sosa, en el rol de Josefino, un hombre malo carente de escrúpulos.

Ambos actores son muy reconocidos por su labor en el medio artístico, por lo cual esta por demás hablar de su brillante actuación, la cual fue ovacionada por el público con un caluroso y efusivo aplauso.

La dramaturgia es presentada en un solo acto, cuyo cuadro escenográfico muestra una gran cantina en Piura, cuya alcoba de la Chunga se encuentra a lo alto, y sirve al director para mostrar el resto de la historia.

La obra teatral presenta a un grupo de hombres, quienes frecuentemente se presentan a jugar cartas y embriagarse junto con Josefino.  Ellos son El Mono (Jorge Zárate), Lituma (Alfonso Cárcamo) y José (Edgar Parra).

La cantina pertenece a Doña Chunga, una mujer machorra, pero con tintes de sabiduría quien se esconde bajo una apariencia fría y poco atractiva, para defenderse de posibles abusos y de su propia fragilidad.

La trama es matizada con diversos tintes psicológicos interesantes, que muestran los deseos escondidos de cada uno de los personajes, lo cual hace un poco confuso el desarrollo de la narración, en cuanto a saber qué era real y qué era ficticio dentro de la misma historia, la cual no por ello deja de ser una obra de denuncia; denuncia sobre la trata de personas.

Ésta cuenta con un fin impreciso para el espectador, pero muy interesante, acorde con la trama y, como escribiera el mismo director “ la memoria de los testigos constituye un macabro y confuso mosaico de posibilidades que arroja más preguntas que respuestas.-

Empero a ello, la obra teatral logró que el público mostrara su agrado por esta puesta en escena bajo la gran dirección artística de Antonio Castro, prueba de ello es su gran concurrencia en el foro del Teatro Orientación.